Les grilles de Bob... Mai 2021

 

Horizontal

A On y danse plutôt la java que le jazz.
B Il joue souvent à l'Arsenal, au BAM ou aux Trinitaines.
Si Anita O'Day était encore vivante elle serait centenaire…
C Liqueur à base de citron.
D Initiales d'une batteuse française.
Agglutination de préposition et d'article défini.
E Ils percevront ces bruits par leur ouïe fine.
F Refuser.
Certains la sniffent.
G Il cherche à séduire par la parole.
H Beaucoup de techniciens y sont passés.
Fleuve du nord de l'Espagne.
I Initiales d'un contrebassiste Germano-Nigérian.
Groupe de rap français des années 90.
J Le « Temple du rock » à Paris.

Vertical

1 Percussionniste américain, connu pour ses nombreux ouvrages pédagogiques.
2 C'est mieux de l'être quand on joue ensemble.
Tu démentis.
3 Dépourvu de matière, le son l'est.
4 Drames lyriques.
5 Langue de l'est de la Chine.
Instrument de musique arabe.
6 Chaîne de cinémas français.
CNI en Espagne.
Mais où est donc nicar...
7 Première lettre du nom d'un pianiste, d'un arrangeur et d'un saxophoniste homonymes.
Prénom d'un pianiste français surnomé Le Roi… 
8 Pratique pour communiquer.
Le Capitole ne pouvait s'en passer.
Juste après la dernière note.
9 On y apprend les langues et civilisations orientales.
10 Dès qu'il pourront retourner dans les salles de concerts.

Solution de la grille d'avril 2021

Tall Man Was Here – Surnatural Orchestra

Surnatural Orchestra est un grand ensemble d’une vingtaine de musiciens formé en 2000. Il publie un premier opus éponyme en 2003, suivi de Sans Tête (2009), Pluir (2012), Profondo rosso : notes pour un ciné-spectacle (2013), The Lost Tapes (2015), Ronde (2016), Esquif (2018) et Tall Man Was Here, sorti le 20 novembre 2020.

Associé à la plasticienne Elizabeth Saint-Jalmes, Tall Man Was Here est un « concert scénarisé-scénographié » créé en novembre 2018 au Nouveau Théâtre de Montreuil. Le spectacle a été, entre autres, représenté aux Nuits des Arènes de Lutèce, en juin 2019. Le disque compact se présente dans un coffret en bois artisanal, peint en noir, dans lequel se trouvent une craie (pour se lâcher sur le coffret…), le livret et le disque. Le livret est un patchwork touffu de chansons, photos du spectacle, poèmes, partitions, croquis, citations (Alain Damasio), explications, distribution…

Pour Tall Man Was Here, Surnatural Orchestra réunit vingt-deux musiciens et Le petit chœur de Faux-la-Montagne. Dix compositions originales, dont quatre OS (objets sonores), signées Fanny Ménégoz, Cléa Torales, Adrien Amey (membre fondateur de l’orchestre, mais qui ne joue pas sur ce disque), Boris Boublil, Baptiste Bouquin, Nicolas Stephan et Fabrice Theuillon. Pas de chef d’orchestre, mais les musicien orientent la musique en utilisant notamment la technique du Soundpainting, développée par Walter Thompson depuis le milieu des années soixante-dix.

Tall Man Was Here s’ouvre sur le chant des baleines (« Baleines boréales ») et se poursuit dans des ambiances bigarrées, du cirque (« Yusef ») au funk (« Heavy Yak »), en passant par le bal musette (« Tarenrella ally-pally »), la musique répétitive (« En requiem »), le mystère (« Le battement de ses paupières »), une élégance aérienne (« Veracruz »), la folk (« Tall Man Is Dead »)… Mais Surnatural Orchestra s’amuse à brouiller les pistes avec beaucoup d’humour : la java tourne à l’opéra bouffe et se conclut sur un pastiche de final mozartien (« Tarenrella ally-pally »), une ode baroque à la Henry Purcell laisse place à une chanson irlandaise, puis aux cris déchirés du saxophone baryton (« Tall Man Is Dead »), des textes dada décalés se mêlent aux foisonnements instrumentaux (« La condamnation du yak »)… Croisement de voix dans tous les sens (« Yusef »), superposition de plans (« Baleines boréales »), fuges (« Tarentella ally-pally »), contre-chants (« Yusef »), chœurs (« Retreat »), questions-réponses (« Heavy Yak »), brouhaha organisé (« Tall Man Is dead ») et rythmique puissante avec deux batteurs et un percussionniste (« Retreat ») : les maître-mots du Surnatural Orchestra sont interaction et expressivité.

Tall Man Was Here propose une musique d’avant-garde joyeuse et pétillante de malice. Surnatural Orchestra, c’est le plein de bonne humeur assuré !

Le disque

Tall Man Was Here

Surnatural Orchestra

Fanny Ménégoz (fl, afl, piccolo, voc), Robin Fincker (cl), Baptiste Bouquin (as, cl, voc), Basile Naudet (as), Jeannot Salvatori (as, cavaquinho, voc), Camille Secheppet (as, bs cl), Cléa Torales (as, fl, voc), Guillaume Christophel (ts, bcl, cl, voc), Nicolas Stephan (ts, voc), Morgane Carnet (bs), Fabrice Theuillon (bs), Antoine Berjeaut (tp, bugle, synthé), Pierre Millet (tp, bugle), Julien Rousseau (tp, bugle, euphonium), Hanno Baumfelder Hanno (tb, voc), François Roche-Juarez (tb, voc), Judith Wekstein (btb), Fabien Debellefontaine (sousaphone), Boris Boublil (kbd, synthé, g, p, voc), Sven Clerx (perc), Emmanuel Penfeunteun (d) et Ianik Tallet (d), avec Le petit choeur de Faux-la-Montagne.

Sortie le 20 novembre 2020

Liste des morceaux

01. « Baleines Boréales », Boublil (9:07).

02. « Retreat », Boublil (4:57).

03. « Le battement de ses paupières », Ménégoz (4:30).

04. « OS2 - Heavy Yak », Amey (2:37).

05. « Yusef », Stephan (3:46).

06. « Veracruz », Theuillon (3:43).

07. « OS4 - Tall Man is dead », Stephan & Torales (6:14).

08. « OS3 - La condamnation du yak », Amey (3:15).

09. « Tarantella ally-pally », Bouquin (9:14).

10. « OS1 - En requiem », Stephan (4:44).

Petite biodiscographie de Chick Corea

Chick Corea naît le 12 juin 1941 à Chelsea, Massachusetts. Lorsqu’il a quatre ans, son père, trompettiste, contrebassiste et compositeur, le met au piano. Corea progresse vite et apprend également la batterie. En 1959, il passe brièvement par l’université Columbia et la Juilliard School, mais il préfère l’école des clubs. Au début des années soixante, il joue avec Cal Tjader, Herbie Mann, Willie Bobo, Mongo Santamaria, Sonny Stitt… En 1964, son premier enregistrement est un véritable baptême du feu : Corea joue dans le quintet du trompettiste Blue Mitchell, aux côtés de Junior Cook (saxophone ténor), Gene Taylor (contrebasse) et Al Foster (batterie). The Thing to Do sort sur le label Blue Note, il a évidemment été enregistré à Englewood Cliffs par Rudy Van Gelder et, cerise sur le gâteau, l’une de ses composition, « Chick’s Tune », est au répertoire...

Tones for Joan’s Bones et Now He Sings, Now He Sobs

En avant la musique !

En 1966, Corea enregistre son premier album en leader pour Vortex : Tones for Joan’s Bones. Woody Shaw est à la trompette, Joe Farrell au saxophone ténor et à la flûte, Steve Swallow à la contrebasse et Joe Chambers à la batterie. Le quintet interprète trois morceaux du pianiste - « Litha », « Tones For Joan’s Bones » et « Straight Up And Down » – et un standard d’Ira Gershwin et Kurt Weill, « This Is New ».

Le portrait en bleu de Corea sur un fond bigarré, très hippie, est typique des pochettes psychédéliques en vogue à l’époque à l’image de Bitches Brew de Miles Davis, Disraeli Gears de Cream, Odessey and Oracle des Zombies, The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, Are You Experienced? de Jimi Hendrix, Amigos de Carlos Santana, mais la liste est sans fin…

Tones for Joan’s Bones s’inscrit dans une veine hard-bop. « Litha » en donne une belle démonstration : unissons abrupts et énergiques, déboulés stratosphériques, walking et chabada véloces, accélérations brutales, développements qui respectent la structure thème – solos – thème… Dans « This Is New », Shaw et Farell rivalisent d’ingéniosité et de swing ! Corea profite de jouer en trio « Tones For Joan’s Bones » pour laisser son lyrisme et sa vitalité vagabonder. Le chorus de Swallow dans « Tones For Joan’s Bones » est inspiré et mélodieux. Retour à la vitalité hard-bop dans « Straight Up and Down », d’abord poussé par la walking grondante de Swallow et le chabada dynamique de Chambers. Le morceau prend ensuite une orientation plus expérimentale avec Corea qui adopte un accompagnement très contemporain – motifs dissonants, clusters, accords puissants, jeu dans les cordes... – pour souligner les chorus débridés de Shaw et Farell, tandis que Swallow et Chambers s’émancipent eux aussi, avec un solo inspiré du batteur.

Même si Tones for Joan’s Bones n’est pas révolutionnaire, sa musique n’a pas pris de rides et s’écoute toujours avec plaisir.

C’est avec Now He Sings, Now He Sobs, sorti en 1968 chez Blue Note, que Corea fait son
entrée dans la cour des grands. Accompagné par Miroslav Vitouš et Roy Haynes, Corea publie cinq pièces de son cru : « Steps – What Was », « Matrix », « Now He Sings, Now He Sobs », « Now He Beats the Drum, Now He Stops » et « The Law of Falling and Catching Up ». La réédition en disque compact permet d’ajouter deux standards – « My One And Only Love » de Guy Wood et Robert Mellin, et « Pannonica » de Thelonious Monk – plus six morceaux supplémentaires signés Corea : « Bossa », « Fragments », « Windows », « Samba Yantra », « I Don’t Know » et « Gemini ».

Now He Sings, Now He Sobs est également marqué par le be-bop : développements vifs (« Samba Yantra »), jeux harmonico-mélodiques (« Now He Sings – Now He Sobs »), structure thème – solos – thèmes (« Matrix »), walking et chabada au service du soliste (« Steps – What Was »), stop-chorus puissants (« Matrix »)… En plus des boppers, les ombres de Bill Evans (« My One And Only Love »), de Monk (« Fragments ») et du free (« Gemini ») plannent également au-dessus de Now He Sings, Now He Sobs. Quant à la patte de Corea, elle transparaît dans les éléments de musique contemporaine ou d’avant-garde qu’il glisse dans ses interventions (« Now He beats The Drum – Now He Stops », « Fragments », « The Law Of falling And Catching Up »), un traitement rythmique sophistiqué (« Now He Sings – Now He Sobs »), un lyrisme virtuose (« Windows ») ou raffiné (« Bossa »), quelques espagnolades (encore timides dans « Steps – What Was »), une relecture personnelle des thèmes (« My One and Only Love », « Pannonica »)… Corea est épaulé par une paire rythmique de luxe : Vitouš allie des lignes de basse d’une limpidité confondante (« Pannonica ») et des chorus chantants (« Now He Beats The Drum – Now He Stops »), tandis qu’Haynes possède un drumming charnel et musclé (« I Don’t Know ») et ses solos sont impressionnants de musicalité (« Steps – What Was »).

Dans la carrière de Corea, Now He Sings, Now He Sobs est le disque fondateur.

Return to Forever et My Spanish Heart

Fusion et pattes d’eph

En septembre 1968, changement de décor : recommandé par Tony Williams, Corea rejoint Miles Davis, passe aux claviers électriques et fait partie des aventure Filles de Kilimanjaro, In a Silent Way et Bitches Brew ! Le virage fusion est bel et bien pris : Corea fonde Return to Forever en 1971. Le premier disque éponyme du quintet sort l’année suivante chez ECM avec Farell, Flora Purim au chant, Stanley Clarke à la basse et Airto Moreira aux percussions. Au programme, quatre compositions de Corea : « Return to Forever », « Crystal Silence », « What Game Shall We Play Today » et « Sometime Ago – La Fiesta ».

Comme il se doit en cette fin des années soixante, l’ambiance est à l’onirismes, les pattes d’eph, Peace & Love… Les tambourins côtoient le Fender Rhodes, cristallin et aqueux, les rythmes latins chaloupés rencontrent les élans virtuoses du piano, un flamenco énergique voisine une mélodie relax… Les percussions de Moreira plantent un décor sud-américain singulièrement entraînant. La basse de Clarke est efficace et sa contrebasse redoutable ! Le phrasé brésilien et la voix voluptueuse de Purim apportent une touche sensuelle. Tandis qu’à la flûte et au ténor Farell renforce le côté musique du monde, au soprano, particulièrement éloquent, il met beaucoup de relief dans ses développements. Quant à Corea, il navigue entre un jeu rythmique marqué par l’Amérique du Sud et l’Espagne, son sens mélodique et sa dextérité héritée du be-bop.

Marqué par son époque, Return to Forever garde le charme, la nonchalance et l’insouciance de ces années d’émancipation…

Dès ses débuts, à la fin des années cinquante, dans l’orchestre de Phil Barboza, les
musiques arabo-andalouses et latines ont toujours attiré Corea. My Spanish Heart, qui sort en 1976 chez Polydor, reste dans une veine fusion, comme Return To Forever, mais est encore davantage influencé par les musiques du monde, et plus particulièrement sud-américaines. Outre Clarke, transfuge de Return To Forever, Corea réunit Gayle Moran (épouse de Corea depuis 1972) au chant, Jean-Luc Ponty au violon, Don Alias aux percussions, deux batteurs – Steve Gadd et Narada Michael Walden –, un quatuor à cordes et des cuivres. En dehors de « The Hilltop », signé Clarke, les neufs autres titres et les deux suites (« El Bozo » et « Spanish Fantasy ») sont de Corea.

Comme le titre de l’album l’indique, My Spanish Heart laisse une large place à la musique arabo-andalouse et latine. Corea se lance dans du crossover entre jazz, arrangements classiques, musiques sud-américaines et incursions électro. Les chœurs des cuivres sont tonitruants, comme dans un combo de salsa, le quatuor à cordes est souvent théâtral, malgré quelques échanges de haute voltige avec le piano, quant au sextet jazz, il swingue et maintient la carrure des morceaux avec brio. Tour à tour romantique, latino, bopper, espagnol, charmeur, vif comme Bartók… Corea s’active avec une énergie qui ne se dément pas. C’est aussi dans My Spanish Heart qu’il enregistre pour la première fois son morceau emblématique, « Armando’s Rhumba ». Dans la suite « El Bozo » – le simplet, mais aussi la moustache, en espagnol… –, qui compte trois mouvements, Corea joue avec des claviers en tous genres. Même si leurs sonorités sont datées, la musique est expressive et bouffonne. Pour la « Spanish Fantasy » en quatre actes, le quatuor et les cuivres sont de retour. Corea force les traits : trilles et triolets, arpèges et envolées flamboyantes, phrases grandiloquentes et embardées latines… avec un côté image d‘Epinal d’une fantaisie espagnole.

My Spanish Heart n’échappe pas à un côté kitch, mais reste foisonnant et souvent amusant.

Children’s Songs et Akoustic Band

Parenthèse acoustique

Au beau milieu de son épopée électrique, en 1984, Corea enregistre le concerto pour deux pianos et orchestre de Mozart avec Friedrich Gulda. C’est également cette année-là que Corea enregistre ses dix-neuf Children’s Songs en solo, plus un « Addendum » en trio avec un violon et un violoncelle, pour ECM. Superbes miniatures qu’il jouera souvent en concert, comme, par exemple, en 1992, lors d’une soirée inoubliable dans la salle Rios Reyna du Théâtre Teresa Careno de Caracas, devant plus de deux mille spectateurs, hypnotisés du début à la fin.

Comme le souligne Corea, il a été inspiré par les Mikrokosmos de Bartók, mais il y a aussi un côté Erik Satie dans certains de ces mouvements, très courts (de trente-huit secondes à deux minutes trente-huit). Des airs ciselés et délicats comme des comptines, poétiques et souvent empreints de romantisme, alternent avec des thèmes mélodico-rythmiques. Les variations, pour la plupart vives et rythmées, rebondissent sur des ostinato, pédales, riff, motifs arpégés, contre-chants et autres balancements plein de swing. L’« Addendum » prend résolument le chemin de la musique de chambre du début vingtième.

Les Children’s Songs sont des petits bijoux d’études dont on ne se lasse pas.

Laissant de côté la fusion, Corea revient à la formule du trio, en compagnie de John Patitucci
à la contrebasse et Dave Weckl à la batterie. Akoustic Band sort un album éponyme en 1989 chez GRP Records. Retour également à un répertoire de standards : « My One and Only One », « So in Love », « Sophisticated Lady », « Autumn Leaves » et « Someday My Prince Will Come ». A cela s’ajoutent des classiques de Corea : « Circles », réminiscence de son groupe d’avant-garde Circle (1970 – 1971), avec Anthony Braxton, Dave Holland et Barry Altschul, et « Spain », tube de Return To Forever (Light As A Feather – 1973). « Morning Sprite » et « T.B.C. (Terminal Baggage Claim) » viennent compléter le programme.

Le trio vrombit commme un gros moteur : des walking et chabada à la veux-tu en voilà (« My One and Only Love »), des shuffle et rim shot de derrière les fagots (« T.B.C. »), des thèmes – solos – thèmes aux petis oignons (« Autumn Leaves »), des stop-chorus luxuriants (« Bessie’s Blues »), des développements qui franchissent le mur du son (« So In Love »), quelques espagnolades (« Spain ») et touches latino (« Morning Sprite »), un balancement contagieux (« Someday My Prince Will Come »), des dialogues pimentés (« Circles »)… Akoustic Band s’inscrit dans une veine be-bop pur jus. Corea enlumine les thèmes (« Sophisticated Lady ») et tournicote autour (« Someday My Prince Will Come ») avant de les dérouler avec vélocité (« Autumn Leaves »), un swing impressionnant (« My One and Only Love ») et ce lyrisme démonstratif si typique de son jeu (« Sophisticated Lady »).

Corea revient pour un temps sur ses premières influences, Bud Powell, Horace Silver, Bill Evans, Teddy Wilson… Akoustic Band ne change pas la face du monde, mais avec une paire rythmique de cet acabit et un pianiste de ce calibre, la musique n’en reste pas moins sacrément impressionnante !

Play

Place à la voix

En 1992, Corea et Ron Moss créent le label Stretch Records à l’occasion de la sortie de Heart of The Bass de Patitucci, mais il faudra attendre 1997 et l’association avec Concord Records pour que le label du pianiste décolle réellement. 1992, c’est aussi l’année de Play, qui sort chez Blue Note. Corea aime jouer dans toutes les configurations et de nombreux duos émaillent sa carrière : Gary Burton, Herbie Hancock, Keith Jarrett, John McLaughlin, Bela Fleck, Hiromi Uehara, Stefano Bollani... Mais c’est avec la voix de Bobby McFerrin qu’il croise les notes dans les six morceaux de Play : « Spain », « Even For Me » (Don’t Worry, Be Happy), « Autumn Leaves », « Blues Connotation » (Circling In), « Round Midnight » et « Blue Bossa ».

Si McFerrin a été révélé au grand public grâce à son tube « Don’t Worry, Be Happy », sorti en 1988, les amateurs de jazz, eux, l’ont découvert en 1984 avec le premier disque vocal en solo absolu, The Voice. Sa tessiture, sa justesse, son agilité et sa mise-en-place parfaite servent à merveille la musique de Play. De questions-réponses virtuoses, parsemées de modulations (« Spain »), aux imitations caricaturales des crooners (« Autumn Leaves »), en passant par une ligne en walking (« Blues Bossa ») et des vocalises éthérées (« Round Midnight »), McFerrin se montre une fois de plus d’une musicalité époustoufflante. Le duo s’amuse de bout en bout avec des dialogues piquants (« Autumn Leaves »), des échanges rythmiques amusants (« Blue Bossa »), des unissons énergiques (« Blue Connotation ») et une connivence évidente (« Blue Bossa »).  Corea est un accompagnateur exceptionnel ! Ses contrepoints en harmonie avec la voix (« Spain »), son soutien rythmique puissant (« Even From Me »), ses phrases en parfaite osmose avec les vocalises (« Round Midnight »), ses lignes entraînantes (« Autumn Leaves »)… tout son jeu s’adapte à son partenaire, comme un caméléon ! Sans oublier ses chorus mélodieux (« Even From Me ») et sensibles (« Round Midnight ») ou post-bop (« Autumn Leaves ») et dansants (« Blue Bossa »).

Dans Play, Corea et McFerrin se sont bien trouvés et leur duo, dynamique et brillant, ne peut pas laisser indifférent.

The Song Is You

Return To The Future

Retour à l’avant-garde avec The Song Is You. Ce disque sort sur le label d’Alan Douglas en
1997. En fait, le disque a été enregistré seize ans plus tôt au Festival de Jazz de Woodstock, organisé par Jack DeJohnette pour collecter des fonds afin de soutenir le Creative Music Studio, fondé en 1971 par Karl Berger et Ornette Coleman.

« Les plages sont à géométrie variable : Braxton, Corea, Vitous et DeJohnette commencent avec « Impression », Konitz les rejoint pour « No Greater Love », et Metheny remplace Konitz sur « All Blues ». Le trio Corea - Vitous - DeJohnette entame le deuxième disque avec « Waltz » et « Isfahan », puis le duo Corea et Konitz conclut avec « Stella By Starlight » et « Round Midnight ».

Que dire des interprétations ? Plongé dans ces morceaux, l’auditeur est maintenu en apnée du début à la fin ! DeJohnette et Vitous (quel archet !), particulièrement tenaces, ne lâchent pas leur(s) leader(s). Corea est éblouissant au four comme au moulin ! Metheny est aérien. Braxton et Konitz rivalisent d’intelligence, et les deux duos de Konitz et Corea laissent pantois.

The Song Is You, « la chanson, c’est vous ». Peut-être. Quoiqu’il en soit, la chanson est belle, très belle, trop belle même ! » (extrait d’une chronique de 2006).

The New Crystal Silence et The Continents, Concerto For Jazz Quintet & Chamber Orchestra

Crossover, quand tu nous tiens

En 2008, pour The New Crystal Silence (Concord Jazz), Corea retrouve Burton, équipier au long cours avec qui il aura enregistré pas moins de six disques en duo : Crystal Silence (1972), Duet (1979), In Concert, Zürich, October 28, 1979 (1980), Native Sense (1997) et Hot House (2012). Dans le premier opus du double disque, les deux musiciens interprètent cinq compositions de Corea accompagnés par l’Orchestre Symphonique de Sydney et dans le deuxième, ils jouent ensemble cinq morceaux signés Corea, plus « Waltz for Debby », « Sweet And Lovely » et « I Love You Porgy ».

Le premier disque croise musique classique et jazz. Le mélange évoque souvent les musiques de films (« Love Castle »), avec des mouvements d’ensemble théâtraux (« La Fiesta »), parfois grandiloquents (« Duende »). Si dans la plupart des pièces l’orchestre sert de décor (« Brasilia ») sur lequel Corea et Burton dialoguent habilement (« Love Castle »), les quelques interactions avec le vibraphone et le piano donnent du relief aux morceaux (« Crystal Silence »).

Dans le deuxième disque les deux compères ont des discussions animées ! Tantôt dans une veine bop (« Bud Powell »), tantôt plutôt latino (« No Mystery »), voire Espagnol (« La Fiesta »). Du swing intense (« Señor Mouse »), une valse virtuose (« Waltz For Debby »), une entente de tous les instants (« Alegria »), des échanges foisonnants (« La Fiesta »), des jeux de cache-cache autour des thèmes (« I Love You Porgy »), la nostalgie du stride (« Sweet and Lovely »)… En bref, huit duos de haute volée.

Après l’écoute du deuxième disque de The New Crystal Silence, se pose la question de la pertinence de l’orchestre symphonique sur le premier disque...

Toujours attiré par la musique classique – Béla Bartók, Wolfgang Amadeus Mozart,
Alexandre Scriabine… –, Corea enregistre en 2012 The Continents, Concerto For Jazz Quintet & Chamber Orchestra pour Deutsche Grammophon. Tout un symbole ! Le quintet est constitué de Steve Davis au trombone, Tim Garland aux saxophones, clarinettes et flûte, Hans Glawischnig à la contrebasse et Marcus Gilmore à la batterie. Le premier disque contient une suite sur le thème des six continents, inspirée par Mozart, et, dans le deuxième disque, le quintet joue « Lotus Blossom », « Blue Bossa », « Just Friends » et « What’s This? » (un thème de Corea), puis Corea joue onze « Solo Continuum ».

Comme The New Crystal Silence, The Continents est une œuvre typiquement crossover, avec des mouvements d’orchestre amples qui évoquent des arrangements cinématographiques (« Africa »), de courtes phrases des hautbois, basson, clarinette, flûte, violons… dans un style classique (« Antarctica »), des unissons majestueux (« Asia »), des glissandos des cordes (« Amérique »), des reprises en chœur (« Australia ») et autres tutti foisonnants (« Antarctica »). Les passages jazz et latin-jazz s’insèrent au milieu des envolées lyriques de l’orchestre de chambre avec, le plus souvent, le piano qui fait le lien entre les deux (« America »). Corea ne reprend pas les stéréotypes musicaux utilisés habituellement pour décrire les continents et ses descriptions sont tout à fait personnelles. Les chorus de Davis (« Europe ») et Garland (« Asia »), la paire Glawischnig – Gilmore (« Europe ») et les interventions de Corea (la cadence d’« Antarctica ») sont convaincantes, mais, comme assez souvent dans ces essais de mariage, la place de la musique de chambre semble un peu forcée.

Dans le deuxième disque, quand il joue en quintet, Corea navigue entre latin-jazz (« Blue Bossa »), bop (« Lotus Blossom », « Just Friends »), avec quelques légères incursions free (« What’s This »), en s’appuyant sur l’efficacité de Davis et Garland, et sur une rythmique aux petits oignons : walking soutenue de Glawisching et chabada souple de Gilmore. Vive, dynamique, tendue, la musique du quintet s’inscrit dans une veine néo-bop.

Les onze solos qui suivent sont concis, comme des petites études, avec des ambiances variées : lignes arpégées, motifs staccatos, walking, phrases discontinues, jeux rythmiques, boucles, mélodies hachées, passages plus lyriques... Comme si Corea laissait son esprit vagabonder en compagnie de Bartók, Igor Stravinsky, Arnold Schönberg…

The Continents est un disque disparate, juste reflet de la carrière de Corea qui ne s’est jamais mis de barrières.

Trilogy 2 et Antidote

Le chant du cygne

En 2010 Corea forme un trio acoustique All Stars avec Christian McBride et Brian Blade, et publie Trilogy en 2013. Cinq ans plus tard, les trois artistes proposent une sélection de titres enregistrés pendant leurs concerts entre 2010 et 2016. Trilogy 2 (Universal Music) est un double-album qui alterne sept standards – « How Deep Is The Ocean », « Crepuscule With Nellie », « Work », « But Beautiful », « All Blues », « Serenity », « Lotus Blossom » –, un tube de Stevie Wonder, « Pastime Paradise », une composition de Steve Swallow, « Eiderdown », et trois classiques de Corea : « 500 Miles High », « La Fiesta » et « Now He Sings, Now He Sobs ».

Mises en bouche typiquement « coreannes » avec des introductions du piano a cappella tout ce qu’il y a de lyrique (« How High The Moon », « But Beautiful », « Eiderdown »), teintées de musique classique (« 500 Miles High », « Serenity ») ou de musique arabo-andalouse (« La Fiesta »). Et quand McBride et Blade se mettent en marche, bonjour le swing (« Eiderdown ») ! La musique circule remarquablement entre les trois artistes (« Crepuscule With Nellie ») et leur entente est fusionnelle (« All Blues »). Le trio reste sur la structure thème – solos – thème (« Serenity »). Corea est d’une musicalité remarquable (« 500 Miles High », « Lotus Blossom »), d’une versatilité de jeu impressionnante (« La Fiesta », « Now He Sings, Now He Sobs ») et son sens rythmique constamment bluffant (« Pastime Paradise »). En compagnie de pointures telles que McBride, carré dans ses lignes (« Work ») et créatif dans ses chorus (« But Beautiful » ou à l’archet dans « Pastime Paradise »), et Blade, accompagnateur foisonnant (« La Fiesta ») et formidablement mélodieux en solo (l’introduction de « Now He Sings, Now He Sobs »), Corea n’a plus qu’à laisser voguer son imagination (« Pastime Paradise ») et rejoindre ses amis boppers (« Serenity »), porté par une walking et un chabada exemplaires (« Lotus Blossom »).

Intelligent, vif et tendu, Trilogy 2 est incontestablement un must dans la discographie de Corea.

Chassez le naturel, il revient au galop ! Corea monte The Spanish Heart Band et sort Antidote – le titre est prémonitoire – chez Concord Jazz en 2019. Pour ce retour aux années latinos de ses débuts, mais aussi à « Spain », My Spanish Heart, Touchstone (avec Paco De Lucia), Tap Steps… Corea a convoqué un aréopage impressionnant de musiciens : Carlitos Del Puerto à la basse, Marcus Gilmore à la batterie deux musiciens qui accompagnèrent De Lucia, Jorge Pardo à la flûte et au saxophone, Niño Josele à la guitare et Nino de Los Reyes aux claquettes, Luisito Quintero aux percussions, Michael Rodriguez à la trompette, Gayle Moran, Maria Bianca et Ruben Blades aux voix, et Steve Davis au trombone.

Corea reprend des titres comme « My Spanish Heart » (1976), « Armando’s Rhumba » (My Spanish Heart - 1976), « The Yellow Nimbus » (Touchstone - 1982), « Duende » (Native Sense avec Burton – 1997). Il propsoe deux inédits : « Antidote », et « Admiration ». Au programme également « Pas de deux » d’Igor Stravinsky (The Fairy’s Kiss), « Zyryab » en hommage à De Lucia et « Desafinado » d’Antonio Carlos Jobim.

Le morceau-titre est une salsa à texte : choeurs des cuivres, clave, poly-rythmie et percussions chaloupées, chant engagé du salsero Blades, solo de guitare aux couleurs flamenco, solo de flûte latine, questions-réponses du clavier et des cuivres… Après une introduction de la flûte et du piano sur le fémissement des percussions, le trombone et le reste de l’orchestre les rejoignent et interprètent « Duende » avec beaucoup d’élégance et de nombreuses interactions, dans un esprit musique de chambre. Avec les claquettes, les palmas, les encouragements vocaux, la guitare flamenca, la rythmique arabo-andalouse, les espagnolades du piano et de la flûte… « The Yellow Nimbus » est un voyage en Espagne. Un choeur a capella de voix aériennes, légèrement incongru, introduit « My Spanish Heart ». Le piano prend la relève sur une rythmique sud-américaine, accompagné par les vocalises et le chant, style crooner, de Blades, les vents à l’unisson, les lignes arpégées de la guitare… le tout dans une ambiance festive et dansante. Corea reprend son tube, « Armando’s Rhumba », en dialoguant d’abord avec l’orchestre, avant de le dérouler dans le plus pur style latin-jazz : succession de chorus dansants du trombone, de la flûte, de la trompette, de la guitare et du piano, avec les choeurs de l’orchestre et les accords latinos de Corea en arrière-plan, sur une rythmique luxuriante. Pris sur un tempo vif et une rythmique dynamique, « Desafinado » balance bien et Corea renoue avec le Fender Rhodes. Retour à l’Espagne avec « Zyryab », une composition fringante de Paco de Lucia, marquée par la musique arabo-andalouse, dans laquelle, la flûte, le piano et la guitare échangent des banderilles flamencas ! Comme souvent, Corea joue un morceau dans lequel il laisse libre-court à son goût pour la musique classique et fait joliment valser « Pas de Deux » de Stravinsky. Véritable dédicace au latin-jazz, « Admiration » réunit tous les ingrédients caractéristiques du style et conclut Antidote sur une touche enjouée et entraînante.

Dernier opus de Corea, Antidote est un archétype particulièrement réussi d’album de latin-jazz.

Décédé le 9 février 2021, Corea est l’un des pianistes majeurs de la deuxième moitié du vingtième siècle par la personnalité protéiforme et singulière de son jeu. Son œuvre, exubérante et éclectique, va laisser une empreinte indélébile dans l’histoire du jazz.

Hymnes à l’amour – Deuxième chance – Christophe Monniot et Didier Ithursarry

En novembre 2018, Christophe Monniot et Didier Ithursarry sortent Hymnes à l’amour sur le label ONJ Records. Le duo poursuit l’aventure avec un nouvel opus sous-titré Deuxième chance, qui sort chez Emouvance en février 2021.

Ithursarry et Monniot changent évidemment de répertoire. Le duo propose quatre thèmes de l’accordéoniste, deux morceaux signés du saxophoniste et deux airs traditionnels, l’un, bulgare, et l’autre, basque.

L’amour, selon Ithursarry et Monniot, est tout sauf à l’eau de rose ! Même si plusieurs airs sont solennels, à l’instar de « Vetcherai Rado », « Lilia », « Une dernière danse ? » ou « Banako », le duo leur tord vite le coup pour s’envoler dans des développements tout à fait libres, constitués de dialogues élégants (« Une dernière danse ? »), d’échanges intenses (« East Side »), d’interactions dynamiques (« Pierre qui vole »), de conversations subtiles (« Oláh lá ») et de discussions tendues (« Banako »). Si l’accordéon a évidemment la responsabilité de maintenir la carrure (« East Side »), ses lignes d’accords entraînantes (« Oláh lá ») et ses phrases dansantes (« Dede ») répondent aux volutes de l’alto (« Lilia ») et aux embardées du sopranino (« Banako »). Les deux musiciens se connaissent tellement bien que leurs tête-à-tête coulent de source. Hymnes à l’amour trouve ses racines dans la musique française du vingtième (« Oláh lá »), le cinéma (« Dede »), la valse et les musiques populaires (« Pierre qui vole »), le free (« East Side »), voire la musique contemporaine (« Une dernière danse ? »).

Pour ceux qui auraient raté le prenier opus d’Hymnes à l’amour, cette Deuxième chance est à saisir au plus vite !

Le disque

Hymnes à l’amour

Christophe Monniot & Didier Ithursarry

Christophe Monniot (as, ss) et Didier Ithursarry (acc)

Emouvance – EMV 1044

Sortie le 26 février 2021

Liste des morceaux

01. « Vetcherai Rado », traditionnel bulgare (4:50).

02. « Dede », Ithursarry (7:08).

03. « East Side », Irhusarry (3:21).

04. « Lilia », Ithursarry (3:21).

05. « Pierre qui vole », Monniot (4:02).

06. « Banako », traditionnel basque (4:31).

07. « Oláh lá », Monniot (5:47).

08. « Une dernière danse ? », Ithursarry (6:36).

MP85 – Michel Portal

MP85 ressemble à un code et, en effet, il y a le choix entre un modèle de lunettes, un médicament, un Digimon, un moulin à poivre, un micro, une mouche pour la pêche, un type de remorque… clin d’œil à l’éclectisme de Michel Portal, qui fête donc ses quatre-vingt cinq ans avec MP85, sorti le 5 mars 2021 chez Label Bleu.

Avec une quinzaine d’albums enregistrés sous son nom en studio et une dizaine en concert, en près de soixante ans de carrière, la discographie de Portal est mesurée. Mais il ne faut évidemment pas oublier qu’à côté du jazz, Portal compte à son actif une petite dizaine de disques de musique contemporaine et classique et une pléthore – plus d’une centaine – de musiques pour le cinéma et la télévision. Toujours est-il qu’il a attendu un dizaine d’années entre Baïlador, sorti en 2010 chez Universal, et MP85.

Pour MP85, Portal a monté un quintet avec deux compagnons de route, Bojan Z et Bruno Chevillon, et deux musiciens invités pour une création à l’Europa Jazz, en 2017, Nils Wogram au trombone et Lander Gyselinck à la batterie. Côté répertoire, le quintet reprend « African-Wind » et « Mino-Miro » – créés en 2018 avec Benjamin Moussay et Kevin Chemirani au Triton –, « Armenia », « Jazzoulie », « Desertown », « No hay » et « Mister Pharmacy » signés Portal, « Split The Difference », une composition de Wogram, « Full Half Moon » de Bojan Z et « Euskal Kantua », un chant traditionnel basque.

MP85 s’appuie sur des thèmes-riffs (« African Wind »), des mélodies nostalgique (« Armenia ») ou mélancoliques (« Euskal Kantua »), des airs bien mis (« Mino-Miro ») et mélodieux (« Mister Pharmacy »). Dans le texte de la pochette, Portal souligne « cette faculté qu’a la musique, quand on la prend au sérieux avec suffisamment de légèreté, d’abattre tous les murs qui peuvent s’ériger entre nous » et il joint les notes à la pensée : dans MP85, la musique contemporaine côtoie le jazz (« Full Half Moon ») et la danse se mêle au free (« Jazzoulie »). L’interaction est le maître-mot du quintet : contrepoints (« Mister Pharmacy »), unissons (« No hay »), questions-réponses (« Armenia »), croisements des voix (« African Wind ») et dialogues (« Desertown ») s’enchaînent dans des morceaux plus captivants les uns que les autres. MP85 fait parcourir le monde – l’Afrique (« Mister Pharmacy »), le Moyen-Orient (« Full Half Moon »), l’Amérique du sud (« Mino-Miro »), l’Amérique du nord (« Jazzoulie »), l’Europe (« Euskal Kantua »)... – et les paysages sonores – funky (« No hay »), hard-bop (« Jazzoulie »), folk (« Split The difference »), bluesy (« Desertown »), free (« Full Half Moon »)… Le lyrisme percussif de Bojan Z (« Desertown »), la fluidité expressive de Wogram (« African Wind »), la musicalité puissante de Chevillon (« Euskal Kantua ») et la pertinence diabolique de Gyselinck (« Jazzoulie ») sont en parfaite symbiose avec le discours de Portal, toujours aussi limpide (« Full Half Moon ») et acéré (« No hay »).

Pour son quatre-vingt cinquième anniversaire Portal ne pouvait pas faire de plus beau cadeau à ses auditeurs : la musique de MP85 est d’une beauté exceptionnelle !

Le disque

MP85

Michel Portal

Michel Portal (cl, bcl, ss), Nils Wogram (tb), Bojan Z (p), Bruno Chevillon (b) et Lander Gyselinck (d).

Label Bleu – LBLC6736

Sortie le 5 mars 2021

Liste des morceaux

01. « African Wind » (4:13).

02. « Full Half Moon », Bojan Z (6:27).

03. « Armenia » (4:12).

04. « Jazzoulie » (4:55).

05. « Mino-Miro » (5:18).

06. « Split The Difference », Wogram (4:04).

07. « Desertown » (5:18).

08. « No hay » (5:11).

09. « Mister Pharmacy » (5:41).

10. « Euskal Kantua », traditionnel basque (4:14).

Tous les morceaux sont signés Portal sauf indication contraire.

Jazzquizz d'avril 2021

Hors Temps – Edward Perraud

Edward Perraud compte déjà plus d’une soixantaine de disques à son actif, aussi bien en leader qu’en sideman, et ne compte pas s’arrêter en si bon chemin : le 2 avril 2021, il sort Hors Temps chez Label Bleu... Pour ce nouvel opus, le batteur s’entoure de deux compagnons qu’il connaît bien : Bruno Angelini, avec qui il joue dans Open Land, et Arnault Cuisinier, membre du quartet Synaesthetic Trip. Le trio invite également Erik Truffaz sur deux morceaux.

Les neuf thèmes sont signés Perraud. Sur le bruissement des balais et le contre-chant de la contrebasse, le piano expose la mélodie minimaliste d’« Hors sol ». Les trois musiciens dialoguent avec une élégance mélancolique et un swing vif et léger. Après une introduction sobre de Perraud et Angelini, Cuisinier installe un ostinato sinueux et le piano déroule « Chien lune », thème aux nuances contemporaines légèrement teinté de funk, plein de rebondissements et de tension – détente. Comme la plupart des morceaux, « Hors piste » est organisé autour de plusieurs tableaux. D’abord entraînant, avec une basse robuste, une batterie touffue et un piano hypnotique, puis un passage en valse, « Chien lune » change de direction : percussions luxuriantes, motif entêtant ou ligne mélodieuse de la contrebasse en pizzicato, puis à l’archet, contrepoints judicieux du piano… La trompette fragile et aérienne de Truffaz renforce la nostalgie qui émane de « Flower of Skin », portée par un piano discret, une contrebasse sobre et une batterie frémissante. Le riff enjoué de Cuisinier, les roulements chaloupés de Perraud et les phrases percutantes d’Angelini, qui se rejoignent pour un deuxième mouvement tendu, font de « Fer de lance » un morceau intense. Un bon groove mâtiné d’accents folk lance « Hors la loi », thème-riff dansant, qui passe ensuite à une ambiance sombre, accentuée par l’archet de Cuisinier. « Néguentropie » est dédié au philosophe Bernard Stiegler, qui a mis fin à ses jours le 5 août 2020. Des bruitages mystérieux, une trompette lointaine et un archet énigmatique alternent avec une farandole endiablée, portée par les pompes du piano, la walking de la contrebasse et les frappes sèches de la batterie. « Edukation » commence dans un style musique contemporaine : ostinato de contrebasse, clusters du piano et cliquetis de la batterie se croisent et se décroisent dans un ballet d’échanges espiègles. Le deuxième tableau est davantage une marche lente et puissante. Quant à « Firmament », qui conclut Hors Temps, il se déroule dans la continuité de la marche, dans une atmosphère solennelle, avec les trois voix qui se complètent : lyrisme d’Angelini, gravité de Cuisinier et emphase de Perraud.

Avec Hors Temps, Perraud, Cuisinier et Angelini proposent un album à la fois introspectif et enjoué, à mettre d’urgence entre n’importe quelles esgourdes !

Le disque

Hors Temps

Edward Perraud

Bruno Angelini (p), Arnault Cuisinier (b) et Edward Perraud (d).

Label Bleu - LBLC6740

Sorti le 2 avril 2021

Liste des morceaux

01. « Hors sol » (9:13).

02. « Chien lune » (6:53).

03. « Hors piste » (8:13).

04. « Flower of Skin » (4:41).

05. « Fer de lance » (5:36).

06. « Hors la loi » (8:26).

07. « Neguentropie » (8:53).

08. « Edukation » (4:09).

09. « Firmament »(8:01).

Tous les morceaux sont signés Perraud.

A la découverte des Fines Lames...

Sorti en 2017, Fines Lames est un disque à l’instrumentation inhabituelle : accordéon et claviers à percussions. Derrière ce duo se cachent Renaud Detruit et Florent Sepchat. Les deux musiciens, membres du collectif tourangeaux La Saugrenue, récidivent en 2021 avec InTime Brubeck. Que de bonnes raisons pour partir à la découverte d’une paire de lames originale...

La musique

Florent : Mon père jouait dans un orchestre de bal. Un jour ils ont changé d'accordéoniste et j'ai vraiment flashé sur le nouveau : il jouait avec une grande finesse et beaucoup de malice. A dix ans, j’ai donc commencé l’accordéon et fait mes premiers bals autour de quinze ans. Par la suite, j’ai suivi des cours de musicologie, découvert la musique savante, le jazz, l’écriture, l’harmonie, le contrepoint, Jazz à Tours... joué dans différents groupes et fait de nombreuses rencontres.

En fait, je suis venu au jazz à travers Claude Nougaro et, plus largement, la chanson française car c'est ce que nous écoutions à la maison. A quatorze ans, c’est Richard Galliano qui a été ma première révélation pour l’accordéon. Partant de là, beaucoup de musiciens m’ont influencé, dont, en vrac, Bill Evans, Hermeto Pascoal, Django Reinhardt, Duke Ellington...

Renaud : J’ai commencé la batterie et les percussions à l’âge de sept ou huit ans, puis je suis rentré au conservatoire. J'ai découvert le jazz en écoutant les disques de mon père à la maison et à l’école de musique où je suivais des cours. Dès le début, j’ai été passionné par la batterie et comme l’école de musique proposait également des cours de percussions, petit à petit je me suis mis aux claviers à percussions... Mes premières expériences musicales avec les ensembles de percussions, l’orchestre d’harmonie, le chœur d’enfants à l’opéra, les ateliers de jazz… ont été décisives. Elles m’ont motivé à travailler mon instrument et attisé mon envie de monter sur scène.

J’ai donc poursuivi mes études musicales classiques, contemporaines et jazz à Paris, avant de devenir musicien d’orchestre, professeur de percussions et musicien freelance passionné... toujours à la recherche de rencontres musicales ! Au long de mon parcours, j’ai été influencé par, dans le désordre, Milt Jackson, Thelonious Monk, Gary Burton, Astor Piazzolla, Julien Loureau Groove Gang, André Minvielle, Chick Corea, Dave Holland, Sixun, Franck Tortiller, Richard Galliano...

Cinq clés pour le jazz

Qu’est-ce que le jazz ?

Florent : C'est une manière de s'approprier les choses. C'est mettre de la vocalité, de la danse et de la personnalité dans la musique. C'est vivre le temps présent avec intensité…

Renaud : C’est un langage qui permet de se définir soi-même.

Pourquoi la passion du jazz ?

Florent : La liberté, la complexité, le côté savant et dansant, l'expérimentation, l'interaction et les rencontres que permet cette musique.

Renaud : Le jazz permet d’exister soi-même grâce à la liberté d’expression qu’il procure. La complexité de ses codes permet l’improvisation et l'interaction avec les autres.

Où écouter du jazz ?

Florent & Renaud : Dans son canapé avec un bon whisky ! Et en concert, bien sur, pour cette intensité du temps présent !

Comment découvrir le jazz ?

Florent & Renaud : Par hasard... Il suffit d'une émotion.

Le portrait chinois de Florent

Si j’étais un animal, je serais un lion

Si j’étais une fleur, je serais un tournesol

Si j’étais un fruit, je serais une orange

Si j’étais une boisson, je serais un Whisky

Si j’étais un plat, je serais du couscous

Si j’étais une lettre, je serais L

Si j’étais un mot, je serais intense

Si j’étais un chiffre, je serais 7

Si j’étais une couleur, je serais bleu

Si j’étais une note, je serais sol

Les bonheurs et regrets musicaux

Ce n'est pas à nous de dire quel est notre plus belle réussite musicale !… Et nous n’avons pas encore de regrets !

Sur l’île déserte…

Quels disques ?

Florent : New York Tango de Galliano, le Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart, Festa dos Deuses de Pascoal, Pithecanthropus Erectus de Charles Mingus et Le Sacre du Printemps d’Igor Stravinsky.

Renaud : New Vibe Man In Town de Burton, Two of The Few de Jackson et Oscar Peterson, l’intégrale des symphonies de Gustav Malher, l’intégrale des opéras de Giacomo Puccini, beaucoup de Claude Debussy, Maurice Ravel, Belá Bartók, Sergueï Prokofiev…

Quels livres ?

Florent : La Horde du Contrevent d’Alain Damasio et tout Philip K. Dick.

Quels films ?

Florent : Les films de Charlie Chaplin et Melancholia de Lars von Trier.

Renaud : Le Dîner de cons.

Quelles peintures ?

Florent : Jackson Pollock.

Renaud : Joan Miró.

Quels loisirs ?

Renaud : Le tennis.

Les projets

Florent : J’ai un projet folk qui me tient beaucoup à cœur, avec des influences de musique ancienne. Sinon, j’écris beaucoup et j’ai envie d’une grande formation avec le Collectif La Saugrenue, qui va avoir vingt ans en 2022…

Renaud : Je travaille sur un projet en trio, contrebasse – trompette – vibraphone, pour lequel j’ai écrit un répertoire influencé par la musique contemporaine que j’ai jouée ces dernières années. J’écris aussi la musique d’un spectacle avec deux comédiens et deux musiciens qui porte un regard sur notre société et la pensée unique. Par ailleurs, je continue de transmettre et développer l’enseignement de l’improvisation sur les claviers à percussions.

Les trois vœux de Florent…

1. Entendre et voir jouer le Sacre du Printemps à plusieurs accordéons...

2. Renouer avec le public, partager le temps présent avec intensité.

3. Faire de belle rencontres musicales...

Les trois vœux de Renaud…

1. Retrouver la scène, le public.

2. Refaire des voyages.

3. Faire de belle rencontres musicales...