A l’ouest – Les Incendiaires

Membres de l’Association à la Recherche d’un Folklore Imaginaire, Olivier Bost, Guillaume Grenard et Eric Vagnon forment Les Incendiaires en 2013, et publient un disque éponyme en 2016. Le 7 février 2025, le trio sort A l’Ouest, autour de la musique d’Ennio Morricone.  

Pour A l’ouest, Bost joue du trombone et du banjo, Grenard de la trompette, du bugle et de l’euphonium, et Vagnon, des saxophones baryton et alto, et de la flûte à bec. Le trio a également demandé à Alfred Spirli, batteur et percussionniste, de combiner des percussions, et à Fred Soria, régisseur plateau, de construire le mécanisme adéquat, pour leur permettre de jouer à la fois de leurs instruments à vent (ou pas) et des percussions. Pas étonnant qu’avec une telle instrumentation le trio sonne comme une fanfare !

Bost, Grenard et Vagnon reprennent les musiques composées par Morricone pour un film de Tonino Valerii, Mon nom est personne (1973), et cinq films de Sergio Leone : Pour une poignée de dollars (1965), Le bon, la brute et le truand (1966), Il était une fois dans l’ouest (1968), Il était une fois la révolution (1971) et Il était une fois en Amérique (1984).

Le trio reprend fidèlement les principaux airs, à l’unisson (« Pour une poignée de dollars »), avec des riffs en contre-chant (« Mon nom est Personne »), dans un style vieux jazz (« Il était une fois dans l'ouest ») ou sous forme de questions-réponses (« Le bon, la brute et le truand »). Les Incendiaires retranscrivent parfaitement les ambiances dramatiques (« Le bon, la brute et le truand ») ou le suspens (« Mon nom est Personne »), tout en gardant ce recul propre aux westerns spaghettis (« Il était une fois dans l'ouest »), avec des traits d’humour (« Pour une poignée de dollars »), parfois bouffons (« Il était une fois la révolution »). Saxophones, trompettes, bugle et trombone se chargent des parties mélodiques, l’euphonium déroule ses lignes de basse, l’harmonica et le sifflement sont des clins d’yeux directs à Morricone, le banjo et la flûte apportent la touche folk western. Quant aux techniques étendues et aux percussions, elles jouent un rôle fondamental. Celui de retranscrire le côté expressif, voire figuratif de la musique de Morricone, avec les cavalcades tonitruantes (« Pour une poignée de dollars »), le tic-toc de la montre dans « Mon nom est Personne », et des effets concrets qui plantent des décors réalistes (« Il était une fois dans l'ouest »), comme les explosions d’« Il était une fois la révolution » ou le brouhaha des Années Folles (« Il était une fois en Amérique »). Les chorus débridés du baryton (« Il était une fois en Amérique ») et de l’alto (« Il était une fois dans l'ouest ») mettent du free dans la musique cinématographique de Morricone. Le trio sonne comme un brass band grâce à la superposition de lignes mélodiques et rythmiques (« Pour une poignée de dollars »), au croisement et décroisement des voix (« Il était une fois dans l'ouest »), au maniement habile des contrepoints (« Il était une fois la révolution »), à l’utilisation de décalages astucieux (« Il était une fois en Amérique ») et aux jeux avec le volume sonore et le tempo (« Le bon, la brute et le truand »).

Les Incendiaires mettent en scène les thèmes des bandes originales de Morricone avec beaucoup de sagacité et font revivre les films en une dizaine de minutes. Ce qui fait d’A l’ouest un disque savoureux du début à la fin !

Le disque

A l’ouest
Les incendiaires
Olivier Bost (tb, bj, percu), Guillaume Grenard (tp, bg, eu, percu) et Eric Vagnon (bs, as, fl, percu).
ARFI – AM078 2025
Sortie le 7 février 2025

Liste des morceaux

01 - Pour une poignée de dollars (10'52)
02 - Mon nom est personne (10'09)
03 - Il était une fois la révolution (12'29)
04 - Il était une fois en Amérique  (12'12)
05 - Il était une fois dans l'ouest (12'04)
06 - Le bon, la brute et le truand (10'33)

Toutes les compositions sont signées Morricone.

Quatre instruments migrateurs au Comptoir

Le 13 mars 2025 Le Comptoir programme le quinzième rendez-vous mensuel de Joce Mienniel et des instruments migrateurs. La règle du jeu est simple : le flûtiste invite des musiciens de tous horizons qui se rencontrent pour répéter le jour même et donnent leur concert dans la foulée.

 

Joce Mienniel – Musique au Comptoir – 13 mars 2025 © PLM

Pour cette session Mienniel est entouré de Séverine Morfin à l’alto, Daouda Mangara au n’goni et Denis Colin aux clarinettes basse et contralto. 

Denis Colin © PLM

Les thèmes des morceaux font la part belle aux rythmes, d’un thème-riff (« Stéréométries ») à un motif dansant (« Oeuvre sans titre »), parfois teinté de blues quand le n’goni s’en mêle. Ils laissent quand même la place à des dialogues quasiment langoureux entre l’alto et la flûte (« Musique au Comptoir »), avec, souvent, des couleurs folk world. Côté section rythmique, l’alto joue des ostinato en pizzicato ou des motifs folk, tandis que le n’goni place ses riffs entêtants, la flûte fait tourner ses boucles mélodico-rythmiques et la clarinette basse aligne des lignes entraînantes. Dans les développements, la flûte et ses techniques étendues – ou l’harmonica (« Musique au Comptoir ») – empruntent les sentiers de la World Music. L’alto, très à son aise dans ses musiques ethniques, ne se prive pas pour faire des excursions dans la musique médiévale (« Stéréométrie »), la clarinette basse swingue en contre-chant (« Œuvre sans titre ») et dans des dialogues pimentés (« Musique au Comptoir »), tandis que le n’goni lui répond avec verve (« Œuvre sans titre ») ou place des contre-chants élégants (« Improvisation collective » en bis).

 

 

Daouda Mangara © PLM

Comme dans chaque session, Mienniel laisse les musiciens jouer un morceau en solo a cappella pour présenter leur musique. Morfin part dans un chorus sombre et majestueux, avec des contrepoints qui évoquent la musique baroque. Mais, fait rarissime, la plaque de tête ou la tête de l’archet cèdent et la mèche avec, et elle doit s’interrompre… Ce n’est que partie remise, espérons-le, car son chorus était de toute beauté. Le solo de Mangara évoque le blues. Aidé par le public qui frappe des mains à sa demande, il alterne variations mélodiques et phrases rythmiques, ce qui donne l’effet d’avoir deux instruments en alternance. A la clarinette contralto, Colin prend son tour de chant sur « Samba e amo » de Chico Buarque. Colin transcende cette samba crépusculaire avec une sonorité ronde et grave, un swing contagieux et des lignes sinueuses d’une grande tenue. Quant à Mienniel, avec sa flûte et ses pédales, il commence par des boucles lointaines, des ostinatos, des phrases courtes vives et hachées, des effets multiples, pour un morceau dans un esprit rythmique, quasi musique concrète.

 

 

Bravo ! La musique des Instruments Migrateurs de Mienniel est réjouissante pour les oreilles et l’esprit. Espérons que cette belle résidence débouche sur un (des?) disque(s) et des tournées… qui ne pourront que faire du bien à tous !

 

  Séverine Morfin – Musique au Comptoir – 13 mars 2025 © PLM

While We’re Strollin’ – Virginie Daïdé Quartet

A ce jour, la discographie de Virginie Daïdé s’articule autour de trois axes : le jeune public avec la formation Rit Qui Qui et deux albums – Les vacances zones A, B, C (2019) et Vivre heureux dans un pull qui gratte (2021) –, la musique brésilienne avec également deux disques – De todo lado (2017), en trio avec Léo Cruz et Nicholas Thomas, puis Dream Jobim (2019), en compagnie d’un groupe à géométrie variable et la participation de Tom Harrell – et le Virginie Daïdé Quartet, avec encore deux opus, Moods (2023) et While We’re Strollin’ qui sort le 7 février 2025.

La saxophoniste a monté son quartet avec Nicolas Dri au piano, Thomas Posner à la contrebasse et Tony Rabeson à la batterie. Daïdé signe huit des onze compositions et les autres membres du quartet en proposent chacun une. Le titre de l'album évoque peut-être par hasard le Strollin' d'Horace Silver, mais ce n'en est pas moins une belle référence !

La plupart des morceaux commence par des thèmes-riffs (« Last Minute »), joyeux (« Let’s Go To The Gig ») et entraînants (« Rue du poulet »). Ils ont parfois des accents latin jazz (« Cerise pêche prune abricot »), voire funky (« Blowing Notes »). Le quartet ne boude pas non plus les ballades nonchalantes (« Forgetting »), langoureuses (« Gone ») ou sentimentales (« El descarillador »). Si ses chorus sont mélodieux (« Rue du poulet ») et ses riffs puissants (« Ginger Blues »), Posner joue plutôt des lignes minimalistes (« Esplanade ») et aérées (« El descarillador »). Comme quand il jouait avec Henri Texier, d’ailleurs « Let’s Go To The Gig » rappelle certaines compositions du contrebassiste, Rabeson déploie un jeu chatoyant (« Last Minute »), truffé de crépitements (« Ginger Blues »), cliquetis (« Cerise pêche prune abricot »), roulements mats et secs (« Esplanade »), frappes imposantes (« El descarillador »), chabada flexible (« Forgetting »)… et le solo sur les tambours de « Let’s Go To The Gig » est impressionnant. Le swing de Dru est contagieux (« Blowing Notes ») et dansant (« El descarillador »). Son touché clair (« Last Minute »), son phrasé élégant (« Esplanade ») et ses contre-chants judicieux (« Let’s Go To The Gig ») fomentent la cohésion du quartet. Quant à Daïdé, sa sonorité ample et velouté (« Blowing Notes ») sert un discours dynamique (« Ginger Blues »), tout en souplesse (« Cerise pêche prune abricot ») et fluidité (« Last Minute »). Ses dialogues avec la batterie (« The Milman On The Steps ») ou le piano (« Gone ») et ses interactions en trio (« Forgetting ») ne manquent pas de sel.

La structure thème – solos – thème (« Last Minute »), les expositions à l’unisson (« The Milkman On The Steps »), les variations enlevées (« Cerise pêche prune abricot ») et la rythmique énergique (« Esplanade ») inscrivent While We’re Strollin’ dans une lignée néo-bop moderne et tendue.

 

Le disque

 

While We’re Strollin’
Virginie Daïdé Quartet
Virginie Daïdé (ts, ss), Nicolas Dri (p), Thomas Posner (b) et Tony Rabeson (d).
DSY – 2BPR018
Sortie le 7 février 2025

 

Liste des morceaux

 

01. « Last Minute » (4:42).
02. « Ginger Blues » (3:28).
03. « Esplanade » (5:28).
04. « Cerise pêche prune abricot », Rabeson (6:18).
05. « Forgetting » (3:53).
06. « The Milkman On The Steps », Posner (4:04).
07. « Rue du poulet » (3:29).

08. « Gone » (3:40).
09. « Blowing Notes » (4:51).
10. « El descarillador », Dri (5:51).
11. « Let’s Go To The Gig » (3:45).

Toutes les compositions sont signées Daïdé sauf indication contraire.

Décollage au Bal Blomet

Pour célébrer la sortie de Liftoff, le 11 mars 2025 le Bal Blomet programme le trio du saxophoniste Robin Verheyen, avec Drew Gress à la contrebasse et Billy Hart à la batterie.

Créé en 1924, le Bal Blomet est le plus ancien club de jazz d’Europe encore en activité. Situé à quelques encablures de Montparnasse, dans le quinzième arrondissement, le Bal Blomet, un temps surnommé le « Bal Nègre » par Robert Desnos, a traversé les années folles et des artistes emblématiques l’ont fréquenté à l’instar de Joséphine Baker, Foujita, Man Ray, Jean Cocteau, Joan Miro, Piet Mondrian, Henry Miller… Plus tard, et avant qu’ils ne fassent de Saint-Germain-des-Prés leur quartier général, Jacques Prévert, Jean-Paul Sartre, Boris Vian, Simone de Beauvoir, Juliette Greco… y font également la fête. Au cours des années soixante le club périclite, puis se transforme en café pendant plus de vingt-cinq ans. A partir de 1989 il redevient un club de jazz, le Saint-Louis Blues, mais ferme définitivement ses portes en 2006. En 2011, alors qu’il va disparaître, Guillaume Cornut décide de le réhabiliter et le Bal Blomet rouvre ses portes en 2017. La salle (et son bar, fort sympathique) proposent à deux cent cinquante spectateurs d’écouter et de voir des concerts de jazz ou de musique classique, des spectacles musicaux et des conférences culturelles.

 

Robin Verheyen - Le Bal Blomet - 11 mars 2025 © PLM

Diplômé du Conservatorium van Amsterdam et passé par la Manhattan School of Music, Verheyen s’est installé à New York en 2006. Il fait ses classes avec le gotha du jazz new-yorkais, de Ravi Coltrane à Brandford Marsalis, en passant par Maria Schneider, Roy Hargrove, Tom Rainey, Tyshawn Sorey… En 2012, il joue avec Marc Copland en duo et en quartet, aux côtés de Gary Peacock et Joey Baron. C’est également à cette époque qu’il collabore avec Gress. En 2018, Verheyen publie When The Birds Leave en compagnie de Copland, Gress et Hart.

 

Drew Gress - Le Bal Blomet - 11 mars 2025 © PLM

Pour son dix-neuvième album, Liftoff, qui sort le 7 février 2025 chez InnerVoiceJazz, Verheyen est accompagné de Gress et Hart. Il signe neuf compositions et le trio reprend « Trippin’ In Times Square » de Copland et « Over The Rainbow » d’Harold Arlen et Edgar Yipsel Harburg. Pour le concert, le trio joue neuf titres de Liftoff et le fameux thème de Thelonious Monk, « Blue Monk ». 

 

Billy Hart - Le Bal Blomet - 11 mars 2025 © PLM

Comme sur le disque, le set commence par « Tripping in Time Square ». Après un démarrage fracassant dans un style hard-bop, soutenu par une batterie puissante et une contrebasse tout en souplesse, le saxophone ténor développe le thème dans une veine néo-bop tendue. Instrumentation sans piano et énergie obligent, l’ombre de Sonny Rollins plane sur ce premier morceau. C’est en hommage à un autre géant du jazz, Wayne Shorter, que Verheyen a composé la jolie valse intimiste « Saudades ». Les motifs minimalistes de Gress, les balais admirables de subtilité d’Hart et l’élégance du discours de Verheyen expriment à merveille cette nostalgie savoureuse qui caractérise la saudade. Verheyen est parti d’un air écrit par sa fille pour composer « Sophie’s Musing ». Cette comptine prend une tournure solennelle avec un saxophone ténor entre blues et ballade, une batterie intense aux mailloches et un chorus majestueux de la contrebasse. Composé pendant une résidence au Sénégal, « Sur la route de Tamba » démarre sans crier gare, puis, encouragé par une contrebasse solide et une batterie pêchue, le saxophone soprano déroule des lignes à la fois nerveuses et fluides, dans un esprit shorterien. « Soul Searching » porte bien son titre. La jolie mélodie au parfum mélancolique débouche sur un solo du saxophone ténor nonchalant, mais plein de swing, un peu à la Stan Getz, tandis que les balais d’Hart font toujours des prodiges et la sonorité profonde de Gress renforce la noblesse du morceau. Après une introduction impressionnante de la batterie à base de roulements de tambours, le morceau-titre de l’album part dans une direction free, qui rappelle l’univers de Steve Lacy. La walking rapide de la contrebasse et le jeu touffu de la batterie mettent le saxophone soprano sous pression. Dense et fiévreux, « Liftoff » se conclut sur un solo monumental d’Hart. Retour au saxophone ténor pour « Over The Rainbow », avec un préambule raffiné a cappella de Verheyen suivi d’un développement au cordeau, souligné par une contrebasse économe et des balais toujours aussi voluptueux. Le trio reste dans la délicatesse avec « Slow Eleven ». L’introduction habile et mélodieuse de Gress lance les variations sophistiquées de Verheyen, mises en relief par les mailloches imposantes d’Hart. « The Bounce » s’inscrit typiquement dans l’esthétique néo-bop : les envolées énergiques du saxophone ténor sont propulsées par une walking vive et un chabada leste. La conclusion d’Hart est un solo imposant, d’abord sur les cymbales, puis sur les peaux, avec des roulements furibonds. En 2017, à l’occasion du centième anniversaire de la naissance de Monk, Verheyen a monté MixMonk avec le pianiste Bram De Looze et le batteur Joey Baron. Pour le bis, il puise donc dans le répertoire de ce trio et interprète « Blue Monk ». Verheyen, Gress et Hart prennent le thème au ralenti en accentuant le côté blues : saxophone ténor sale et criard, rythmique bluesy avec les shuffle de la contrebasse et les frappes ternaires appuyées de la batterie.

Liftoff s’inscrit dans une lignée néo-bop moderne marquée par la touche personnelle de Verheyen : une musique nette et précise, servie par une dynamique spontanée et une mise en place irréprochable...

Le disque

Liftoff
Robin Verheyen
Robin Verheyen (ts, ss), Drew Gress (b) et Billy Hart (d)
InnerVoiceJazz – IVJ109
Sortie le 7 février 2025

Liste des morceaux

01. « Tripping in Times Square », Marc Copland (04:15).
02. « The Bounce » (06:12).
03. « Sur La Route de Tamba » (04:38).
04. « Soul Searching » (06:24).
05. « A Feather » (05:37).
06. « Sophie's Musings » (05:07).
07. « Over The Rainbow », Harold Arlen et Yip Harburg (08:25).
08. « Saudades » (05:33).
09. « Liftoff » (03:28).
10. « Slow Eleven » (03:02).
11. « The Path » (04:40).

Tous les morceaux sont signés Verheyen sauf indication contraire.

A Tree In The Mist – Matteo Bortone No Land’s

Bassiste transalpin passé par le Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, Matteo Bortone monte Travelers au début des années 2010 avec Antonin-Tri Hoang au saxophone alto et aux clarinettes, Francesco Diodati aux guitares et Guilhem Flouzat à la batterie. Le premier opus, Travelers, sort en 2013. Pour Time Images, publié en 2015, Ariel Tessier succède à Flouzat. Le saxophoniste ténor et clarinettiste Julien Pontvianne et le pianiste Yannick Lestra rejoignent le quartet qui devient No Land’s. Le premier album éponyme du sextet sort en 2020. En parallèle, avec son trio constitué d'Enrico Zanisi au piano et Stefano Tamborrino à la batterie, Bortone a enregistré ClarOscuro en 2018.

A Tree In The Mist, cinquième disque de Bortone et deuxième de No Land’s, est sorti le 28 février sur le label Onze Heures Onze. Pontvianne, Lestra et Tessier sont toujours de l’aventure, mais Benjamin Garson remplace Diodati à la guitare. Les titres des neuf morceaux signés Bortone reflètent son goût pour la mythologie – « Mnémosyne », la Déesse grecque de la Mémoire, « Hyades », les nymphes de la pluie, « Jukurrpa », le temps de la création du monde dans la culture aborigène – la philosophie – « Panthéisme » – et les voyages – « Okra », autre nom du gombo, typique de la Louisiane, « Tosh », village hippie dans le nord de l’Inde, « Sud Sud Est » qui, en navigation, est l’un des huit vents collatéraux secondaires.

A Tree In The Mist porte bien son titre : les mélodies sont tour à tour planantes (« Jukurrpa »), lancinantes (« Counter Hit »), éthérées (« Sud Sud Est »), mélodieuses et lointaines (« Okra ») ou dépouillées (« Panthéisme »). Thème-riff aux allures rock, « Tosh » est l’exception qui confirme la règle. Les développements restent le plus souvent dans une ambiance vaporeuse (« White Count »), cérémoniale (« Mnémosyne ») ou aérienne (« Jukurrpa »). Des leitmotiv servent de base à des variations sobres (« Hyades ») et le quintet joue aussi sur des contrastes entre des lignes mélodiques flottantes et des arrières-plans touffus (« Counter Hit »), voire carrément rock (« Tosh »). Côté rythme, la batterie crépite (« Hyades »), cliquette (« Counter Hit »), en met partout (« Panthéisme »), roule furieusement (« Hyades »)… mais se montre également bruissante (« Okra ») et souple (« Sud Sud Est »). Le son organique très acoustique de la batterie met en relief la sonorité aérienne des autres instruments (« Mnémosyne »). La guitare saturée (« Tosh »), les claviers cristallins (« White Count »), les textures électro (« Jukurrpa »), les effets de souffle (« Okra »), les atmosphères crépusculaires (« Mnémosyne »), les bourdonnements diffus (« Hyades »), les bruitages électriques (« Jukurrpa »)… dessinent des paysages sonores entre science-fiction et médiéval fantastique.

A Tree In The Mist combine jazz, minimalisme, ambient et rock alternatif pour un cocktail musical élégant et corsé.
 
Le disque
 
A Tree In The Mist
Matteo Bortone No Land’s
Julien Pontvianne (sax, cl), Benjamin Garson (g), Yannick Lestra (kbd), Matteo Bortone (b, electro) et Ariel Tessier (d)
Onze Heures Onze – ONZ055
Sortie le 28 février 2025
 
Liste des morceaux
 
01. « Jukurrpa » (03:48).
02. « Counter Hit » (03:57).
03. « Okra » (07:06).
04. « White Count (05:43).
05. « Mnémosyne » (06:57).
06. « Pantheisme » (05:36).
07. « Sud Sud Est » (03:47).
08. « Tosh » (04:16).
09. « Hyades » (06:30).
 
Tous les morceaux sont signés Bortone sauf indication contraire.

 

Les instruments migrateurs de retour au Comptoir…

Le 13 février 2025, au Comptoir, Joce Mienniel présente le quatorzième opus des Instruments Migrateurs. Pour ce deuxième épisode de la saison trois le flûtiste convie la musicienne palestinienne Kamilya Jubran à l’oud et à la voix, nouvelle venue dans l’univers de Mienniel, mais ouverte au jazz, comme le prouve Yokal, un duo avec la contrebassiste Sarah Murcia publié le 6 décembre 2024, et Iyad Haimour au qanûn et au ney, musicien syrien qui a participé au sextet de Mienniel pour le disque Babel, sorti en 2018.

Joce Mienniel – Le Comptoir – 13 février 2025 © PLM

Le programme du concert tourne autour de sept morceaux plus un rappel : trois compositions signées Mienniel – « Baïkal », « Stéréométrie » et un solo a cappella –, une chanson de Jubran – « Yokal » –, une pièce d’Haimour – « Melisdjane » –, « Aho Dah elli Sar » de Sayed Darwich et « Ya Zarif Al-Toul », un chant traditionnel palestinien.
 

Une construction sophistiquée de phrases mélodieuses, contrepoints, pédales et ornements du qanûn introduit « Baïkal » avec une majesté monumentale. Ce morceau tiré de Babel est souvent au répertoire de Vincent Peirani et François Salque, comme le souligne Mienniel. Sur un motif rythmique dynamique de la flûte et soutenu par le qanûn, l’oud prend un solo solennel, parsemé de trémolos. S’ensuit un chorus de la flûte, qui alterne des passages graves et lointains avec des envolées débridées, sur un accompagnement en forme de dialogue astucieux entre l’oud et le qanûn. 

 

« Stéréométrie », le fil rouge des Instruments Migrateurs est interprété systématiquement à chaque concert et permet à Mienniel de présenter les musiciens. C'est un thème-riff aux couleurs world. Les enchevêtrements de boucles de la flûte servent de décor aux développements mélodico-rythmiques dansants de l’oud et du qanûn, qui égrène des lignes arpégées véloces, préludes à des questions-réponses piquantes. 

 

Comme à chaque session les musiciens jouent chacun un solo a cappella, reflet de leur univers. Jubran commence avec « Yokal », morceau-titre du disque qu’elle vient de sortir et qui signifie « on dit que ». Jubran déclame d’abord un marabout sur la situation des Palestiniens, « un peuple en révolte avec un cœur tendre [qui] trouvera sa liberté » ! Quant à l’air, sorte de blues moyen-oriental, il est souligné par les motifs rythmiques entraînants de l’oud. 

 

Le trio se reforme ensuite pour « Melisdjane », un hommage à la danseuse et conteuse Melisdjane Melisanda Sezer. Ce morceau émouvant repose sur un thème-riff oriental imposant exposé par le qanûn, souligné par les motifs minimalistes de l’oud et par les variations rythmiques de la flûte. Le développement de « Melisdjane » révèle une belle connivence du trio. 

 

Le chorus a cappella de Mienniel s’appuie sur des boucles imbriquées, des superpositions de phrases courtes et des effets sonores, comme une sorte de musique du monde concrète. Pour son solo, Haimour a troqué le qanûn contre le ney. Il reprend « Ya Zarif Al-Toul » (« celui qui a une belle allure »). Entre passages mélodieux et rappels rythmiques, l’air évoque une ronde folklorique, servie par le son épais, vibrant et nasillard de cette flûte orientale. 

 

Iyad Haimour – Le Comptoir – 13 février 2025 © PLM

 

Jubran essaie ensuite de faire chanter le public sur « Aho Dah elli Sar », un taqtûqa ou chanson légère. Même si l’air, typiquement moyen-oriental, est séduisant, entre la prononciation de l’Arabe, les modulations et le traitement rythmique, le public a bien du mal à suivre ! L’oud et le qanûn s’en donnent à cœur joie, la flûte intervient subtilement, tandis que la voix élégante de Jubran déroule les couplets, avant une montée en tension particulièrement intense. Dans le bis, un leitmotiv vif et répétitif sert d’arrière-plan aux volutes fluides et  gracieuses de la flûte.

 

Kamilya Jubran – Le Comptoir – 13 février 2025 © PLM

 
Mienniel et les Instruments Migrateurs montrent une fois encore par la musique qu’avec un brin de curiosité et une once d’écoute, le paradis c’est les autres… 

Digression – Crossing

Passés par l’IMEP - Paris College of Music, le saxophoniste Baptiste Poulin et le pianiste Xavier Belin ont monté Crossing en 2018. Digression, premier disque du duo, a été enregistré au Crescent dans les conditions d’un concert et sort chez Madajam le 24 janvier 2025. Les sept morceaux au programme sont signés Poulin et Belin.

Dans l’ensemble les thèmes sont plutôt mélodieux, parfois teintés de nostalgie (« Entre terre et mer »), avec un air de berceuse (« Solitude ») ou chatoyants (« Si j’avais »), et souvent construits sous forme de thème-riff (« Travail d’équipe »). Quand viennent les développements, le saxophone et le piano alternent des contre-chants (« Entre terre et mer ») et des unissons élégants (« In A Hurry »), des dialogues vifs (« Travail d’équipe ») et des questions – réponses piquantes (« Entre terre et mer »), des décalages des voix en canon (« Arquer bô lanmè ») et des ostinatos entêtants (« Digression »). Les interactions sont vives, parsemées de sauts rythmiques et de croisements de phrases chaloupées (« Entre terre et mer »), sur des accompagnements entrainants (« Si j’avais ») avec, ça-et-là, des riff funky (« Travail d’équipe ») et une mise en place aux petits oignons (« Arquer bô lanmè »). Ils essaiment leurs discours de fulgurances amusantes (« Solitude »), de ruptures impromptues (« Travail d’équipe »), de spatialisation du son, avec de la réverbération et de l’écho (« Digression »), ou de crépitements électriques (« In A Hurry »), dans une ambiance néo-bop high tech (« Digression »). Le duo gère le suspens avec une habileté (« In A Hurry ») qui lui donne beaucoup de présence (« Digression »). Les solos du piano et du saxophone alto sont sur la même longueur d’onde (« Travail d’équipe ») : les chorus du piano fleurent bons l’atmosphère dansante des îles (« Arquer bô lanmè »), avec des exposés énergiques (« Si j’avais ») et, toujours, des touches délicates en filigrane (« In A Hurry ») ; l’alto se montre tantôt gracieux (« Solitude »), tantôt dans une lignée néo-bop fluide et rapide (« In A Hurry »), avec des envolées d’autant plus nerveuses que le piano prend du plaisir à faire monter la pression (« Digression »).

Digression porte bien son titre : les discussions animées de Poulin et Belin prennent souvent la clé des champs, portées par des joutes de notes jubilatoires et des batailles d’idées bouillonnantes… Et Crossing n’en est qu’à son premier opus !

Le disque

Digression
Crossing
Baptiste Poulin (as) et Xavier Belin (p).
Madajam – MDJ001
Sortie le 24 janvier 2025
 
Liste des morceaux

01. « Entre terre et mer » (6:09).
02. « Arquer bô lanmè » (6:21).
03. « Solitude » (6:03).
04. « Travail d'équipe » (9:09).
05. « Si j'avais » (7:21).
06. « In A Hurry » (8:29).
07. « Digression » (9:07).

Tous les morceaux sont signés Crossing.

Le Temps est parti pour rester à l’Ermitage

Voilà près de vingt-cinq ans qu’Andy Emler a formé ETE avec ses compères Claude Tchamitchian et Eric Echampard. Après cinq projets en trio – Tee Time (2003), A quelle distance sommes-nous ? (2005), Sad and Beautiful (2014), The Useful Report (2022) et There Is Another Way – ETE s’associe à un octuor de clarinettes.

La compagnie Aime l’air présente Le temps est parti pour rester au Studio de l’Ermitage le 5 février 2025, à l’occasion de la sortie du disque éponyme chez PeeWee! deux jours plus tard. L’octuor est composé de trois clarinettistes d’obédience plutôt classique, voire musique contemporaine, mais pas que... – Emmanuelle Brunat, Florent Pujuila et Nicolas Fargeix – et de cinq clarinettistes rompus au jazz, mais pas que… : Elodie Pasquier (malheureusement en arrêt maladie le soir du concert), Catherine Delaunay, Thomas Savy, Laurent Dehors et « un soliste de renom », Louis Sclavis.

Le concert reprend les neuf morceaux du disques, structurés comme une suite. Emler constate que « les différents thèmes ont tous un rapport avec la météo... Pourquoi ? Je ne sais pas ». Les titres « sont des expressions détournées » : « Des temps de ouf », « Des nuages dans la tête », « Le temps est parti pour rester », « Précipitations 12023 », « Le vent du chnord », « Chaud... et show », « Des canards en froid », « Par les champs qui... »... Et il rajoute avec dérision : « ne me demandez pas d’explication pour les titres… Je demanderai au compositeur, mais il ne le sait pas lui-même, je crois... ».

La construction « Des temps de ouf » est complexe et rebondit dans tous les sens entre les chœurs de clarinettes fulgurants et touffus, les variations nerveuses de la section rythmique, les cabrioles aériennes de Fargeix au-dessus des lignes fluides d’Emler et des contrepoints des clarinettes, ou encore les musiciens qui se mettent à parler à qui mieux mieux comme une foule... « Des nuages dans la tête » frise le rock progressif : les riffs sourds des clarinettes et la rythmique puissante plantent un décor aux petits oignons pour les envolées free débridées de Sclavis. Un duo élégant, sorte de complainte aux accents contemporains entre le cor de basset de Delaunay et la contrebasse de Tchamitchian conclut le morceau. Les clarinettes à l’unisson accueillent Dehors et sa clarinette contrebasse grave, mais facétieuse. Par la suite « 2 climatologies » s’emballe, porté par les roulements furieux d’Echampard, les vrombissements de Tchamitchian, les motifs vigoureux d’Emler et le délire des clarinettes, tandis que Savy et Fargeix, imperturbables, développent chacun à leur tour des lignes claires et entraînantes. Le piano joue « Précipitations 12023 » en solo. C’est un intermède majestueux, souligné par un chœur discret en arrière-plan. Avant d’interpréter le morceau-titre prémonitoire, « Le Temps est parti pour rester », Emler salue le travail réalisé par Vincent Mahey et son label PeeWee!, d’autant plus que, comme il le constate avec une pointe d’amertume : « on enregistre des disques pourquoi ? Parce qu’on ne les vend plus ! Mais c’est pour montrer qu’on existe encore »… Et, sur une section rythmique toujours intense et teintée de rock prog, les clarinettes caquettent à l’envi et croisent leurs voix dans tous les sens, pleine de vie, comme pour donner raison à Emler ! « Les vents du chnord » commence dans une ambiance de sonate, avec un dialogue raffiné entre la clarinette de Brunat et le piano d’Emler. Delaunay et Tchamitchian, à l’archet, prennent la suite et passent d’un mouvement ample à un rock free, soutenus par une rythmique grondante. « Chaud et… Show » porte bien son nom : un accompagnement luxuriant et un piano – contrebasse – batterie déchaîné permettent à Fargeix d’enflammer sa clarinette pour un chorus de bravoure, dans l’esprit dixieland. Des riffs entraînants, de vives harmonies et des lignes enlacées soutiennent Pujuila, puis Savy, qui soliloquent avec éloquence sur « Des canards en froid ». La coda revient encore à Delaunay et Tchamitchian, toujours aussi subtils. Le concert (et le disque) se clôture sur « Par les champs… » tendu, qui met en avant la force de frappe d’Echampard, avant un final de contre-chants dans un esprit très début XXe. Le premier bis est une bagatelle bluesy que Sclavis joue... à l’harmonica, avec Tchamitchian et Emler. Pour le deuxième bis, l’orchestre reprend un extrait de « Par les champs... » avec toujours autant de densité et de pression.

Sophistiquée mais abordable, moderne et dansante, surprenante ou familière, la musique du « Temps est parti pour rester » est brillante et s’écoute sans fin...  

Le disque

Le Temps est parti pour rester
Andy Emler
Elodie Pasquier (cl), Nicolas Fargeix (cl), Emmanuelle Brunat (cl, bcl), Florent Pujuila (cl, bcl), Louis Sclavis (cl, bcl), Catherine Delaunay (cl, cdb), Thomas Savy (bcl), Laurent Dehors (cl, bcl, cbcl), Andy Emler (p), Claude Tchamitchian (b) et Eric Echampard (d).
PeeWee! – PW1016
Sortie le 7 février 2025

 

 

Liste des morceaux

01. « Des temps de ouf » (4:26).
02. « Des nuages dans la tête » (6:20).
03. « 2 climatologies » (6:48).
04. « Précipitations 12023 » (3:58).
05. « Le Temps est parti pour rester » (7:08).
06. « Les Vents du chnord » (5:11).
07. « Chaud et... show » (6:47).
08. « Des canards en froid » (8:28).
09. « Par les chants qui... » (5:05).

Tous les morceaux sont signés Emler.

Sinfonia – Jean-Marie Machado & Danzas Orchestra

Jean-Marie Machado a formé l’Orchestre Danzas il y a une quinzaine d’années. Sinfonia, sixième opus de l’orchestre, sort le 24 janvier 2025 sur le label La Buissonne. François Thuillier (tuba) et Didier Ithursarry (accordéon) sont de la partie dès Fiesta Nocturna, en 2010, et La fête à Bobby, en 2012. Quant à Cécile Grenier, à l’alto, elle rejoint l’orchestre pour Lagrima Latina, en 2015. Guillaume Martigné au violoncelle, Elodie Pasquier à la clarinette et Stéphane Guillaume au flûtes font leur entrée dans Danzas à partir de Pictures for Orchestra, publié en 2019. Cécile Grassi (alto), fait partie de l’orchestre à partir de 2023, avec le projet Cantos Brujos. Pour Sinfonia, Machado passe de nonettes ou dixtuors à un orchestre de seize pupitres avec, en plus des huit musiciens précités, Gwenola Morin à l’alto, Clara Zaoui au violoncelle, Joachim Machado à la guitare, Renan Richard au saxophone, Tom Caudelle au saxhorn, Marc Buronfosse à la contrebasse, Marion Frétigny et Aubérie Dimpre aux percussions.

Sinfonia s’articule autour de neuf compositions de Machado, dont trois en deux parties. Les titres évoquent la danse et la mer, deux passions de l’artiste. « Ria Largo » (peut-être un clin d’œil à la ville brésilienne Rio Largo) combine le terme musical largo avec, comme les cruciverbistes le savent, la ria, qui n’est autre qu’un aber, voire un estuaire… Deux mots-valises peuvent avoir des double sens : « Tanghoule » se réfère à la houle et au tango, mais aussi à Tanger, ville de naissance de Machado ; « Barcaronde » fait penser à la barcarolle des gondoliers vénitiens et à l’onde des vagues, mais pourrait être également une barque et une ronde… « L’écume des rires » est une jolie expression tirée des Souvenirs de la marée basse de Chantal Thomas. « Une barque sur l’océan » de Maurice Ravel inspire la « Barque magnétique » de Machado. La suite des cinq figures de danse du XVIe et XVIIe siècles et ses multiples avatars sont repris dans « La dérive des cinq pas ». Exception qui confirme la règle, « Volte flamme » ne suggère pas la mer, mais joue avec volte-face. « Tréhourhant » est un lieu-dit de Plougasnou à la vue idyllique sur la baie de Morlaix, particulièrement cher au cœur de Machado. « Jig raz », qui conclut Sinfonia, n’est autre que la gigue du courant…

L’exposition à l’unisson et le déroulé paisible de « Ria Largo » n’est pas sans évoquer les airs classiques du début XXe. Après une introduction lyrique du violoncelle, a capella, « Tanghoule » reste dans un registre cross-over, entre jazz et musique classique. Avec les envolées élégantes de l’accordéon, des chœurs majestueux, un chorus de saxophone soprano aérien, aux teintes moyen-orientales et des percussions légères, le morceau peut aussi faire penser à une musique de film. Un duo « andalous » guitare – piano introduit « Barcaronde ». Lyrique et sophistiqué, soutenu par des percussions subtiles et des superpositions de voix et d’unissons, le morceau se développe dans une veine classique, soulignée par les traits du violoncelle. Dansant, « L’écume des rires » commence par les lignes sautillantes d’Ithursarry, appuyées par Thuillier, et s’apparente rapidement à une fanfare moderne, avec un mouvement rapide et entraînant. La deuxième partie, elle, revient au début du XXe avec un chœur lointain, un ostinato et une pédale sombres et austères, et un déroulé lent et touffu. La « Barque magnétique » est placée sous le signe du third-stream : ligne sobre et éthérée du saxophone, accompagnement raffiné, foisonnement contrôlé de l’orchestre… La musique classique n’est pas loin. La complainte de l’alto sur le riff des percussions et les phrases débridées du piano annoncent la « Dérive des cinq pas », qui se développe ensuite posément, cinégénique, avec des plans qui se répètent, dans une atmosphère majestueuse. La « Volte flamme » porte bien son nom : le piano crépite, la flûte danse, les altos vibrent, la guitare plane, le saxhorn s’envole… Musique classique, rock, jazz et blues se mêlent dans un cocktail sous pression. Machado joue en solo « Tréhourhant », une comptine émouvante. Si le démarrage de « Jig Raz » s’apparente à une gigue bretonne, mélodieuse et cadencée, son développement navigue plutôt entre médiéval et folklore, avec d’abord guitare et marimba à l’unisson, suivi de questions-réponses avec le chœur, puis une ronde joyeuse et riante, avec toujours cette dichotomie populaire – savant. Le final, avec des voix qui se joignent à la section rythmique, propose un mélange habile de Flamenco et de Bretagne…

Sinfonia reflète à merveille les recherches de Machado avec son orchestre Danzas, une fusion ambitieuse de musique classique, de jazz et de musiques populaires.

Le disque

Sinfonia
Jean-Marie Machado & Danzas Orchestra
Cécile Grassi, Cécile Grenier et Gwenola Morin (alto), Guillaume Martigné et Clara Zaoui (cello), Joachim Machado (g), Elodie Pasquier (cl), Stéphane Guillaume (fl, sax), Renan Richard (sax), Tom Caudelle (saxhorn), François Thuillier (tu), Didier Ithursarry (acc), Jean-Marie Machado (p), Marc Buronfosse (b), Marion Frétigny (perc), Aubérie Dimpre (perc).
Label La Buissonne – RJAL397050
Sortie le 24 janvier 2025

Liste des morceaux

01. « Ria Largo » (01:19).
02. « Tanghoule - Part 1 » (01:41).
03. « Tanghoule - Part 2 » (05:54).
04. « Barcaronde - Part 1 » (03:08).
05. « Barcaronde - Part 2 » (04:22).
06. « L'écume des rires - Part 1 » (02:51).
07. « L'écume des rires - Part 2 » (05:11).
08. « Barque magnétique » (07:06).
09. « Dérive des cinq pas » (04:29).
10. « Volte flamme » (08:30).
11. « Tréhourhant » (02:05).
12. « Jig Raz » (07:15).

Tous les morceaux sont signés Machado.

Shabda – Yves Rousseau

Sur les traces du quartet Akasha, formé en 2000 par Yves Rousseau, avec Régis Huby au violon, Jean-Marc Larché au saxophone alto et Christophe Marguet à la batterie, Shabda – le son en sanskrit –  est un sextet avec Larché, Rousseau et Marguet, plus Clément Janinet au violon, Géraldine Laurent au saxophone alto et Jean-Charles Richard aux saxophones soprano et baryton. Le disque éponyme coproduit par Jazz sous les pommiers sort le 7 mars 2025 chez Alla Luna, nouveau label créé par Rousseau.

Le répertoire de Shabda, signé Rousseau, se présente sous la forme d’une suite avec une « Ouverture », cinq mouvements en deux parties et deux morceaux de clôture. L’« Ouverture » foisonnante et son mouvement dissonant majestueux reflètent parfaitement l’esprit de l’album.  

Toujours élégantes (Part 2 de « Light Wind »), maître-mot de Shabda, les ambiances se succèdent. Ici, des accents bluesy (Part 2 de « Shabda ») et là, des timbres moyen-orientaux (Part 1 de « Dimanche », « Ova »), ou des thèmes qui évoquent le début XXe (Part 1 de « Poetic Touch »), voire des hymnes aux contours baroques (« Rüzgar ») et des odes solennelles (Part 2 de « Poetic Touch ») aux couleurs élisabéthaines (Part 2 de « Dimanche ») ou médiévales (Part 1 de « Yarin »). Le sextet n’oublie pas non plus la fête, heurtée et sautillante dans un style New Orlean (Part 1 de « Light Wind ») ou enjouée comme une fantasia (« Ova »), prélude à des envolées digne du rock alternatif.

L’architecture des morceaux est raffinée (« Part 1 de « Yarin »), parfois construite à partir de plusieurs tableaux comme, par exemple, les triptyques théâtre – fanfare – rock dans Part 1 de « Light Wind » et « Ova ». Quant aux développements, ils rivalisent d’habileté. Des voix, d’abord décalées, se rejoignent pour exposer à l’unisson des lignes amples (Part 1 de « Shabda ») ou, au contraire, pour repartir de plus belle sur des croisements luxuriants et majestueux (Part 2 de « Yarin », Part 2 de « Light Wind »). Les contrepoints aériens des saxophones a capella décrivent des volutes magnifiques (« Part 1 de « Shabda »), tout comme les phrases célestes du saxophone baryton (Part 2 de « Shabda »). Des chœurs intenses («Part 2 de « Shabda », « Rüzgar »), des ostinatos puissants (Part 2 de « Poetic Touch »), des envolées bop à couper le souffle (« Ova »), des entrelacs de sections d’un lyrisme somptueux (Part 1 de « Yarin »)… se succèdent au fil des morceaux.

Côté section rythmique, servie par une sonorité profonde et grave la contrebasse gronde (Part 1 de « Shabda »), joue des riffs dansants (Part 1 de « Light Wind »), des airs sombres à l’archet (Part 1 de « yarin »)... et mêle sa puissance à celle de la batterie pour des motifs sourds (Part 2 de « Shabda »), des cadences chaloupées (Part 2 de « Poetic Touch ») et des boucles souples et entraînantes (Part 2 de « Yarin »). Toujours aussi expressive, la batterie de Marguet passe de cliquetis poly-rythmiques (Part 1 de « Shabda », « Ova ») à des roulements frénétiques (Part 2 de « Poetic Touch »), de bruissements subtils et de frappes d’une musicalité confondante (Part1 de « Yarin ») à un rythme sautillant de marche (Part 2 de « Yarin »).

A l’écoute de toutes les musiques – jazz, musique classique, rock progressif, world music… –  Rousseau a réussi à en faire une synthèse personnelle, originale et toujours passionnante. Qui prête l’oreille à Shabda en aura une preuve immédiate !

Le disque

Shabda
Yves Rousseau

Géraldine Laurent (as), Jean-Marc Larché (as), Jean-Charles Richard (sax), Clément Janinet (vl), Yves Rousseau (b) et Christophe Marguet (d).

Alla Luna – AL 300725
Sortie le 7 mars 2025

Liste des morceaux

01. « Ouverture » (1:46).
02. « Shabda Part I » (4:47).
03. « Shabda Part II » (3:57).
04. « Poetic Touch Part I » (2:36).
05. « Poetic Touch Part II » (5:35).
06. « Yarin Part I » (2:15).
07. « Yarin Part II » (5:26).
08. « Dimanche Part I » (1:39).
09. « Dimanche Part II » (2:15).
10. « Light Wind Part I » (5:47).
11. « Light Wind Part II » (3:12).
12. « Rüzgar » (3:10).
13. « Ova » (7:34).

Tous les morceaux sont signés Rousseau.