Tales of Nar - Keyvan Chemirani

Aussi actif sur la scène des musiques du monde (Ballaké Sissoko, Juan Carmona, Françoise Atlan, Ross Daly...) et de la musique classique (Dominique Vellard, Jean Rondeau, Benoît Haller...) que du jazz (Yves Rousseau, Louis Sclavis, Jean-Marie Machado, Omar Sosa, Sylvain Luc, Joce Mienniel...), Keyvan Chemirani mène également une carrière de leader bien fournie : Tales of Nar, dixième albums sous son nom, sort le 6 février 2026 chez PeeWee!

En 2022 Chemirani monte The Modal Experience Ensemble. Pour Tales of Nar, ce groupe à géométrie variable est constitué de Bijan Chemirani, son frère, percussionniste et partenaire de toujours,  la violoniste japonaise Yvlin (rencontrée dans le Deutsche Oper Berlin, lors de la représentation de Negar, un opéra de Chemirani) et Benjamin Moussay aux claviers (ils ont joué ensemble dans le cadre du Trio Atlas de Louis Sclavis).

Nar signifie New Ancient Rhythms, allusion à New Ancient Strings, un disque de Toumani Diabaté et Ballaké Sissoko sorti en 1999... Au programme de Tales of Nar, cinq compositions de Keyvan Chemirani, quatre signées Bijan Chemirani, « La Cena Grande » de Moussay et « 117 » d'Yvlin, Moussay et Bijan Chemirani.

Tales of Nar commence par un hommage à l'abbaye de Royaumont où Chemirani a l'habitude d'être invité en résidence. Ce premier morceau, construit en deux tableaux, donne le ton : la musique sera rythmique, moderne, mais ancrée dans la tradition... L'introduction solennelle du piano peut rappeler l'esprit de la musique classique du début XXe. Avec les percussions frémissantes et souples, la pédale du violon et les notes éparses du piano, le déroulé est intense. Le deuxième tableau démarre sur un motif moyen-oriental puissant joué à l'unisson par le violon et le piano qui débouchent sur des modulations élégantes du violon accompagnées des doux roulements du zarb et du daf.

« Dar-é-Marmouz » compte également deux parties. C'est le lauto et le piano dans les cordes qui ouvrent le morceau. Sur un riff immuable, le violon et le santur lancent un thème-riff mélodieux aux couleurs orientales. La montée en puissance se fait par un mouvement d'ensemble autour du thème-riff. La porte mystérieuse (« Dar-é-Marmouz ») mérite bien la majesté de cette première partie... Dans la deuxième partie, les phrases aux consonances moyen-orientales pleine de swing du piano répondent aux motifs du lauto et des percussions, avec des interventions aériennes du violon.

Place au dîner avec « La Cena Grande » ! Après un démarrage harmonieux et subtil à souhait de Moussay, Yvlin prend la suite dans une veine rubato avec une léger vibrato et une bonne dose de lyrisme. Cette entame très cinégénique laisse place à une suite de triolets du violon repris par le piano sous forme de riff qui lance les percussions, luxuriantes et légères. Les voix et les rythmes s'entrecroisent pour une conclusion théâtrale.

Le duo de percussions de « Nour In The Place » alterne roulements secs et sourds et frappes à la résonance mate dans une explosion de rythmes qui fusent dans tous sens !

Une ambiance foisonnante énigmatique et des motifs rythmiques réguliers ouvrent « Bâ man o bâ to », avant que le violon n'expose une superbe mélodie nostalgique aux teintes moyenâgeuses. Sur un décor rythmique chatoyant et dansant, le violon et le piano dialoguent avec beaucoup de verve !

L'évocation de la ville italienne « Todi » commence par un piano contemporain expressif. Puis, sur un ostinato, la main droite trace des petites lignes reprises à l'unisson par le violon, toujours soutenues par des percussions pétillantes. Les cellules rythmiques s'entrelacent pendant que le violon et le piano passent de phrases sinueuses à des vagues de boucles, des questions-réponses et des unissons dans une ambiance sophistiquée.

Sur un riff régulier du lauto « 118 » fourmille du début à la fin avec une architecture complexe : des plans superposés, des boucles enchevêtrées, des riffs imbriqués les uns dans les autres, des vocalises rythmiques... Il y en a partout, et « 118 » reste entraînant à plaisir !

Un riff de piano et une mélodie legato du violon présentent « La robe de la mariée ». Violon, piano et percussions discutent finement. Yvlin fait monter la pression jusqu'à l'envol des percussions et du piano, avant un final dans une atmosphère contemporaine.

Pour le pessimiste (ou réaliste ?) « Le soleil se couche (sur cette civilisation) », les percussions sont graves, le thème est sombre et le développement imposant avec des échanges croisés de toute beauté entre le quartet.

Avec son introduction lente au piano, à laquelle répondent avec pudeur les percussions, le lauto et le pizzicato du violon, puis son déroulé profond basé sur une fusion des voix en suspension, « 117 » est spectaculaire !

En guise de conclusion, la comptine « Jasmine Lullaby » se mue en farandole, portée par un mouvement d'ensemble mélodieux, sautillant et doux, avec des touches folk et de l'humour...

La musique des frères Chemirani, d'Yvlin et de Moussay est juste belle et Tales of Nar est juste indispensable.

Le disque

Tales of Nar

Keyvan Chemirani

Yvlin (vl), Benjamin Moussay (p, kbd), Bijan Chemirani (perc) et Keyvan Chemirani (perc, santur).

PeeWee! - PW1020

Sortie le 6 février 2026

Liste des morceaux

01. « Royaumont », Keyvan Chemirani (7:10).

02. « Dar-é-Marmouz », Bijan Chemirani (7:27).

03. « La Cena Grande », Benjamin Moussay (7:24).

04. « Nour in the place », Keyvan & Bijan Chemirani (2:47).

05. « Bâ man o bâ to », Bijan & Myriam Chemirani (4:29).

06. « Todi », Keyvan Chemirani (5:58).

07. « 118 », Bijan Chemirani (6:25).

08. « La robe de la mariée », Keyvan Chemirani (3:43).

09. « Le soleil se couche (sur cette civilisation) », Keyvan Chemirani (4:07).

10. « 117 », Yvlin, Benjamin Moussay & Bijan Chemirani (2:29).

11. « Jasmine Lullaby », Bijan Chemirani (4:36).

Retour aux notes de la marée... 

 

Joce Mienniel et ses instruments migrateurs au Comptoir

Après son rendez-vous de février avec Macha Gharibian et Arnault Cuisinier, le 7 mars 2024, pour le sixième rendez-vous avec ses instruments migrateurs, Joce Mienniel invite Chérif Soumano à la kora, Jozef Dumoulin au piano, à la sanza et aux effets, et Keyvan Chemirani aux percussions persanes : zarb, daf et santûr.

Comme avec tous les instruments migrateurs, Mienniel commence le concert avec « Stéréométrie », qui permet de mettre le quartet au diapason. Sur les boucles de la flûte et un bourdon, il présente les musiciens, avant qu’ils ne reprennent le thème à l’unisson, avec des effets rythmiques en technique étendue, et Dumoulin au piano à pouces. Sur des riffs inamovibles, Soumano se lance dans un solo ethnique enjoué, suivi d’une courte intervention a capela de Chemirani. « Stéréométrie » donne le ton du concert : un melting-pot musical au forts accents du monde, jouée par des improvisateurs rompus au jazz.

Joce Mienniel, Chérif Soumano, Jozef Dumoulin, Keyvan Chemirani (c) PLM

Une polyrythmie animée par la sanza, les percussions et la kora sert de base à une composition de Dumoulin. La thématique, tout à fait dans un esprit world, permet à Soumano de dérouler des lignes mélodieuses et délicates qui contrastent avec les réponses acérées de Mienniel, mêlées de souffles et de vocalises. Rituel des instruments migrateurs : chaque musicien effectue un solo intégral. Le premier de la soirée est celui de Soumano avec sa superbe kora Kaëlig. Après une introduction virtuose, le thème-riff débouche sur une alternance de lignes mélodiques et d’ostinato, vives et entraînantes. Le quartet interprète ensuite une pièce signée Chemirani : « A l’ombre de Soyé ». [Soyé] signifie l’ombre en persan, mais c’est aussi le nom de la chatte – persane – du percussionniste, et le morceau est initialement dédié au guitariste Jacques Pellen, décédé du covid en avril 2020. Le préambule de Chemirani au santûr mélange motifs mélodico-rythmiques et sonorité cristalline. Les contre-chants de la kora et le piano viennent bientôt soutenir le santûr, puis la flûte déroule un air solennel, que le piano renforce de ses traits élégants. C’est ensuite au tour de Mienniel de jouer son solo. A l’aide de ses pédales loop, il enregistre des boucles mélodiques et rythmiques puissantes qu’il superpose astucieusement, pendant qu’il joue sur différents plans. L’environnement hypnotique qu’il crée, ajouté aux effets étendus, génère une tension prégnante. Le solo de zarb de Chemirani est une véritable démonstration de musicalité. Sur une constante sourde, les roulements, frappes et frottements, véloces, bondissants, secs, forts ou doux, se succèdent dans un feu d’artifice rythmique. « Chérif’s Tune » commence par une succession d’envolées énergiques et de lignes mélodieuses, avant l’exposé à l’unisson d’un beau thème-riff, mis en valeur par une rythmique légère et entraînante. La flûte et le piano en profitent pour prendre des chorus particulièrement inspirés. Soumano électrifie sa kora et part dans un duo impressionnant avec les percussions, d’autant plus digne de celui d’un guitar hero, que les jets rythmiques de la flûte et les variations imposantes du piano s’immiscent dans la partie. Pour sa partie en solo, Dumoulin commence par des enchevêtrements de boucles sur lesquels se détache un motif mélodique minimaliste. Il intègre ensuite des effets électroniques – grondements, grésillements, sonars, trompes, vibrations, chuintements, moteurs – qui évoquent les abysses ou l’espace, et servent de décor aux envolées délicates du piano et aux interruptions de la sanza et du piano préparé. L’empilement des sons, des rythmes et des airs aboutit à une sculpture sonore complexe et fascinante.

 

Pour terminer, Mienniel propose un morceau composé à Bamako dans le vieux quartier de Médina Coura. Le thème-riff dansant, joué dans un souffle par la flûte sur un ostinato de la sanza, est repris à l’unisson ou en contrepoint par la kora. Mienniel enflamme l’ambiance avec un ostinato soufflé imposant, soutenu par le piano, la kora et les percussions. Le quartet part alors dans un échange contemporain d’une densité formidable, avec des traits fulgurants, des ostinatos lancinants, des sons excitants, des souffles haletants, des crépitements hachés, des cris saccadés… pour un final en apothéose. 

 

Jozef Dumoulin, Joce Mienniel, Chérif Soumano, Keyvan Chemirani (c) PLM

 

Les instruments migrateurs viennent du Mali, d’Iran, de Belgique, de France et d’ailleurs… mais qu’importe : musiciens de tous les pays, unissez-vous pour une musique du monde free ! C’est ce que nous pouvons souhaiter de mieux à cette humanité bien mal partie...

Portraits au Studio de l'Ermitage - Jean-Marie Machado

A l'occasion des trente ans de la compagnie Cantabile, Jean-Marie Machado propose une série de portraits au Studio de l'Ermitage les 14, 15 et 16 octobre 2025. Les trois soirées sont organisées autour de deux concerts par soirée : un des projets de Machado et une scène ouverte à des musiciens amis.

Le 14 octobre commence par La saga des vagues, le duo de Machado et Keyvan Chemirani, suivi du trio Ornicar, avec Joachim Machado, Renan Richard et Côme Huveline. Le 15 octobre verra le duo de Séverine Morfin et Malik Ziad précéder le Machado Novo Trio, avec Machado, ClaudeTchamitchian et Ze Luis Nascimento. Quant au 16 octobre, il démarre avec Back on the Block, le duo de Pauline Bartissol et Jean-Charles Richard, avant Cantos Brujos, projet de l'orchestre Danzas avec Ana Pérez.

Mardi 14 octobre 2025

 

La saga des vagues
Jean-Marie Machado & Keyvan Chemirani 

Depuis 2017 et la sortie d'Impulse Songs, les chemins de Machado et Chemirani se sont souvent croisés, notamment dans Majakka, projet créé en 2020 par Machado, avec Jean-Charles Richard et Vincent Segal. En 2025, les deux musiciens se retrouvent autour d'un projet en duo : La saga des vagues.

Jean-Marie Machado & Keyvan Chemirani – Studio de l’Ermitage – 14 octobre 2025 © PLM

« Le pays des orages » évoque la région de Darjeeling, fameuse pour ses thés. Chemirani navigue entre zarb et autres percussions pour maintenir des poly-rythmes entraînants, tandis que Machado développe le thème-riff avec un lyrisme musclé, teinté de touches andalouses. « Un niño en la calle » était déjà au programme de Takiya ! Tokaya !, disque co-publié en 1997 avec Jean-Marc Padovani, en compagnie de Jean-François Jenny-Clark et Paul Motian, mais aussi de Caminando, album en duo avec David Liebman, sorti en 2008. Des ostinatos accompagnent l’exposition de cet air aux accents latinos, soutenus par des rythmes foisonnants. Le piano intercale ensuite des phrases rubatos d’allures romantiques, soulignées par les percussions, vives et légères. Chemirani troque le zarb pour le santour et demande en rigolant que les éclairages rougeoyants soient changés car il ne distingue plus les quelques soixante-douze cordes de l’instrument ! La sonorité aiguë, métallique et cristalline du santour et les cordes du piano donnent une couleur indienne au morceau. Les échanges entre les deux musiciens sont intenses, portés par des questions-réponses, unissons, riffs, ostinatos et autres motifs mélodico-rythmiques. Les ondulations de « Pluie blanche », sur des percussions luxuriantes, débouchent sur une version néo-bop dynamique de « Nardis ». « Le réveil de l’Indien » est une référence au pic de Bure, dans le massif de Dévoluy, dont la forme ressemble à un Indien couché… Vu l’énergie impressionnante du chorus de Chemirani et les contre-chants rythmiques de Machado, il n’est pas étonnant que l’Indien se soit réveillé ! C’est plutôt du côté de la musique contemporaine que lorgne « La lune des étonnements » : le jeu minimaliste, dissonant et tendu du piano est ponctué de frottements, cliquetis, frappes éparses et sonnailles des percussions. Pour conclure le set, le duo interprète « Retreat Poetry ». Une rythmique sèche, nerveuse et dense accompagne un piano qui, au gré des tableaux, se montre tantôt joueur (Erik Satie n’est pas si loin) tantôt lyrique.

Machado et Chemirani surfent sur des vagues mélodiques et rythmiques plus grisantes les unes que les autres...

 

Ornicar
Joachim Machado, Renan Richard et Côme Huveline 

Emanation du Bissap Sextet créé par le saxophoniste baryton Renan Richard-Kobel, Ornicar est un Power Trio monté en 2016 avec Joachim Machado à la guitare électrique et Côme Huveline à la batterie. Leur premier album, Maëlstrom, est sorti en janvier 2020.

Renan Richard-Kobel, Côme Huveline & Joachim Machado – Studio de l’Ermitage – 14 octobre 2025 © PLM

Dès le premier morceau le ton est donné : une batterie puissante et véloce, une guitare entre ostinato et accords planants et un saxophone baryton qui alterne lignes mélodiques et effets lointains réverbérés. Ornicar joue dans la cour des jazz-rockeurs. Le deuxième morceau enfonce encore davantage le clou car Huveline passe aux pads, encore plus sourds, Machado plaque des effets électro spatiaux, tandis que, en arrière-plan, Richard déroule des nappes de sons digne d’un orgue. Après une introduction tonitruante de la batterie sur une pédale du baryton, la guitare expose « Ficus », un thème-riff, souligné par le contre-chant du saxophone et qui débouche sur un slow. Puis, poussé par les frappes binaires d’Huveline et les lignes de basse de Richard, Machado part dans un chorus de Guitar Hero dans une veine Metal. Dans le quatrième morceau, sur une rythmique toujours puissante et une guitare aérienne, le baryton développe une mélodie simple dans un style plus jazz, fluide et mélodieux. « La pierre contre la vitre » se déroule en trois tableaux : le premier dans un esprit slow-rock avec des effets électro rêveurs sur une batterie vigoureuse, le deuxième plutôt dans un style électro-rock, avant un troisième mouvement minimaliste. Des ostinatos de la guitare et des pédales du baryton accompagnent les furies de la batterie qui propulse « Spread » dans les limbes du rock progressif, avec Machado une nouvelle fois en Guitar Hero. Après un démarrage dans une atmosphère éthérée avec des phrases dépouillées, le septième morceau retrouve les chemins du rock alternatif, porté par les frappes luxuriantes d’Huveline et les contrepoints élégants de Machado et Richard. « IA » est dense, voire brutal – notamment le solo final d’Huveline. Le baryton joue des lignes intenses sur une batterie poly-rythmique entraînante et des épures mélodieuses de la guitare.

Pour le bis, le trio invite Machado et ils reprennent « Um Vento Leve », air inspiré par Fernando Pessoa et au programme de Majakka. Ornicar abandonne son jazz ascendant rock pour un jazz moderne. La batterie, rassérénée, maintient une carrure imperturbable, le piano, raffiné, alterne accompagnements mélodiques et rythmiques, la guitare, adoucie, s’envole ça-et-là sur des effets électro et le saxophone soprano illumine le morceau de ses volutes délicates.

Qu’elle soit jazz-rock prog ou jazz-électro-rock, la musique d’Ornicar est musclée, et ce n’est pas de la gonflette !

Mercredi 15 octobre 2025

Séverine Morfin et Malik Ziad 

Séverine Morfin – alto – et Malik Ziad – mandole, guembri et banjo – se sont rencontrés lors d'une tournée du chanteur Piers Faccini. En 2024 ils décident de monter un projet ensemble, dans lequel ils piochent le répertoire du set.

Séverine Morfin & Malik Ziad – Studio de l’Ermitage – 15 octobre 2025 © PLM

La mélodie douce et cristallines aux modulations moyen-orientales exposée par le mandole et mise en relief par le bourdon de l’alto plante le décor. Morfin accompagne ensuite avec un pizzicato enlevé les motifs dansants de Ziad. Quand c’est au tour de l’altiste de prendre son chorus, les accords du mandole soulignent le discours de l’alto. Le final est une suite de contrepoints entraînants. Le duo enchaîne sur un tableau mystérieux, triolets de l’alto et ligne minimaliste du mandole, qui monte en puissance avec un bel effet théâtral. Dans « Raphaelle », Ziad change de tabouret – il glissait sur la banquette piano – et passe au guembri, dont la sonorité rappelle un mélange de guitare basse acoustique et de contrebasse. Le riff grave et groovy de Ziad soutient une mélodie solennelle étirée par l’archet de Morfin. Après un dialogue rythmique pimenté, le morceau s’achève presque dans une ambiance de dance-floor ! La belle et sobre « Lisière » démarre sur deux riffs croisés, puis part sur une ligne mélodique gracieuse, développée au mandole et ponctuée par les ostinatos de l’alto. Retour au guembri et au pizzicato pour une ronde entraînante au parfum médiéval. La ligne de basse minimaliste et le thème en suspension évoluent crescendo, alto en doubles cordes et riff puissant du guembri, jusqu’au final dansant, aux accents moyen-orientaux, renforcés par le chant de Ziad. Le set se conclut avec le bien nommé « Rituel », composition de Ziad, au répertoire du concert des Instruments Migrateurs le 3 avril 2025 au Comptoir Halle Roublot, avec Joce Mienniel et Vincent Peirani. Sur un air moyen-oriental particulièrement accrocheur, Morfin alterne ronde dansante et envolées débridées, tandis que Ziad jongle avec les maqâm au mandole et au chant, avec des modulations typiquement arabo-andalouses.

Enjoué, vif et sincère, le duo Morfin – Ziad propose un alliage de Moyen-Orient, folklore et jazz qui appelle au voyage !

Como as flores
Machado Novo Trio

Machado et le trio, ce n'est pas une nouvelle aventure : en 1988 le pianiste enregistre son premier disque, Father Songs, en trio avec François et Louis Moutin. Disque qui sera suivi de Kah ! Pob ! Wah ! en 1989, puis Séquence Thmiryque en 1993. En 2007, Machado réitère l'expérience avec Jean Philippe Viret et Jacques Mahieux pour Sœurs de sang. Huit ans plus tard, Machado y revient encore une fois en compagnie de Henning Sieverts et François Merville. Voici donc le quatrième trio du pianiste : Machado Novo Trio avec Claude Tchamitchian et Ze Luis Nascimento, pour le projet Como as flores (comme les fleurs, en portugais) et un disque qui sortira en janvier 2026 sur le label La Buissonne.

Claude Tchamitchian, Jean-Marie Machado & Ze Luis Nascimento – Studio de l’Ermitage – 15 octobre 2025 © PLM

Machado Novo Trio reprend neuf des dix titres au programme de Como as flores. La mélodie élégante de « De memorias e de saudade » évoque avec justesse des souvenirs et de la nostalgie. D’autant plus que Tchamitchian a sorti l’archet et que Nascimento caresse ses percussions pendant que Machado déroule une ligne romantique. Cette ambiance intimiste s’évapore avec un chorus de contrebasse puissant, des poly-rythmes chatoyants et des envolées arpégées, ponctuées d’« espagnolades ». La valse de l’oursin – « Valsa ouriço » – s’appuie sur un thème-riff cristallin et dansant. Ce morceau rythmique est ponctué de solos mélodieux de la contrebasse et de la batterie. Le piano, pour sa part, est au four et au moulin : jeu dans les cordes, petits motifs aigus, pédales et riffs fusent. Machado s’est inspiré de « nos larmes jamais pleurées », tirée d’un texte de Christian Bobin, pour composer « Our Tears Never Cried ». Les échanges entre les petites phrases mélancoliques du piano, agrémentées d’appogiatures et autres triolets, les unissons et le minimalisme de la contrebasse, et le foisonnement aérien des percussions s’apparentent parfois à de la musique de chambre contemporaine. Le trio lance « Nardis », composé en 1958 par Miles Davis (ou Bill Evans, nul de le saura jamais…?), en mode hard-bop, avec walking, chabada et phrasé vif. Mais, sous l’impulsion d’un motif rock prog de la contrebasse et du climat groovy imprimé par les percussions, le trio s’aventure dans les contrées du rock alternatif. Le morceau suivant « est dédié à ma chérie, avec qui nous vivons depuis quarante-deux ans » : « Romantic Spell » « est une chanson d’amour, hein ! Donc mettez-vous en mode relax ». La ballade, carrure minimaliste de la contrebasse et balais tranquilles de la batterie, laisse de l’espace à des interactions bien senties, avec une alternance de tension et détente, toujours dans un style musique de chambre. Le trio traverse ensuite la vie avec « Transvida », à un rythme énergique et sur des interactions soutenues entre le piano, dans une veine contemporaine tendue, la contrebasse, qui répond à l’archet, et les cymbales, frémissantes. Dans ce véritable « concerto pour percussion », Nascimento prend un solo d’anthologie dans lequel, sur une pulsation constante, il met en scène toutes ses percussions, des peaux et cymbales habituels de la batterie aux cow bells, en passant par des grelots, shakers, coquilles, cymbalettes, apeaux… tout en s’encourageant de la voix, et avec beaucoup d’humour. Un solo énorme et solennel de Tchamitchian à l’archet ouvre « Perdido em clareza ». Le thème, chaloupé, très cinématographique, sert de base à des échanges soutenus et tendus, parsemés d’accents andalous. Pour « Le voleur de fleurs », un morceau vif et entraînant, Machado démarre en puissance, soutenu par le chœur de la contrebasse et des percussions, puis le piano cavale entre la carrure solide de Tchamitchian et le foisonnement de Nascimento. « L’endormi », déjà au programme de Danses enfouies, enregistré avec Keyvan Chemirani en 1998, clôture la soirée. Le piano développe la mélodie obscure et lyrique sur les roulements des tambours et les lignes profondes de la contrebasse.

Les trois jardiniers du Machado Novo Trio ont tout compris aux fleurs : Como as flores est coloré, parfumé, surprenant et séduisant, comme un jardin au printemps...

Le disque

Como as flores
Machado Novo Trio
Jean-Marie Machado (p), Claude Tchamitchian (b) et Ze Luis Nascimento (percu)
Label La Buissonne - RJAL397052
Sortie en janvier 2026

Liste des morceaux 

01. « Romantic Spell » (4:04).
02. « Valsa ouriço » (4:55).
03. « De memorias e de saudade » (6:52).
04. « Le voleur de fleurs » (5:03).
05. « Our Tears Never Cried » (4:36).
06. « Nardis », Miles Davis (3:55).
07. « Piuma » (4:36).
08. « Perdido em clareza » (8:08).
09. « Transvida » (6:14).
10. « L’endormi » (4:40).

Tous les morceaux sont signés Machado, sauf indication contraire.

Lua et Impulse Songs Quintet au Café de la Danse

Lundi 13 mars Cantabile présente Jean-Marie Machado dans un double-plateau au Café de la Danse : la première partie est consacrée à Lua et la deuxième à l’Impulse Songs Quintet.

Lua

Lua – la lune en portugais – est un disque de Machado en duo avec l’accordéoniste Didier Ithursarry, sorti en février 2017 sur le label Cantabile. Décidément, ces jours-ci, l’accordéon jazz est à la fête, n’en déplaise à la java et à André Hodeir ! Les Ithursarry, Richard Galliano, Andrea Parkins, Vincent Peirani, Florent Sepchat, Lionel Suarez, David Venitucci… ne confirment pas les dires de l’éminent musicologue, qui écrit dans son Introduction à la musique de jazz (Larousse – 1948) : « L’orgue électrique, même manié par un Fats Waller, est fort impropre au style hot : incapable d’attaquer une note, il ne peut pas davantage la modeler. On fera la même remarque en ce qui concerne l’accordéon, instrument anti-jazz s’il en est » (pages 60 – 61). Soixante-neuf ans plus tard, cette affirmation a de quoi faire sourire (pour les deux instruments)…

Le programme du concert reprend des titres du disque : « Sentier évanoui », « Aspirer la lumière » et « Broussailles », signés Machado, « JSB », « Vuelta » et « Lua », composés par Ithursarry, et « Perseguição », un fado d’Avelino de Souza et Carlos da Maia.

Machado est un architecte sonore organisé et Ithursarry un accordéoniste subtil. Les mélodies sont délicates (« Lua »), profondes (« Sentier évanoui »), voire mélancoliques (« Perseguição ») avec des nuances, sinon Debussystes (« Sentier évanoui »), au moins du vingtième (« Vuelta »). Les développements mettent en scène des contrechants élégants (« Perseguição »), des polyphonies habiles (« Broussailles »), quelques touches bluesy (« JSB »), un parfum classique (« Aspirer la lumière ») et un lyrisme toujours sous-jacent (« Perseguição »).

L’éclipse solaire de la pochette est particulièrement classe et le disque a été – parfaitement – enregistré au studio La Buissonne par Gérard de Haro. Machado et Ithursarry dédie leur album à Jacques Mahieux, décédé en 2016. En plus des six compositions jouées pendant le concert, Lua propose en plus « Lézanafar » et « No Church But Songs » (hommage à Mahieux) de Machado, et le « Nocturne n°1 » de Frédéric Chopin.

Machado et Ithursarry marient leur Steinway et Fisart avec un sens du dialogue affûté et une connivence mélodique évidente.

Impulse Songs Quintet

Changement de décor pour la deuxième partie avec l’Impulse Songs Quintet : un dispositif imposant de vibraphones, marimba, cymbales, cloches, gongs et autres percussions envahit la scène. Impulse Songs est un quintet composé de Gisèle David, responsable de la classe de percussions du conservatoire d’Aix-en-Provence, Marion Frétigny, percussionniste issue du CNR de Toulouse, Christian Hamouy, membre et directeur artistique des Percussions de Strasbourg de 1983 à 1996, et Keyvan Chemirani, expert es-zarb.

Bruissements, frottements, tintinnabulements, bourdonnements, crissements… lancent « Stories Impulse ». Puis le foisonnement s’organise dans une veine minimaliste tandis que le piano égrène une mélodie élégante. Dans « Gallop Impulse », les percussions croisent leurs boucles et le zarb saute d’un rythme à l’autre pendant que le piano expose une ritournelle aux accents folkloriques. « Rock Impulse » démarre dans l’esprit des Percussions de Strasbourg et, après un développement dansant, Chemirani donne une leçon magistrale de zarb ! L’hommage à la Bretagne, « Lézanafar Impulse », passe d’un échange bruitiste, qui rappelle la nature, à une danse incantatoire, portée par l’ostinato du piano et les percussions, hypnotiques. Machado troque ensuite son piano pour un tom et dans une ambiance de tam-tams africains le quintet entame une sorte de haka, « Ta-Ka-Dem-Da », entrecoupé d’un solo de Chemirani, avec des vocalises rythmiques qui rappellent le zarb. Pour le bis, Ithursarry rejoint le quintet et « Fun-citatif » revient à un langage davantage jazz.

Proche de la musique contemporaine, avec des touches mélodiques jazz, la musique de l’Impulse Songs Quintet bondit dans une débauche d’énergie rythmique formidable !

Majakka – Jean-Marie Machado

Jean-Marie Machado est un hyper-créatif ! Il y a évidemment Danzas, le nonette fétiche, créé en 2007, mais aussi ses duos avec Didier Ithursarry et André Minvielle, le quintet Impulse Songs, les performances avec Jean-Jaques Fdida et Francine Vidal et les solos… Et voici que le pianiste propose un nouveau projet en quartet : Majakka. Machado explique qu’il a été séduit par ce mot au cours d’une tournée dans les pays baltes : la prononciation de « majakka » – [mayak_ka] – est très musicale et ce terme finnois signifie « phare »…

Outre Jean-Charles Richard, déjà membre de Danzas, Machado a fait appel à Vincent Ségal, au violoncelle, et Keyvan Chemirani, aux percussions. Les dix compositions sont de la plume du pianiste et Majakka, enregistré par Gérard de Haro, sort sur le label La Buissonne.

La plupart du temps, portés par des rythmes légers et enjoués (« Gallop impulse »), les airs virevoltent dans des ambiances chatoyantes (« Bolinha »), souvent teintées des couleurs de l’orient (« Les pierres noires »). Basés sur des interactions sophistiquées – contrepoints, questions-réponses, contre-chants, entrelacs des voix, unissons… – les développements évoquent la musique de chambre (« Outra terra »). La sonorité du quartet, franche et ronde, est d’autant plus chaleureuse que les timbres acoustiques des instruments se marient harmonieusement. Le discours moderne (« Um vento leve »), les phrases sinueuses (« Les yeux de Tangati »), l’écoute attentive et l’inspiration sans faille (« Emoção de alegria ») de Richard s’inscrivent parfaitement dans l’esprit de Majakka. En pizzicato, pour assurer la carrure(« Um vento leve »), épauler les percussions (« Gallop Impulse ») et dialoguer avec ses compères (« Les yeux de Tangati »), ou à l’archet, pour insuffler de la solennité (« La lune dans la lumière »), distiller de l’émotion (« Emoção de alegria ») et converser en mode quatuor (« Slow Bird »), le violoncelle de Ségal est un régal ! D’une subtilité à toute épreuve, le zarb et les percussions de Chemirani font des merveilles : luxuriantes (« Gollop Impulse »), sans jamais étouffer les propos du quartet, constamment entraînantes et aériennes (« Outra terra »), et d’une musicalité irréprochable (« Emoção de alegria »). Quant à Machado, tour à tour lyrique (sans mièvrerie, « Um vento leve »), percussif (« Gallop Impulse »), minimaliste (« Outra terra »), cristallin (le piano préparé sonne à la manière d’une cithare dans « Bolinha »), mélodieux dans ses dissonances (« La mer des pluies »)… il place son piano sous le signe des compositeurs du début vingtième et de la musique des mondes.

A la croisée des chemins entre musiques de chambre, jazz et musiques du monde, Majakka défie les catégories pour le « bien-écouter » de tous : merci Machado !

Le disque

Majakka

Jean-Marie Machado

Jean-Charles Richard (bs, ss, fl), Jean-Marie Machado (p), Vincent Ségal (cello) et Keyvan Chemirani (perc).

Label La Buissonne – RJAL397039

Sortie le 1^er février 2021

Liste des morceaux

01. « Bolinha » (6:24).

02. « Les pierres noires » (5:19).

03. « Um vento leve » (4:26).

04. « La lune dans la lumière » (3:28).

05. « Gallop impulse » (7:01).

06. « Outra terra » (3:48).

07. « Emoção de alegria » (6:05).

08. « La mer des pluies » (6:32).

09. « Les yeux de Tangati » (8:16).

10. « Slow bird » (5:49).

Tous les morceaux sont signés Machado.

Murmures au Triton

En résidence au Triton depuis 2015, Yves Rousseau multiplie les projets : Akasha avec Régis Huby, Jean-Marc Larché et Christophe Marguet ; le Spirit Dance Quintet en compagnie de Fabrice Martinez à la trompette, David Chevallier à la guitare, Bruno Ruder aux claviers et Marguet ; Absolutely Free accompagné d’Elise Caron et de Larché ; le Wanderer Septet composé d'Huby, Larché, Thierry Péala, Pierre-François Roussillon, Edouard Ferlet, Xavier Desandre Navarre, … et le dernier né : Murmures, qui se produit les 12 et 13 mai dans le club star de Montreuil.

Pour Murmures Rousseau fait appel à des musiciens d’horizons différents : la chanteuse Anne Le Goff  (Mikrokosmos, les Petits Chanteurs à la Croix de Bois, Côté Sud…), le clarinettiste basse Thomas Savy (Archipel, Compagnie Nine Spirit, Slow Band…), le guitariste Pierrick Hardy (Jusqu’au dernier souffle, Daniella Barda, Olivier Ker Ourio…), et le percussionniste Keyvan Chemirani (Chemirani Ensemble, Louis Sclavis, Sylvain Luc…).

Rousseau a construit Murmures autour de textes de François Cheng. Le nom du projet est d’ailleurs tiré d’une phrase extraite de L’Eternité n’est pas de trop (2003). Poète, romancier, essayiste, calligraphe… Cheng a reçu moult prix, dont le Femina, en 1998, pour Le Dit de Tianyi. Membre de l’Académie Française depuis 2002, l’auteur, d’origine chinoise, est également Officier de la Légion d’honneur. Quand Rousseau lui a demandé l’autorisation d’utiliser ses écrits, Cheng lui a répondu : « la poésie est un partage »… A méditer !

Le concert s’articule autour de dix morceaux qui mettent en musique les textes de Cheng, chantés ou déclamés par Le Goff. Rousseau ne met en avant aucun soliste et préfère privilégier les interactions du groupe : entrelacs des voix (« Chaque jour de toute une vie »), contrepoints rythmiques (« Un jour si je me perds en toi ») unissons mélodiques (« Un jour les pierres »), dialogues subtils, mélodie soignées (« Pierre à encre »)… Outre la structure des morceaux, Murmures rappelle d’autant plus la musique de chambre du début du vingtième siècle que le chant évoque souvent des lieder (« Nous n’y pouvons plus rien ») et l’instrumentation du quintet est acoustique avec une sonorité très naturelle.

Avec le timbre chaud de sa belle voix d’alto, Le Goff marie ses vocalises aux volutes de la clarinette basse et de la contrebasse (« Un jour les pierres ») et donne de la gravité aux textes (« Chaque jour de toute une vie »). D’une précision et d’une ingéniosité confondantes, Savy met aussi la sonorité chaude et claire de sa clarinette basse au service du quintet. Aussi à l’aise dans des envolées débridées (« Lorsque nous nous parlons ») que dans des développements contemporains (le chorus a capella de « Avoir tout dit »), ses accompagnements soulignent toujours avec élégance la voix de Le Goff (« Un jour les pierres ») ou le zarb. Les boucles, riffs, ostinatos, motifs… d’Hardy, sobres et minutieux, s’immiscent toujours à bon escient dans la discussion (« Lorsque nous nous parlons »). Il s’aventure également dans la musique andalouse (« Avoir tout dit »), ou, avec ses douze cordes, dans des ambiances aux accents médiévaux. Le zarb apporte une touche de musique du monde, mais sans excès (« Lorsque nous nous parlons »). Rompu aux exercices du jazz d’avant-garde, Chemirani allie virtuosité et musicalité (« Un jour si je me perds en toi ») et le son de ses percussions – alliage de peaux et de terre – est particulièrement séduisant. Rousseau est égal à lui-même : gros son, pulsations entraînantes (« Un jour les pierres »), lignes mélodieuses (« Chaque jour de toute une vie »), archet sagace (« Chaque jour de toute une vie »), écoute attentive (« Nous n’y pouvons plus rien »)… Le contrebassiste sert la « grand-mère » comme pas un !

Même s’ils s’inscrivent le plus souvent dans une lignée « jazz sous le signe de la musique contemporaine », les projets de Rousseau se suivent, mais ne se ressemblent pas ! Surprenants et pétillants, souhaitons que les Murmures fassent bientôt parler d'eux dans un disque…

Murmures – Yves Rousseau quintet

Fin 2015, Yves Rousseau forme un quintet pour jouer une musique inspirée par des poèmes de François Cheng. Il réunit la chanteuse Anne Le Goff, le clarinettiste basse Thomas Savy, le guitariste Pierrick Hardy et le percussionniste Keyvan Chemirani.

Le quintet étrenne son programme au Triton en mai 2017, puis sort un disque sur le label Abalone en mars 2018. Pour Murmures Rousseau s’entoure de deux ingénieurs du son incontournables : l’album est enregistré par Gérard de Haro au Studio La Buissonne et mixé par Philippe Teissier du Cros au Studio Boxson…

Les textes poétiques chantés (« Jusqu'à la fin ») ou déclamés (« Un jour, les pierres ») avec solennité (« Nous n'y pouvons plus rien »), les mélodies élégantes (« Pierre à encre »), les phrases veloutées (« Caresses ») et tout en maitrise de la clarinette, les boucles subtiles de la guitare (« Chaque jour de toute vie »), la pulsation discrète et entrainante (« Ce sera par un jour d'automne ») de la contrebasse et le foisonnement léger des percussions (« Un jour si je me perds en toi ») : sur disque comme en concert, la musique de Murmures, dégage une impression de raffinement. Avec ses constructions plutôt concises, ses jeux de voix sophistiqués (« Enigme »), ses dissonances délicates (« Caresses ») et son côté musique de chambre (« Chaque jour de toute vie »), pour l’instrumentation et la sonorité acoustique du quintet, Murmures évoque parfois les mélodies des compositeurs français de la fin du dix-neuvième et début du vingtième, comme « Il pleure dans mon cœur » de Gabriel Fauré, « Les chemins de l’amour » de Francis Poulenc… en moins lyrique et davantage rythmique, percussions et lignes de basse obligent. Certaines compositions se rapprochent également les chansons d’amour courtois, comme « Où rivière et fleuve ».

Rousseau met en musique les poèmes de Cheng avec délicatesse pour en révéler la substantifique moelle car «  le centre est là d’où viennent les murmures »…

Le disque

Murmures

Yves Rousseau quintet

Anne Le Goff (voc), Thomas Savy (cl b), Pierrick Hardy (g), Yves Rousseau (b) et Keyvan Chemirani (perc).

Abalone – AB032

Sortie en mars 2018

Liste des morceaux

01. « Un jour, les pierres » (6:06).

02. « Ce sera par un jour d'automne » (3:51).

03. « Nous n'y pouvons plus rien » (3:32).

04. « Caresses » (2:35).

05. « Jusqu'à la fin » (3:04).

06. « Murmures » (0:25).

07. « Où rivière et fleuve » (2:19).

08. « Un jour si je me perds en toi » (3:40).

09. « Enigme » (5:44).

10. « Chaque jour de toute vie » (5:34).

11. « Chaque jour de toute vie » (8:34).

12. « Pierre à encre » (5:18).

Tous les morceaux sont signés Rousseau sur des poèmes de Cheng.

Avril 2013

20 avril 2013, par Bob Hatteau

Quatre nouveautés chez Jazz Village…

Malgré les vicissitudes de l’industrie du disque, Jazz Village reste un label dynamique qui continue de sortir à un rythme régulier des disques d’un éclectisme de bon aloi : ceux de d’Ahmad Jamal ou de Rabih Abou-Khalil, aussi bien que de l’Orchestre National de Jazz ou d’Omar Sosa. L’occasion de passer en revue quatre nouveautés sorties depuis février.

Heavens – Amadeus & The Duke – Raphaël Imbert

Après avoir appris en autodidacte le saxophone,Raphaël Imbert intègre le Conservatoire de Marseille, dont il sort avec un premier prix. En 1996, il fonde l’Hemlé Orchestra et l’Atsas-Imbert avec Emile Atsas, Vincent Lafont et Jean-Luc Difraya. Au début des années 2000, Imbert fait des recherches sur la musique sacrée dans le jazz. Dès lors il compose et travaille abondamment avec des ensembles de musique de chambre, des orchestres (Nine Spirit) et différentes formations : le sextet Newtopia Project, Brotherhood Consort, Sixtine Group…

Cinq ans après le succès de Bach – Coltrane, Imbert sort Heavens – Amadeus & The Duke. Comme l’indique son nom, cette fois, le projet d’Imbert tourne autour de la musique de Wolfgang Amadeus Mozartet de Duke Ellington, avec huit thèmes tirés d’Ellington, six de Mozart et quatre d’Imbert. Pour Ellington, le saxophoniste a puisé dans les trois Concert of Sacred Music, mais aussi dans les suites Such Sweet Thunder (inspirée par William Shakespeare), Deep South Suite etBlack And Tan Fantasy. Il reprend également un morceau de The Duke Plays Ellington et du duo avec Louis Armstrong. Côté Mozart, Imbert pioche dans les quatuors, le Quintette Stadler, les lieder et les motets.

Pour traiter ce répertoire, Imbert s’est entouré de membres du Collectif Nine Spirit : Marion Rampal au chant, Thomas Weirich à la guitare et aux platines, Simon Sieger au piano, à l’orgue ou au trombone, André Rossi au piano ou à l’orgue, Pierre Fénichel à la contrebasse, Jean-Luc Difraya à la batterie et au chant, Florent Héauà la clarinette et Vussa Vequi à a batterie. La couleur musique de chambre est assurée par le Quatuor Manfred : Marie Béreau et Luigi Vecchioni aux violons, Emmanuel Haratyk à l’alto et Christian Wolffau violoncelle.

Rapprocher Mozart et Ellington a du sens : ce sont deux créateurs incontournables dans l’histoire de la musique ; ils appartiennent chacun aux périodes dites « classiques » de leur musique respective ; si l’orchestre est certainement leur terrain de jeu de prédilection, ils n’en restent pas moins des figures majeures de « la musique de chambre » ; prolifiques, ils ont composé une multitude de « standards » tous plus joués les uns que les autres ; ce sont également deux compositeurs mondains qui ont connu le succès de leur vivant…

Pas question pour Imbert et ses compères de mélanger les deux mondes : Amadeus reste Mozart et The Duke, Ellington ! Le nonette et le quatuor évitent l’écueil du crossover de mauvais goût et de la guimauve, trop souvent l’apanage des accompagnements écrits pour les cordes. Les interprétations du « Quintette avec clarinette, K. 581 : Allegretto con variazioni », « A Cenar Teco », « Das Lied der Trennung, K. 519 »… sont fidèles aux originaux. Quand la section rythmique et les solistes de Nine Spirit entrent en  jeu, c’est toujours avec une extrême subtilité, comme, par exemple, la mélodie superposée sur la fugue dans « Zwei geharnischte Männer ». Même approche avec Ellington : l’interprétation swing très Cotton Club (« Dancers In Love ») ou le style jungle (« Such Sweet Thunder »), se mêle à des échanges contemporains ; quasiment parti d’un ragtime, « Happy Go Lucky Local / The Beautiful American » fait un crochet du côté du be-bop, avant de terminer free ! Imbert se sert habilement des contrastes de sonorités entre la section rythmique, les cordes, le saxophone et la voix : avec ses effets dirty et ses vocalises, la version de « Black And tain Fantasy » est particulièrement expressive ; la majesté du quatuor sert à merveille « Les Dissonances, K. 465 » de Mozart ou « Praise God » d’Ellington ; le saxophone saute d’une ambiance orientale (« Ethiopi-K23 ») à un contrepoint raffinés (« My Love ») ou à des lignes élégantes (« Ave verum corpus, K. 618 ») en duo avec la voix… Chaque morceau apporte son lot de trouvailles !

Le choix des thèmes, l’esprit musique de chambre, la texture des sonorités et l’ingéniosité des arrangements font de Heavens – Amadeus & The Duke un disque brillant.

Le disque

Heavens – Amadeus & The Duke
Raphael Imbert Project
Raphaël Imbert (sax, b cl, p), Marion Rampal (voc), Thomas Weirich (g, platines), Simon Sieger (tb, p, org), André Rossi (p, org), Pierre Fénichel (b), Jean-Luc Difraya (d, voc) , Florent Héau (cl) et Vussa Vequi (d), avec le Quatuor Manfred : Marie Béreau (vl), Luigi Vecchioni (vl), Emmanuel Haratyk (a vl) et Christian Wolff (vcl).
Jazz Village – JV 570011
Sortie en février 2013.

Liste des morceaux

01. « Dancers In Love », Ellington (3:08).                
02. « Such Sweet Thunder », Ellington 3:12).                      
03. « Quintette avec clarinette, K. 581: Allegretto con variazioni », Mozart (5:48).        
04. « Das Lied der Trennung, K. 519 », Mozart (4:57).                   
05. « Ethiopi-K23 », Imbert (3:38).               
06. « My Love », Ellington (2:42).                
07. « Les Dissonances, K. 465 », Mozart (1:39).                  
08. « Introduction / Heaven », Imbert et Ellington (4:27).             
09. « Zwei geharnischte Männer », Mozart (2:36).            
10. « Black And Tan Fantasy », Ellington (4:24).                 
11. « A Cenar Teco », Mozart (4:31).                      
12. « Praise God », Ellington (3:21).            
13. « Man Came To Jesus », Imbert (3:40).             
14. « Happy Go Lucky Local / The Beautiful American », Ellington (4:59).           
15. « New World A-Comin' », Ellington (1:37).                   
16. « Come Sunday », Ellington (4:30).                    
17. « Die Himmlischen », Imbert (4:08).                 
18. « Ave verum corpus, K. 618 », Mozart (4:48).               
19. « My Love », Ellington (musical saw version) (Bonus Track) (2:29).

This Just In – Gilad Hekselman

Arrivé aux Etats-Unis en 2004,Gilad Hekselman est devenu rapidement le partenaire privilégié de nombreux musiciens de la scène new-yorkaise, de Chris Potter àAvishai Cohen en passant parJohn Scofield, Tigran Hamasyan ou Esperanza Spalding. En 2006, il sortSplitLife, en trio avec Joe Martin et Ari Hoenig, puis, en 2008, Words Unspoken, avec Martin, Marcus Gilmore et Joel Frahm. Hekselman rejoint Harmonia Mundi en 2011, pour Hearts Wide Open, enregistré avec Martin, Gilmore et Mark Turner. C’est avec le même quartet que le guitariste publie This Just In, en avril 2013

This Just In comprend huit morceaux séparés par cinq courtes transitions – les « Newsflawsh » - qui ressemblent à des jingle. Aux compositions de Hekselman s’ajoutent « Nothing Personal » du pianisteDon Grolnick et « Eye In The Sky », le tube de l’album éponyme du groupe de rock progressif The Alan Parsons Project.

Dans les deux premiers morceaux, la sonorité et le phrasé de Hekselman rappellent d’autant plus Kurt Rosenwickel que le guitariste a choisi Turner pour lui donner la réplique... Mais, dès « The Ghost Of The North », la personnalité du trio de Helkselman s’affirme avec une mélodie lente jouée sur des effets mystérieux et une batterie aux aguets. Les morceaux rapides commencent souvent par des unissons nerveux (« This Just In », « Nothing Personal »), la structure des morceaux privilégie davantage les interventions des solistes plutôt que la traditionnelle structure, thème – solos – thème, comme les interactions tournantes du trio dans « Above », le jeu de questions – réponses entre Turner et Hekselman dans « Nothing Personal », le guitariste développe les morceaux avec fluidité (« March Of The Sad », « Dreamers »)… Martin et Gilmore constituent une section rythmique à la fois enjouée (« March Of the Sad ») et légère (« Dreamers »). Les lignes modernes de la basse (« Above ») et la musicalité de la batterie (« Nothing Personal »), même dans les passages touffus (« Eye In The Sky »), assurent une pulsation constante (« This Just In »). Turner joue sur « This Just In », « Nothing Personal » et « This Just Out ». Le jeu de Turner va comme un gant à la musique d’Hekselman : une mise en place nette et précise, un souffle ferme, une sonorité métallique et un sens du discours très sûr.

Bien ancré dans le jazz actuel, Hekselman propose une musique dissonante et tendue, à la fois entraînante et libre, et This Just Inprouve que le guitariste a encore bien des choses à raconter !

Le disque

This Just In
Gilad Hekselman
Gilad Hekselman (g), Joe Martin (b) et Marcus Gilmore (d), avec Mark Turner (ts).
Jazz Village – JV 570013
Sortie en avril 2013.

Liste des morceaux

01. « Above » (7:38).
02. « Newsflash # 1 » (0:22).
03. « This Just In » (8:15).
04. « Newsflash # 2 » (0:51).
05. « The Ghost Of The North » (4:18).
06. « Newsflash # 3 » (0:35).
07. « March Of The Sad » (7:04).
08. « Newsflash # 4 » (0:15).
09. « Nothing Personal », Don Grolnick (7:56).
10. « Eye In The Sky », Alan Parsons & Eric Woolfson (5:06).
11. « Newsflash # 5 » (0:44).
12. « Dreamers » (5:49).
13. « This Just Out » (1:52).

Tous les morceaux sont signés Hakselman, sauf indication contraire.

Panamerican – Stéphane Huchard

Stéphane Huchard apprend d’abord la batterie avec le trio familial – son père est accordéoniste et son frère, pianiste – puis dans des groupes de rock. A quinze ans, il rejoint l’école Dante Agostini où il reste cinq ans. Par la suite il joue dans des contextes très variés, de l’Orchestre National de Jazz à Sanseverino, en passant par Andy Emler,Sylvain Luc, le Big Band Lumière de Laurent Cugny ou Romane. En 1999, Huchard sort Tribal traquenard, son premier disque en leader. Deux ans plus tard, c’est toujours chez Blue Note qu’il publieToutakoosticks. En 2005, pour Bouchabouches, le batteur passe chez Nocturne, mais c’est Such qui produit African Tribute To Art Blakey(2008).

En 2012, Huchard a enregistré Panamerican pour Jazz Village, avec un sextet de haut vol : Jim Bear aux claviers, Chris Cheek aux saxophones, Nir Felder à la guitare, Matt Penman à la contrebasse etMinino Garay aux percussions.

Huchard signe les neuf morceaux de Panamerican. Les titres de certaines compositions invitent à la danse : « Bancal Cha-Cha », «  Boogaloo King », « Groovy Side » ou « Melodic City ». D’autres sont des hommages : « Happy New York », « Just An Herbie Vore » pourHancock, « El Minino » pour Garay, voire « Boogaloo King » en référence au Big Boogaloo d’Eric Legnini, qui a réalisé et mixéPanamerican.

Inutile de dire que Panamerican est placé sous le signe du groove. Avec sa frappe sèche, courte, rapide et souvent doublée, Huchard maintient son sextet constamment sous tension. Dès que le rythme s’emballe, le batteur fait balancer la musique (« Boogaloo King », « Happy New York »). Dans les ballades, il est volontiers lyrique (« El Minino ») et son chorus final (« Dream Solo ») est un exemple de musicalité sur les peaux. Le reste de la section rythmique est aussi efficace : riffs groovy et lignes sourdes de Penman, motifs entraînants de Garay et accords cadencés de Bear. Loin de prendre la vedette, Huchard laisse de l’espace à Cheek et Felder, voire Bear – chorus bien sentis au piano dans « El Minino » et au Fender Rhodes dans « Melodic City »  ou « Happy New york ». Felder passe d’un solo dans un style fusion (« Groovy Side ») à une ligne souple (« Bancal Cha-Cha ») ou un chorus très acoustique et fluide (« Find A New World »). Quant à Cheek, il se montre tour à tour faussement nonchalant (« Sleepless », « just An Herbie Vore »), post-bop ascendant funky (« Bancal Cha-Cha »), nostalgique (au soprano dans « El Minino »), post-bop avec des touches orientales (« Happy NewYork »)…

Panamerican ne s’embarrasse pas de fioritures et swingue du début à la fin sur des rythmes vifs et des développements dansants et séduisants.

Le disque

Panamerican
Stéphane Huchard
Jim Beard (p, kbd), Chris Cheek (ts, ss), Nir Felder (g), Matt Penman (b), Minino Garay (perc) et Stéphane Huchard (d).
Jazz Village – JV 570019
Sortie en avril 2013.

Liste des morceaux

01. « Sleepless » (5:01).
02. « Groovy Side » (3:34).
03. « Just An Herbie Vore » (5:24).
04. « Boogaloo King » (3:55).
05. « Bancal Cha-Cha » (4:19).
06. « El Minino » (6:18).
07. « Find A New World » (5:04).
08. « Melodic City » (5:27).
09. « Happy New York » ( 4:15).
10. « Dream Solo » (1:50).

Tous les morceaux sont signés Huchard, sauf indication contraire.

Border-Free – Chucho Valdés

Fils du pianiste Bebo Valdés et de la pianiste et chanteusePilar Rodríguez, Chucho Valdés apprend évidemment le piano dès son plus jeune âge… Il poursuit au Conservatoire Municipal de Musique de La Havane. A quinze ans il monte son premier trio de jazz avecEmilio del Monte et Luis Rodríguez, puis il joue dans des hôtels, intègre l’orchestre de son père, fait partie de l’Orchestre Cubain de Musique Moderne sous la direction d’Armando Romeu et Rafael Somavilla et crée plusieurs groupes. En 1973, Valdés monte le groupe qui fera sa renommée : Irakere. Dans les années deux mille, il revient à des formats plus restreints, quartet ou quintet. En 2009, Valdés crée son label, Comanche (tout un symbole), qui sort Chucho’s Steps et, fin 2012,Border-Free.

En 2012, Valdés a formé un quintet avec deux figures clés de la scène cubaine : Dreiser Durruthy Bombalé aux bátas et le percussionnisteYarodly Bareu Robles. A leurs côtés, deux musiciens de la nouvelle vague cubaine : le contrebassiste Angel Gastón Joya Perellada et le batteur Rodney Barreto Illarza. Pour étoffer son combo, Valdés a également invité le trompettiste Reinaldo Melián Alvarez et le saxophoniste Brandford Marsalis, sur trois morceaux.

Côté répertoire, en dehors de « Tabú », un standard cubain composé par Margarita Lecuona et interprété Cuarteto Machin en 1934, les sept autres morceaux sont de Valdés. Comme souvent, il en profite pour rendre hommage à des êtres qui lui sont chers : « Bebo » pour son père, « Pilar » pour sa mère ou « Caridad Amaro » pour sa grand-mère, morceau qu’il avait déjà joué en 2001 pour le film Calle 54.

Les morceaux – autour de dix minutes – commencent le plus souvent par une introduction a capella de Valdés, ensuite le groupe part sur le thème, puis les solistes interviennent chacun à leur tour, avant une conclusion dont le format varie en fonction de l’ambiance : solo de congas dans « Congadanza », coda du piano dans « Afro-Comanche »…

Bombalé, Robles et Illarza constituent une véritable « machine de percussions latines » : superpositions rythmiques remarquables, régularité impeccable, son chaleureux, jeu démonstratif sans être étouffant, aisance polyrythmique infaillible… Perellada est un contrebassiste réellement impressionnant : la mise en place parfaite de ses lignes et riffs irréguliers apportent beaucoup de relief à tous les morceaux ; son solo véloce dans « Afro-Comanche » joue sur tout le registre de la contrebasse avec un à propos confondant et, dans « Pilar », il prend un chorus particulièrement émouvant ; quant à sa musicalité à l’archet, dans « Pilar », elle force le respect… Avec sa sonorité puissante et son phrasé be-bop latin jazz, Alvarez ajoute une touche éclatante, tandis que Marsalis se prête au jeu de la musique cubaine en jouant les chœurs et en prenant des chorus denses qui penchent davantage vers le post-bop que la salsa. Même s’il fait avant tout partie de la grande famille des pianistes de latin jazz, Valdés est capable de tout jouer, ou presque ! Dans ses solos, il incorpore toujours des phrases tirées de divers horizons : des musiques traditionnelles cubaines, bien sûr, mais aussi de la musique romantique (« Caridad Amaro »), du hard-bop (« Afro-Comanche »), de Johann Sebastian Bach et Miles Davis (« Pilar »), de la musique contemporaine et orientale (« Abdel »)…

De « Congadanza » à « Abdel », Border-Free revendique ses racines cubaines et les rythmes latinos inondent l’album de leur polyrythmies chatoyantes. Conga, boléro, son… musique classique européenne et jazz se mêlent dans un festival de notes joyeux et dansant !

Le disque

Border-Free
Chucho Valdés
Reinaldo Melián Alvarez (tp), Dreiser Durruthy Bombalé (bátas, voc), Chucho Valdés (p), Angel Gastón Joya Perellada (b, voc), Yarodly Bareu Robles (perc, voc) et Rodney Barreto Illarza (d, voc), avec Brandford Marsalis (ts, ss).
Jazz Village
Sortie en mai 2013.

Liste des morceaux

01. « Congadanza » (9:13).
02. « Caridad Amaro » (6:28).
03. « Tabú », Margarita Lecuona (9:50).
04. « Bebo » (7:49).
05. « Afro-Comanche » (11:55).
06 « Pilar » (10:08).
07. « Santa Cruz » (6:24).
08. « Abdel » (9:04).

Tous les morceaux sont signés Valdés, sauf indication contraire.

11 avril 2013, par Bob Hatteau

Reis Demuth Wiltgen

En dehors de Pascal Scumacher, Michel Pilz et sans doute quelques autres, les jazzmen luxembourgeois ne sont pas très connus de ce côté-ci des Ardennes. Une raison déjà suffisante pour écouter le RDW Trio !

Reis Demuth Wiltgen, sorti chezLaborie Jazz en février 2013, est le premier disque de ce trio de musiciens luxembourgeois, qui ont étudié aux Etats-Unis et restent très actifs sur la scène new-yorkaise (pour deux d’entre eux) : Michel Reis est au piano, Marc Demuth à la contrebasse et Paul Wiltgen à la batterie. Les neuf morceaux du disque sont des originaux : Reis et Wiltgen en signent quatre chacun et Demuth a fourni le neuvième.

La prise de son, nette et claire, sert particulièrement bien la musique du RDW Trio. Les mélodies sont soignées (« Pacific Coast Highway »), avec un brin de romantisme (« If Only You Would Know ») et souvent basées sur des phrases courtes répétées (« Neel mat Käpp »). Reis possède un touché élégant (« Mirage »), un phrasé équilibré (« Floppy Disk ») et les accents folk ou pop qu’il insère dans ses développements (« Wishing Well ») font parfois penser à Esbjörn Svensson ou Brad Mehldau. Demuth joue tout en souplesse des motifs entraînants (« A Block Apart »), avec des passages slappé (« Straight Circle »), en privilégiant le registre medium de la contrebasse (« No Stone Left Unturned ») et la fluidité du discours (« Neel mat Käpp »), notamment quand il accompagne le piano à l’unisson (« Floppy Disk »). Quant à Wiltgen, c’est un batteur d’une musicalité incontestable : roulements courts et serrés (« Mirage ») avec une frappe sèche et précise (« Straight Circle ») aux baguettes, subtil aux balais (« If Only You Would Know ») ou sur les cymbales aux mailloches (« Wishing Well »).

Reis Demuth Wiltgen s’inscrit dans la longue lignée des trios piano – contrebasse – batterie initiée par Bill Evans. Les trois artistes ajoutent à leur palette musicale des couleurs venues de la pop, mais aussi du minimalisme, de  la musique répétitive, voire du romantisme.

Les musiciens

Reis apprend le piano au Conservatoire de la Ville de Luxembourg. Il part ensuite aux Etats-Unis pour étudier au Berklee College of Music, à Boston, puis au New England Conservatory of Music. Installé à New York, Reis compte cinq disques à son actif et a joué avec Joe Lovano,Dave Holland, George Garzone etc. Et Reis, Demuth et Wiltgen commencent leur aventure en trio dès 1998.

Diplômé du Conservatoire Royal de Bruxelles et du Koninklijk Conservatorium of The Hague, Demuth a également suivi les cours du Berklee College of Music. En 2004, il est membre de l’European Jazz Orchestra, sous la direction de Pedro Moreira. Demuth a aussi joué et enregistré avec la chanteuse Sofia Ribeiro et le vibraphonisteSchumacher. Demuth a partagé la scène avec Michael Brecker, Jef Neve, Kenny Werner, Erwin Van… et il dirige le département jazz de la Music School of Echternach, au Luxembourg.

Après avoir appris les percussions classiques au Conservatoire de Musique d’Esch-sur-Alzette (Luxembourg), Wiltgen s’installe aux Etats-Unis en 2001 et rejoint la Manhattan School of Music. Il crée The Paislies qui sort un disque chez Fresh Sound New Talent, participe à The TransAtlantic Collective, co-dirige RDW Trio et a joué avec David Binney, Ambrose Akinmusire, Kurt Rosenwinkel…

Le disque

Reis Demuth Wiltgen
RDW Trio
Michel Reiss (p), Marc Demuth (b) et Paul Wiltgen (d).
Laborie Jazz
Sortie en février 2013.

Liste des morceaux

01. « Mirage », Reis (5:31).
02. « No Stone Left Unturned », Reis (4:22).
03. « A Block Apart », Wiltgen (4:14).
04. « Floppy Disk », Wiltgen (4:45).
05. « If Only You Would Know », Reis (7:12).
06. « Straight Circle », Demuth (4:59).
07. « Wishing Well », Wiltgen (7:01).
08. « Pacific Coast Highway », Reis (5:13).
09. « Neel mat Käpp », Wiltgen (4:52).

10 avril 2013, par Bob Hatteau

Monk’n’Roll

Deux ans après X Suite For Malcolm, Francesco Bearzatti et son Tinissima 4et sont de retour avec un nouveau disque,Monk’n’Roll, qui sort en mars 2013 sur le label italien Cam Jazz.

Le saxophoniste et clarinettiste du Frioul ne change pas une équipe qui gagne ! A la trompette et aux bruitages, Bearzatti confirme le fantasque Giovanni Falzone et, à l’arrière, il compte sur sa paire rythmique habituelle : le solide Danilo Gallo à la contrebasse et à la basse soutenu par le puissant Zeno De Rossi à la batterie.

Comme le titre du disque l’indique, la musique de Monk’n’Roll repose sur treize thèmes de Thelonious Monk interprétés sur des arrangements rock. En outre, dans la plupart des morceaux, Bearzatti et ses acolytes ont incrusté des motifs rythmiques et mélodiques tirées du répertoire rock : « Another One Bites The Dust » (Queen) dans « Bemsha Swing » ; « Back In Black » (AC/DC) dans « Trinkle Tinckle » ; « Walking On The Moon » (Police) dans « ‘Round Midnight » ; « Billie Jean » (Michael Jackson) dans « In Walked Bud » ; « Walk This Way » (Aerosmith) dans « Straight No Chaser » ; « Immigrant Song » (Led Zeppelin) dans « I Mean You » ; « Walk On The Wild Side » (Lou Reed) dans « Criss Cross »… Idée de construction astucieuse, le Tinissima 4et utilise « Misterioso » comme un refrain presque bop, qui revient, ça-et-là, entre les morceaux.

Pour enfoncer complètement le clou, Bearzatti parodie la pochette du célèbre disqueUnderground de Monk, sorti en 1968 : la mise en scène et le décor sont quasiment identiques, mais la référence au nazisme a disparu, les armes sont remplacées par les instruments et c’estThelonious Himself qui est prisonnier du quartet !

De Rossi n’y va pas par quatre chemins et joue violemment ! Tour à tour hard rock (« Trinkle Tinkle »), rock’n roll (« Bye-ya »), funk (« In Walked Bud »), lourd et foisonnant (« I Mean You »), il prend des chorus imposants à grand renfort de roulements rapides et de splash brutaux (« Bensha Swing »). De Rossi semble nager comme un poisson dans l’eau dans ces ambiances binaires. Gallo mise également sur une efficacité maximum : des motifs de rock qui feraient danser les plus balourds (« Blue Monk »), des ébauches de walking entraînantes (« ‘Round Midnight »), des riffs qui déménagent (« Straight No Chaser »), des lignes sourdes (« Bensha Swing »), un jeu dirty (« Green Chimneys »)… Gallo sort tout l’attirail du bassiste de rock, slap excepté. Visiblement, Garzone s’amuse beaucoup ! D’un solo déchaîné (« Bye-ya ») ou dans une lignée be-bop décalée (« In Walked Bud »), à des vociférations, rires et autres cris (« Brilliant Corners », « Trinkle Tinkle »), il laisse libre court à son expressivité. Ses contrepoints habiles, chœurs élégants, unissons virtuoses et interventions impromptues enrichissent incontestablement la musique du Tinissima 4et (« ‘Round Midnight »). Bearzatti n’en finit pas d’impressionner au ténor, comme à la clarinette basse : une sonorité magnifique (« Bensha Swing »), un savoir-faire précieux (les arrangements…), une créativité exemplaire (« In Walked Bud »), un sens de l’interaction remarquable (« Criss Cross ») et un lyrisme à la fois libre et mélodieux (« Green Chimneys », « I Mean You »), sans oublier les jeux électro déjantés (« Blue Monk »).

Monk’n Roll contient certes une bonne dose d’humour, qui frise souvent la bouffonnerie, mais ce n’est qu’une façade : faire sonner les compositions de Monk comme le fait le Tinissima 4et, les arranger pour qu’ils collent avec des rythmes souvent frustres et envahissants et les développer avec autant d’aisance et de diversité, est une vraie prouesse !

L’hommage à Tina Modotti et la suite pour Malcolm X ont révélé le Francesco Bearzatti Tinissima 4et qui, depuis, n’a cessé de s’affirmer comme l’une des formations les plus originales et captivantes du moment. Avec son énergie foudroyante, ses arrangements lumineux et sa bonne humeur contagieuse, Monk’n’Roll  est un incontournable de ce printemps 2013 !

Le disque

Monk’n’Roll
Francesco Bearzatti Tinissima 4et
Francesco Bearzatti (ts, cl), Giovanni Falzone (tp), Danilo Gallo (b) et Zeno De Rossi (d).
Sortie en mars 2013.
Cam Jazz – CAMJ 7859-2

Liste des morceaux

01. « Misterioso » (2:16).     
02. « Bemsha Swing » (4:14).
03. « Bye-ya » (4:37).
04. « Green Chimneys » (6:01).
05. « Misterioso » (0:54).
06. « Trinkle Tinkle » (5:19).
07. « 'Round Midnight » (6:23).
08. « In Walked Bud » (4:09).
09. « Misterioso » (1:58).
10. « Brilliant Corners » (3:25).
11. « Straight No Chaser » (4:49).    
12. « Crepescule With Nellie » (2:40).
13. « I Mean You » (5:42).
14. « Misterioso » (2:09).     
15. « Blue Monk » (4:11).     
16. « Criss Cross » (6:13).

Tous les morceaux sont de Monk.

06 avril 2013, par Bob Hatteau

Koa-Roi

En 2006, neuf musiciens de la classe de big band du Conservatoire Régional de Perpignan dirigée par Alfred Vilayleck, décident de poursuivre l’aventure ensemble et, l’année suivante, ils montent leCollectif Koa. Fort d’une vingtaine d’artistes, ce collectif a pour but de créer et diffuser de la musique improvisée dans le Grand Sud grâce à différentes formations, qui vont du Grand Ensemble Koa au Gratitude Trio en passant par le Melquiadès Quartet, Pitch Quartet, Looking For Abraxas Quintet… Le collectif organise également des ateliers, des stages, des jam sessions, des concerts… A partir de 2008, il crée le festival Rencontres Koa Jazz qui se déroule chaque mois de mai et fin 2012, toujours en quête de nouveaux horizons, il ouvre le KoA JazZ CluB dans la Maison Pour Tous Voltaire, à Montpellier.

En novembre 2012, le Grand Ensemble Koa sort son premier disque –  Koa-Roi – dont le répertoire est signé Vilayleck, tout comme les arrangements. Le Grand Ensemble est constitué de onze musiciens dont la plupart font partie des membres fondateurs du collectif : Sylvain Artignan (clarinette), Armel Courrée (saxophone alto), Jérôme Dufour (saxophone ténor), Pascal Bouvier (trombone), Matia Lévreroet Yoan Fernandez (guitares), Samuel Mastorakis (vibraphone),Daniel Moreau (claviers et fender rhodes), Guylain Domas et Vilayleck (basse) et Julien Grégoire (batterie).

La musique du Grand Ensemble Koa n’adopte pas la structure traditionnelle des morceaux de jazz (thème – solos – thème), mais privilégie davantage les mouvements d’ensemble sur des boucles mélodiques et une rythmique à la fois puissante et dansante. Sur un ostinato métallique très africain, « Intro » est construit à partir de boucles qui s’imbriquent les unes dans les autres et qui avancent comme dans un canon. Ces motifs répétitifs enchevêtrés évoquent évidemment la « musique de phases » chère à Steve Reich et Terry Riley, mais en moins minimaliste… L’atmosphère des morceaux suivants s’inscrit dans la démarche de Steve Coleman. D’ailleurs le Collectif Koa, qui a déjà travaillé avec Coleman, jouera avec les Five Elements, en avril 2013, au KoA JazZ CluB. Comme chez Coleman, la section rythmique est un moteur de tension : elle doit allier régularité, puissance et pulsation, sans jamais tomber dans le martèlement rock qui tue, trop souvent, le suspens. Les basses jouent des riffs entraînants, avec des passages en slap (« Coup d’Etat », « Les trois cercles »). La batterie, solide et mate (« Coup d’Etat »), enchaîne des rythmes groovy aux accents funky (« Coup d’Etat », « Ifébo »), avec, parfois, une accentuation binaire (« Les trois cercles »), des effets de roulements de fanfare militaire (« La marche du soldat »)… Quand ces rythmes vigoureux sont installés, vibraphone, guitares et claviers mettent en place leurs ostinatos, souvent en contrepoints (« Light Mode », « Les trois cercles »), ou superposent des couches sonores continues (« Obéfi », « Les trois cercles »). Dans ce décor dense, les soufflants entrent en jeu, en chœur à l’unisson ou dans un foisonnement de voix (« Coup d’Etat », « Les trois cercles »). Quand les instrumentistes prennent des solos, ils sont courts et dans la continuité des mouvements d’ensemble (clarinette dans « Lght Mode », trombone dans « La marche du soldat »).

Le Grand Ensemble Koa navigue entre musique du vingtième, fanfare, funk, world, fusion… Un patchwork éclectique haut en couleur ;  Koa-Roi est un album rythmé, dynamique et dansant. Il n’y a plus qu’à espérer que ce collectif qui a déjà conquis le Grand Sud, parte à la conquête du Grand Nord !

Koa-Roi
Collectif Koa
Sylvain Artignan (cl), Armel Courrée (as), Jérôme Dufour (ts), Pascal Bouvier (tb), Matia Lévrero et Yoan Fernandez (g), Samuel Mastorakis (vib), Daniel Moreau (Kb, fender rhodes), Alfred Vilayleck et Guylain Domas (b) et Julien Grégoire (d).
Novembre 2012

Liste des morceaux

01. « Intro » (3:53).
02. « Coup d’Etat » (5:18).
03. « Light Mode » (4:42).
04. « Ifébo » (7:32).
05. « Obéfi » (3:55).
06. « La marche du soldat » (4:34).
07. « Les trois cercles (10:05).

Toutes les compositions sont signées Vilayleck.

04 avril 2013, par Bob Hatteau

Equanimity Meeting au Châtelet

Le 1er mars 2013, Henri Texier est programmé au théâtre du Châtelet à l’occasion de la sortie de Live At L’Improviste, en mars chez Label Bleu. Le contrebassiste se produit avec Hope, bien sûr, mais aussi avec des amis, invités pour faire la fête… en toute sérénité !

Hope est le dernier quartet en date de Texier (Live At L’improviste – 2013), avecSébastien Texier aux clarinettes et saxophone alto,François Corneloup au saxophone baryton et Louis Moutin à la batterie. Si les deux premiers musiciens jouent en compagnie du contrebassiste depuis les années quatre-vingts dix, le batteur, lui, est un nouveau venu dans la galaxie Texier. Le Nord-Sud Quintet (Canto Negro – 2011) est également convié à la soirée, avec, aux côtés de Texier père et fils, Francesco Bearzatti au saxophone ténor, Manu Codjia à la guitare et Christophe Marguet à la batterie (au lieu de Moutin). Texier invite aussi Joe Lovano, un vieux compagnon de route qui figure sur les premiers enregistrements du contrebassiste pour Label Bleu : Paris-Batignolles (1986), Izlaz (1988) et Colonel Skopje (1988). Enfin, un deuxième hôte de marque participe aux agapes : John Scofield.

Inauguré en 1862, le théâtre du Châtelet peut accueillir jusqu’à deux mille spectateurs dans un cadre plutôt inhabituel pour de la musique improvisée… Même remarquablement placé, à l’orchestre, il faut un certain temps pour s’accoutumer à la sonorité de la salle et à la sonorisation de l’orchestre : le son paraît lointain et ténu, voire déséquilibré et confus. Les abonnés, les inconditionnels de Texier, les fans de Lovano et de Scofield, les amateurs de têtes d’affiche, les élèves de conservatoire, les journalistes, les passionnés, les musiciens et les curieux forment un public disparate plus proche de celui d’un festival que d’un club.

Le concert s’articule autour de trois compositions de Canto Negro(« Anda Compañeros », « Tango fangoso » et « Mucho calor »), trois morceaux de Live At L’Improviste (« S.O.S. Mir » repris de Mad Nomad(s), « Ô Elvin » d’Alerte à l’eau et « Desaparecido » de Colonel Skopje), deux thèmes signés Scofield et deux de Lovano (« Le Petit Opportun » et « Blue Sketches »).

Les compositions de Texier portent sa patte : des thèmes simples et majestueux qui paraissent familiers. Les déroulements sont caractéristiques : une structure classique – entre deux mouvements d’ensemble monumentaux, joués à l’unisson ou en contrepoint, les musiciens alternent des solos plutôt vifs – et des développements qui s’apparentent au free, sur une section rythmique qui maintient une pulsation homogène… Ces contrastes instaurent une tension jubilatoire.

Avec le Nord Sud Quintet, qui ouvre la soirée sur « Anda Compañeros », Codjia prend un solo émouvant (« Tango Fangoso »), au saxophone alto, Texier fils joue une ligne fluide superbe avec ce son ample et rond qui rappelle Art Pepper, et Bearzatti part dans un chorus plus débridé. Il est regrettable que les saxophonistes n’aient pas bénéficié d’un micro sur le pavillon, comme Lovano : leur sonorité n’est pas vraiment mise en valeur. D’autant plus que le jeu de Marguet  est, comme à son habitude, dynamique et touffu, et que la sonorisation semble accentuer les cymbales, qui masquent légèrement le jeu des solistes. Quant à la contrebasse, son timbre grave lui permet d’émerger du flot : son solo dans « Tango Fangoso », bâti sur des montées et des descentes, est exceptionnel de rythme et de musicalité. Scofield rejoint le quintet et apporte une touche entre rock et blues avec des phrases tout en souplesses, tandis que Codjia penche davantage vers un free teinté de rock, sur une base d’accords et de jeu linéaire. Visiblement ravi d’être là et d’excellente humeur, Lovano se joint à son tour à Scofield et au Nord Sud Quintet. Dès les premières notes, il joue fort et fait preuve d’une grande présence, dans un style post bop moderne, accompagné par la contrebasse en walking. Le chorus de Scofield se poursuit dans la même veine avec, toujours, ces traits de blues en filigrane. Corneloup et Moutin entrent en scène et l’Equanimity Meeting Band se trouve réunit pour « S.O.S. Mir », denier morceau avant l’entracte.

La musique de l’Equanimity Meeting Band est imposante ! Les batteries vrombissent, les soufflants rugissent, les guitares bourdonnent et la contrebasse gronde… (« Desaparecido »). Mais, au milieu du tumulte, l’orchestre glisse des passages assagis : Lovano a capella, Texier et Bearzatti pour des chorus à la fois mélodieux et tendus à la clarinette basse (« Ô Elvin »), Scofield élégant (« Blue Sketches »), l’habituel raga de Texier (« Mucho calor »), le quatuor cross-over pour instruments à vent, écrit par Lovano pour cette soirée (« Le Petit Opportun »)…

L’Equanimity Meeting est un condensé d’énergie, de vitalité, de mélodies et d’improvisations touchantes… Texier et ses amis musiciens ont amplement mérité la standing ovation enthousiaste du public !

Le disque

Live At L’Improviste
Henri Texier Hope Quartet
Sébastien Texier (cl, as), François Corneloup (bs), Henri Texier (b) et François Moutin (d).
Label Bleu
Sortie en mars 2013

Liste des morceaux

1. « O Elvin » (13:43).
2. « Blues d'eau » (10:37).
3. « La fin du voyage », Sébastien Texier (6:45).
4. « Desaparecido » (10:25).
5. « Song For Paul Motian » (9:31).
6. « Sacrifice » (5:52).
7. « Roots », Sébastien Texier (4:03).
8. « S.O.S. Mir » (10:36).

Toutes les compositions sont signées Texier sauf indication contraire.

03 avril 2013, par Bob Hatteau

Sons d’hiver – Première partie…

Une triste nouvelle accueille cette édition de Sons d’hiver : Jef Lee Johnson est décédé subitement le 28 janvier 2013. Habitué du festival, où il avait déjà joué six fois, Johnson devait s’y produire avec Yohanes Tona et Patrick Dorcean. Sons d’hiver 2013 lui est dédié et Dorcean, Jean-Paul Bourelly et Reggie Washington lui rendent hommage le 22 février.

Organisé en partenariat avec le Conseil Général du Val de Marne, Sons d’hiverécume les théâtres du 94, avec quelques incursions dans le 75. Côté chiffres : douze soirées, une vingtaine de concerts, six conférences et débats, un ciné concerts… dans des salles qui vont d’une centaine de places à plus de mille et le tout pour un tarif moyen qui tourne autour de quinze euros ! Ouf ! Côté programmation, de l’inouï, rien que de l’inouï ! Plus de la moitié des concerts sont des créations ou encore inédits en France, voire en Europe.

Vendredi 1er février

Espace Culturel André Malraux – Le Kremlin-Bicêtre

C’est au Kremlin-Bicêtre que revient l’honneur d’entamer Sons d’hiver 2013, avec deux trios dynamiteurs sonores : Marteau rouge et Free Form Funky Freqs.

Marteau Rouge

Il y a vingt ans, le guitariste Jean-François Pauvros, le manipulateur de sons Jean-Marc Foussat et le batteur Masako Sato fondent Marteau Rouge. Tout un symbole.

Troisième disque du trio après …Un jour se lève (1998) et Marteau Rouge & Evan Parker Live (2009), Noir 03, sorti chez Gaffer Records en octobre 2012, sert de base au répertoire du concert. Mais dans la musique improvisée, les bases sont parfaitement instables !

Marteau Rouge (c) PLM

Marteau Rouge annonce la couleur dès le premier morceau : la musique sera violente ou ne sera pas ! Des effets électro et vocaux forment un fond touffu sur lequel les martèlements

vigoureux de la batterie rivalisent avec les figures véhémentes de la guitare. Après cette entrée en matière tonitruante, le trio part dans une mélopée aux accents extrêmes orientaux : Pauvros a troqué le plectre pour l’archet, Sato fait tintinnabuler ses percussions et Foussat distille des bruitages mystérieux. Après un blues joué en toute liberté, le set s’achève sur une conclusion aussi impétueuse que l’introduction, avec une ligne de guitare dans un esprit rock alternatif. Pendant que Sato embrase les rythmes à grands coups de baguettes et que Foussat passe les sons à la moulinette de son ordinateur VCS 111, les cordes hurlantes de Pauvros déchirent mélodies et harmonies dans une déferlante de stridences furieuses. Une ferronnerie en pleine révolution pendant près de cinquante minutes !

Jean-François Pauvros (c) PLM

Free, rock, punk, metal, progressif… Marteau Rouge, c’est la réunion explosive d’un guitar hero soixante-huitard, d’un ingénieur du son bruitiste et d’un cuisinier des fûts et cymbales !

Free Form Funky Freqs

New-York, 2006, le Tonic : Vernon Reid, Jamaaladeen Tacuma et G. Calvin Weston jouent ensemble pour la première fois. L’expérience leur plaît : ils réitèrent au Tritone Club de Philadelphie et enregistrent Urban Mythology Volume One en 2007. Free Form Funky Freqs est né.

Reid est passé par Defunkt de Joe Bowie et Decoding Society deRonald Shannon Jackson. Tacuma et Weston ont joué dans Prime Time d’Ornette Coleman et avec James « Blood » Ulmer. Deux entrées en musique fracassantes !

C’est avec un carillon apaisant que Free Form Funky Freqs accueille le public. Reid démarre par une mélodie planante qui contraste avec la frappe puissante de Weston et le riff groovy de Tacuma... Rythmes binaires costauds et motifs funky : la musique du trio est placée sous le sceau de l’énergie et de la danse. Les musiciens se servent souvent de boucles mélodico-rythmiques comme point de départ. Ils prennent ensuite tout leur temps pour développer et échanger leurs idées, avec beaucoup d’à-propos. Tacuma et Weston assurent une pulsation funk constamment entraînante et Reid passe d’un chorus rock à un solo de free funk avec l’aide de ses pédales et de son ordinateur.

Le trio rend un hommage poignant à Johnson : la mélodie lointaine de la guitare, la basse minimaliste et la batterie intense composent presque un requiem. Dans cette ambiance triste et solennelle, Tacuma déclame un texte émouvant : « Jeff! Jeff! We hear you! Jeff! We feel you! Jeff! We miss you! Jeff! We love you! Jeff! […] ». Pendant que Tacuma essuie ses larmes, Weston vient sur le devant de la scène, s’adresse à Johnson puis s’agenouille. Quant à Reid, il joue une mélodie bouleversante soulignée par une ligne de basse douce et une batterie emphatique.

Free Form Funky Freqs clôture près d’une heure et demie de plaisir avec un morceau magnétique, porté par le slap de Tacuma, la vigueur de Weston et les enchaînements arpégés de Reid.

Mieux vaut « une liberté puante » qu’« une prison dorée » ! Précurseur du mouvement avec « Opus De Funk » (1953), ce n’est pas Horace Silver qui aurait contredit cette affirmation. Et Free Form Funky Freqs de démontrer qu’une rythmique puissante et groovy à souhait mariée à un free teinté de rock peuvent engendrer une musique dansante et créative.

Mardi 5 février

Espace Jean Vilar – Arcueil

Pour la quatrième soirée du festival, l’Espace Jean Vilar d’Arcueil accueille un familier de Sons d’hiver, Tony Hymas, en trio avec les frères Bates, et Wicked Knee, le nouveau quartet de Billy Martin.

Tony Hymas & The Bates Brothers

Hymas rencontre Jean Rochard, le fondateur du label nato, au festival de Chantenay, en 1984. Hymas rejoint les « artisans nato » avec Flying Fortress, enregistré en 1988. Il compose ensuite 8 Day Journal pour la formation de Sam Rivers, joué à l’occasion de Sons d’hiver 1996. Depuis, Hymas est resté fidèle à nato et à Sons d’hiver, pour lequel il a notamment créé Ursus Minor, en  2003. Après l’enregistrement de Birdwatcher avec Michel Portal, en 2007, Hymas a l’occasion de jouer en concert avec le batteur JT Bates. De cette réunion naissent un trio avec Bruno Chevillon et le trio avec The Bates Brothers, qui inclut Chris Bates à la contrebasse.

Le concert reprend des morceaux de Blue Door, sorti chez nato en 2011, et « In A Sense » (Hope Street MN – 2002). Mais il s’agit davantage d’une relecture de Blue Door qu’une simple redite : les introductions sont plus longues et les développements plus débridés. Hymas marie passé et présent, blues et classique, lyrisme et free… avec beaucoup de subtilité et les frères Bates forment une paire rythmique d’exception : Chris, le bassiste, allie maitrise instrumentale parfaite et créativité remarquable ; la versatilité et la rapidité de réaction de JT servent à merveille la musique d’Hymas.

Dans « Les évadés de la nuit », « In A Sense » et la reprise d’« Avec le temps », Hymas laisse libre-court à son lyrisme, mais il amène le premier morceau vers un blues, tandis que le deuxième s’apparente davantage à la musique contemporaine et la chanson de Léo Ferréexplose dans une interprétation free. Après l’introduction de la contrebasse à l’archet, le trio fait monter la tension dans « Ahneen »,  avec un suspens qui rappelle Keith Jarrett. Des phrases courtes du piano, un motif joué à l’archet par la contrebasse, un jeu grondant de la batterie et une construction sophistiquée : « Apotheg 5 » mêle des éléments de jazz, de pop  et de de musique contemporaine, dans une sorte de « free pop »… Impression que l’on retrouve également dans l’ambiance rock progressif de « The Way Back Home ». Hymas chante cette chanson, qui rappelle Ben Sidran, de sa voix grave et cassée. « The Kid From Whiteville » (impressionnant solo de JT en introduction) et « Blues For Garland », joué en bis, fleurent bon le hard bop avec walking et chabada…

Acoustique, puissante, interactive et inventive sont les premiers adjectifs qui viennent à l’esprit pour qualifier la musique du trio. Hymas et les frères Bates jouent finalement un jazz presque classique, mais sans cesse pimenté de traits originaux : ruptures rythmiques, brisures harmoniques, éclatements mélodiques, fractures sonores, échanges impromptus… Autant d’éléments qui rendent leur musique passionnante !

Billy Martin’s « Wicked Knee »

Medeski, Martin & Wood a assuré la renommée de Billy Martin. Depuis plus de vingt ans, ce power trio ne cesse de brouiller les pistes entre musiques improvisées et musiques populaires d’aujourd’hui. En 2010, Martin réalise un désir qu’il avait depuis longtemps : créer une fanfare qui associe sa batterie à des cuivres.

Pour son projet, le batteur fait appel à des musiciens qui évoluent dans des milieux aux démarches voisines : les Lounge Lizards de John Lurie, Spanish Fly, Sex Mob, Fœtus,voire John Zorn. Curtis Fowlkes est au trombone, Steven Bernstein à la trompette et Marcus Rojas au tuba. Quant au nom de la formation, pour le moins original (« mauvais genou »), elle est empruntée au titre d’une compilation de ragtimes, de blues et de stomps joués au piano, Shake Your Wicked Knees. Le quartet compte déjà deux disques à son actif : We Are Wicked Knee (2011) et Heels Over Head (2013).

Un brass band minimaliste – une trompette avec un trombone pour la section des soufflants plus un tuba pour les basses – et une batterie… Wicked Knee s’inspire des fanfares de La Nouvelle Orléans, bien sûr, mais le jeu mat, sec, rapide, tendu et serré de Martin ajoute une touche jazz rock. En soutien ou en solo, l’énergie et la cohérence du jeu de Martin forcent le respect, à l’instar de son élégant morceau sur des gongs proche des bonang de gamelan. Il maintient son quartet sous pression du début à la fin du concert. D’une vivacité contagieuse, la musique de Wicked Knee invite à la danse, comme la version entraînante de « It Don’t Mean A Thing ». Si Fowlkes penche plutôt vers le hard bop, Bernstein, lui, part volontiers dans des escapades free. Quant à Rojas, il est aussi à l’aise dans une walking soutenue, que dans des riffs rock ou des motifs bluesy. Les soufflants sont sur la même longueur d’onde, comme le montre la version de « Bemsha Swing », développée sur une base de contrepoints réjouissants. 

Martin décrit la musique de Wicked Knee comme du « ragtime funk » parsemé d’intermèdes free. C’est exactement ce qu’évoque cet orphéon : une rythmique puissante et chaloupée sur laquelle les cuivres alternent chants et improvisations libres.

03 avril 2013, par Bob Hatteau

Sons d’hiver – Deuxième partie…

Samedi 9 février

Théâtre Jacques Carat – Cachan

La Compagnie Lubat voit le jour en 1976 et son festival, Uzeste Musical, en 1978. Pour fêter ses trente-cinq ans, Bernard Lubatinvestit le théâtre Jacques Carat de Cachan, qui affiche complet. Assis autour d’une table de banquet, Lubat, sa compagnie et ses invités festoient en attendant le démarrage du concert…

Les 35èmes rougissants… de la Cie Lubat

Avec Lubat au piano, à la batterie, à la voix et aux jeux, la Compagnie est constituée des guitaristes Fabrice Vieira et Thomas Boudé, du bassiste Jules Rousseau et du batteur Louis Lubat. Pour l’occasion, Lubat a invité quelques amis : le tromboniste pyrotechnicien Patrick Auzier et Michel Portal qui sont de l’aventure depuis la première édition d’Uzeste Musical, le photographe Christian Ducasse (1979), l’actrice Laure Duthilleul, Louis Sclavis et le chanteur Beñat Axiari (1981), André Minvielle (1985) et Archie Shepp (2001). Les élèves du centre de musiques actuelles EDIM participent également aux deux derniers morceaux du concert.

En guise de préambule aux trente-cinq ans d’« Uzeste médical », Lubat se lance dans un monologue politique parsemé de jeux de mots potaches : « le changement c’est maintenant, mais le change ment », « j’ai le cerveau lent »… Après un solo de piano proche de la musique contemporaine, la Compagnie se joint à Lubat pour un morceau qui balance, sur des rythmes quasi funky. Un diaporama, monté avec des photos de Ducasse et commenté sobrement par Lubat, retrace des moments forts d’Uzeste Musical. Retour à la musique avec Axiari et son expressionnisme si particulier, entre chant et cri, avec une voix aigüe, quasi de tête. Entre chaque morceau, Lubat raconte des anecdotes et plaisante dans une ambiance familiale. Sclavis et Portal dialoguent avec verve, sur ce ton entre contemporain et free dont ils ont le secret. Quand Lubat passe derrière les fûts, le trio fait monter la pression ! Après avoir fait chanter le public sur des onomatopées, s’être amusé sur une vocalise d’opéra et déliré sur Gyorgy Ligeti et les chants pygmées, Minvielle mêle scat et chant, en s’accompagnant avec un cajon. Toujours plaisantin, Lubat joue ensuite avec deux petits cochons en plastique… Suit la projection d’une vidéo des spectacles pyrotechniques d’Auzier. La Compagnie Lubat revient sur scène pour un morceau foisonnant, qui combine des ingrédients de musique contemporaine et de musique du vingtième, avec des passages dansants, soutenus par une walking et une batterie énergiques ! Shepp et son saxophone ténor se mêlent à la Compagnie pour un solo free. Sa sonorité énorme se détache sur le fond touffu que tissent les guitares, la section rythmique et le piano. Tous les invités se retrouvent pour l’apothéose finale. Shepp joue et chante le blues avec une expressivité captivante, tandis que chaque musicien y va de son chorus, pour un festival sonore mémorable. Les élèves de l’école de musique viennent sur scène pour un court et gros bazar organisé, ainsi qu’un rappel entre jazz et funk, avec Shepp dans le rôle du shouter !

Un feu d’artifice de souvenirs émouvants, jeux de mots malicieux, traits musicaux palpitants… dans une ambiance potache contestataire soixante-huitarde, toujours attachante, car sincère. Un anniversaire réussi : merci Monsieur Lubat.

Vendredi 15 février

Salle Jacques Brel – Fontenay-sous-Bois

Le 15 février est placé sous le signe de la chanson française et de la percussion moyen-orientale. La salle Jacques Brel de Fontenay-sous-Bois présente Denis Colin et Ornette dans un programme consacré àNino Ferrer, tandis que l’Atlas Trio de Louis Sclavis invite le percussionniste d’origine iranienne Keyvan Chemirani.

Denis Colin et Ornette jouent et chantent Nino Ferrer

La Société des Arpenteurs, le quintet de Colin, qui accompagne Bettina Kee, alias Ornette, est composé de Diane Sorel au chant,Antoine Berjeaut à la trompette et au bugle, Julien Omé à la guitare,Théo Girard à la basse et François Merville à la batterie.

Enfant en Nouvelle-Calédonie, étudiant à La Sorbonne en ethnologie et en archéologie, matelot autour du monde sur un cargo, animateur radiophonique en Italie (1967 – 1970), éleveur de chevaux dans le Quercy (1970), personnage de bande dessinée (dans Corto Maltese en Sibérie d’Hugo Pratt – 1979), acteur (Litan de Jean-Pierre Mocki – 1982), peintre (exposition à Paris – 1993)… Ferrer a suivi un parcours original. Passionné par la musique dès son plus jeune âge, Ferrer commence sa carrière comme bassiste de jazz. Par la suite il se fait connaître par ses chansons comiques telles que « Les cornichons », « Le téléfon », « Mao et Moa », « Mirza »… Mais Ferrer a aussi composé des tubes « sérieux », comme « C’est irréparable », « Le Sud », « La maison près de la fontaine »… et un disque influencé par le rock progressif (Métronomie – 1971). Il met fin à ses jours en 1998.

Univers Nino, le spectacle de Colin et d’Ornette, porte bien son nom ! Le programme couvre largement la carrière du chanteur, de 1966 à 1993, et reflète différentes facettes de Ferrer : des morceaux légers dans une ambiance twist avec « Je vends des robes » (1969), « Les cornichons » (1966)... ; de la bossa nova avec « La rua madureira » (1969) ; du blues avec « Le blues des rues désertes » (1966) ; le tube interplanétaire « Le Sud » (1974) ; des chansons à texte comme « L’arbre noir » (1979), « Mobby Dick » (1974), « La désabusion » (1993) etc.

Ornette s’appuie sur son timbre haut, sa diction claire, son sens des nuances (« Le blues des rues désertes »), son aisance rythmique (« Les cornichons ») et son Clavia Nord electro 2 pour interpréter avec swing et caractère les chansons de Ferrer. En doublant souvent Ornette à l’unisson, la voix de Sorel donne de l’ampleur au chant, dont l’intensité s’accorde mieux avec le reste de l’orchestre. Les arrangements de Colin restent jazz (section rythmique, chorus, registre) avec, parfois, un côté musique de film (souplesse des transitions, ambiances). La clarinette basse se marie idéalement avec le timbre d’Ornette (« La rua madureira ») et quand Colin chante (« L’arbre noir », « La désabusion »), sa voix grave, sa nonchalance et son ton, presque parlé, rappellent davantage Serge Gainsbourg que Ferrer.

Ornette, Colin et les Arpenteurs relisent de fond en comble les chansons de Ferrer. S’ils restent fidèles aux textes et aux mélodies de base, en revanche les rythmes et les arrangements n’ont qu’un très lointain lien de parenté avec les originaux. Le chanteur aurait d’autant plus apprécié l’hommage, que la musique swingue de bout en bout sans jamais tomber dans la facilité.

Sclavis Atlas Trio & Keyvan Chemirani

Changement de décor et de musique avec le Sclavis Atlas Trio et Chemirani. Entre les émissions radiophoniques (Jazz sur le vif, Le bleu la nuit…), les clubs (Le petit faucheux, Le rocher Palmer, Sunside…) et les festivals (Kind Of Belou, A Vault Jazz, Nevers Jazz Festival…), le trio n’arrête pas ! Créé en 2011, le trio a enregistré Sources pour ECM l’année suivante.

Pour le concert de Sons d’hiver, le guitariste Gilles Coronado et le claviériste Benjamin Moussay sont évidemment de la partie, et Chemirani joue du zarb ainsi que diverses autres percussions.

L’Atlas Trio interprète le répertoire de Sources. La musique du trio se situe à la croisée de la musique contemporaine, pour le cadre sophistiqué des morceaux (« La disparition », « Migration »), du rock progressif, pour l’énergie rythmique (« A Road To Karaganda », « Quai Sud »), et des musiques du monde, pour les sonorités (« Près d’Hagondange »). Après l’exposition des thèmes, souvent à l’unisson, les quatre musiciens échangent leurs propos dans des croisements de voix complexes (« Along The Niger », « Dresseur de nuages ») et la musique tourne de l’un à l’autre, avec un équilibre savamment mis en place. Moussay passe d’un jeu acoustique limpide au piano aux effets électro des claviers, dont un mini clavier qu’il utilise pour des motifs de basse, sourds (« A Road To Katanga »). Avec sa sonorité métallique, ses accords brutaux et ses lignes puissantes brisées, Coronado renforce la touche rock (« Quai Sud »). Les percussions de Chemirani s’insèrent à merveille dans la musique de l’Atlas Trio. Les sons chaleureux et les rythmes à la fois vifs et subtils de Chemirani apportent un complément de relief et de profondeur (« Along The Niger »). Sclavis prolonge les thèmes par des chorus dissonants, mais qui restent le plus souvent mélodieux (« La disparition »), et il dialogue avec chacun des protagonistes à tour de rôle. Le clarinettiste glisse également quelques passages débridés (« Dresseur de nuages ») et achève le concert sur un solo en souffle continu hypnotique.

Les rythmes complexes du Moyen Orient et de l’Inde se marient parfaitement bien avec la musique raffinée, parfois minimaliste et toujours prenante du Louis Sclavis Atlas Trio.

03 avril 2013, par Bob Hatteau

Sons d’hiver 2013 – Troisième partie…

Dimanche 17 février

Théâtre Paul Eluard – Choisy-le-Roi

Sacrée soirée à Choisy-le-Roi : le théâtre Paul Eluard propose le quintet de Denis Fournier et le duo Michel Portal – Hamid Drake.

Denis Fournier Watershed

Watershed (le partage des eaux) est le nom du groupe franco-américain que Fournier a formé en 2011 et dont les membres sont Bernard Santacruz, contrebassiste avec qui il joue depuis près de vingt ans, et des musiciens de l’Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM) rencontrés à Chicago : Nicole Mitchell aux flûtes (flûte et alto)*, Hanah Jon Taylor au saxophone (ténor et soprano), à la flûte* et au WX 11 (contrôleur midi à vent de Yamaha) et Tomeka Reidau violoncelle.

Watershed sort son premier album chez RogueArt, en 2012. Dans la foulée, Fournier et Alexandre Pierrepont créent The Bridge, une association dont l’objectif est de favoriser les échanges entre les artistes américains et français.

Le quintet formé par Fournier s’appuie sur une instrumentation originale : deux flûtes ou une flûte et un saxophone ténor, un violoncelle et une section rythmique sans piano. Les musiciens sont rompus aux exercices classiques autant qu’aux expériences jazz d’avant-garde. Il n’y a donc rien d’étonnant à ce que la musique de Watershed ait de nombreux points communs avec une « musique de chambre free ».

Du début à la fin du concert, la cohésion des musiciens et la cohérence de leur musique sont confondantes. L’architecture des morceaux se construit logiquement au fil des propositions, comme dans « La voce de la luna » : la contrebasse et le violoncelle introduisent la pièce par un duo emphatique, la batterie en rajoute avec un bruissement subtil, puis les flûtes mêlent leurs notes tenues pour forger une ambiance mystérieuse et foisonnante, qui débouche naturellement sur un superbe thème mélodieux, prétexte à un morceau solennel aux tournures africaines.

Les musiciens conversent en toute liberté : la flûte basse de Mitchell répond au saxophone soprano de Taylor dans « Prayer For Walud » (thème signé Reid et dans lequel elle joue un solo en pizzicato qui vaut le détour !) ; la flûte alto dialogue avec le violoncelle de Reid dans « Le partage des eaux » ; le ténor, l’alto et le violoncelle croisent leurs voix sur « White Horses » (composition de Santacruz) ; « Dannie Richmond », hommage au batteur de Charles Mingus, commence par un solo de Fournier passionnant, essentiellement sur les peaux, puis tous les musiciens échangent leurs propos dans une polyphonie tendue… Une autre caractéristique réjouissante de Watershed, c’est l’omniprésence d’une pulsation : Fournier et Santacruz, qui n’hésite pas à jouer des walking (« Le partage des eaux »), laissent beaucoup d’espace au quintet, puis reviennent çà-et-là à des cadences rythmiques régulières, à l’instar de « Pathways » (écrit par Mitchell).

A la fois structurée et spontanée, subtile et entrainante, collective et individuelle, créative et intelligible, la musique de Watershed est séduisante du début à la fin, en un mot : formidable !

* Un grand merci à Michel Edelin pour ses commentaires avisés.

Hamid Drake & Michel Portal Duo

Hamid Drake et Michel Portal ont joué ensemble en duo pour la première fois en avril 2012, lors de l’Europa Jazz festival au Mans. Réunir de nouveau ces deux « monstres sacrés » de l’avant-garde est une aubaine pour tout amateur de musique inventive.

Portal et Drake ont une telle expérience musicale et une telle habitude des duos improvisés, qu’ils paraissent décontractés, mais concentrés ; les deux artistes s’écoutent attentivement, restent constamment à l’affût l’un de l’autre, saisissent les intentions au vol, rebondissent sur la moindre note, exploitent chaque ouverture... Ils tirent parti de toutes les nuances possibles – registres, rythmes, tempos, volume, texture – et la musique du duo tient la salle en haleine. « Judy Garland », un thème de Portal composé pour Minneapolis (2001), donne un bon exemple de la connivence qui existe entre les deux musiciens.

Portal passe d’une ligne caverneuse, profonde, magnétique, jouée avec un son d’une limpidité stupéfiante à la clarinette basse, aux phrases virevoltantes et aigues du saxophone soprano ou à un scat nerveux chanté dans le bec de l’instrument. Volontiers lyrique au bandonéon, Portal joue des paso-doble, tango, valse et autres fandango qu’il pimente de digressions free. Percussionniste d’exception, Drake possède une précision éblouissante et une palette de jeux d’une variété remarquable : un chorus sur les cymbales qui sonne comme des cloches, des roulements serrés, des riffs au bendir, des superpositions de rythmes, des motifs entraînants, une pulsation régulière, des frappes imposantes et ainsi de suite !

Tout au long du concert, les deux musiciens s’encouragent de la voix, dialoguent avec bonne humeur, se lancent même dans un numéro comique autour du boléro de Maurice Ravel. Et Drake de préciser à propos de Portal : « he is one of your national treasury, I hope you know that! ». En bis, Portal entame le boléro au saxophone soprano, avant de jouer, au bandonéon, la « Perceuse basque », qui n’est autre que « The Star-Spangled Banner », l’hymne américain, sur lequel Drake slamme !

Un batteur-conteur d’une présence hors du commun et un saxophoniste-clarinettiste-bandonéoniste aux mille et une idées : Portal et Drake sont époustouflants et leur concert une merveille ! La standing ovation est amplement méritée. Entre Watershed et le duo Portal et Drake, ce 17 février musical restera dans les annales !

Lundi 18 février

Théâtre Dunois

Joëlle Léandre, Benoît Delbecq & Carnage The Executioner

Le 3 septembre 1980, pendant le festival de Chantenay-Villedieu (Sarthe), Jean Rochard crée nato. Depuis plus de trente ans, le label œuvre pour diffuser toutes sortes de musiques : « on se moque des questions de style, on se refuse à entrer dans les boîtes qui se profilent, on emprunte volontiers les sentiers buissonniers, on épie l'histoire, on raconte pour vivre la musique de découverte en découverte ».

La coopération entre nato et Sons d’hiver remonte à la première édition du festival, en 1991, et nombreux sont les « artisans nato » qui participent à l’édition 2013 : d’Hymas à Pauvros, en passant par les frères Bates, Carnage The Executioner, Colin, François Corneloup,Benoît Delbecq, Hélène Labarrière, Joëlle Léandre, Portal, Sclavis...

Rochard a choisi le théâtre Dunois pour célébrer la soirée nato. Ce n’est pas un hasard : le théâtre Dunois a été fondé en 1977 et  Nelly Le Grévellec continue d’animer ce haut lieu des musiques improvisées avec toujours autant de ferveur. Dès le début, nato a investi ce théâtre avec notamment, en 1982, l’enregistrement d’un disque fondateur de Léandre : Les douze sons.

Pour ce « retour à la case Dunois », Léandre est en compagnie de deux musiciens avec qui elle n’a jamais eu l’occasion de jouer : Delbecq au piano et Carnage The Executioner, « boîte à rythmes humaine ». Le concert se déroule en deux parties : trois duos en tournante, puis cinq trios.

Léandre et Carnage débutent le set par un morceau entre musique contemporaine et rock expressionniste. Léandre joue avec ses tripes : la contrebasse et la musicienne ne font plus qu’un avec la musique ! Sa sonorité épaisse, grave, puissante possède une ampleur digne de la résonnance d’une cathédrale. Carnage déploie des boucles rythmiques éructées, murmurées ou chantées, puis contrôlées par l’intermédiaire de pédales. Il les modifie, les enrichit, les élague, au grès des échanges avec la contrebassiste. Delbecq et son Bösendorfer préparé succèdent à Léandre. Le travail sur les rythmes et les sonorités est au cœur du morceau de Delbecq et Carnage. Les expérimentations du duo tiennent à la fois de la musique expérimentale (Steve Reich, bien sûr, mais aussi John Cage), du free jazz, du gamelan (sonorités cristallines du piano préparé et boucles imbriquées), voire du hip-hop. Léandre et Delbecq clôturent le premier set avec un morceau saccadé, construit sur des interactions rythmiques et des fusions sonores, proche de la musique contemporaine. Le trio dégage beaucoup de puissance : Carnage n’hésite pas à assener des motifs rock ; Delbecq altère la sonorité du piano avec divers accessoires pour fouiller les possibilités rythmiques de l’instrument ; quant à Léandre, sa contrebasse bourdonne, ses riffs grondent, ses lignes vrombissent et sa voix scande des incantations exaltées…

Le trio place sa musique sous le signe de l’expérimentation jusqu’au-boutiste, de la recherche et développement extrême, de la prise de risque maximum… plus encore que d’avant-garde, il faudrait parler de future-garde !

03 avril 2013, par Bob Hatteau

Sons d’hiver 2013 – Quatrième partie

Mardi 19 février

Salle des fêtes de l’Hôtel de Ville – Saint-Mandé

Escalier à double révolution, parquet, moulures, salle en longueur, scène surélevée, sièges moelleux… la salle des fêtes de l’Hôtel de Ville a de l’allure. Les saint-mandéens reçoivent le quartet d’Hélène Labarrière et le quintet de Kidd Jordan.

Hélène Labarrière Quartet

En 1993, Labarrière monte le quintet Machination, son premier groupe. Dix ans plus tard, la contrebassiste forme un quartet avec le saxophoniste François Corneloup, le guitariste Hasse Poulsenet le batteur Christophe Marguet, et enregistre Les temps changent, en 2007. C’est ce quartet qui se produit à Saint-Mandé, l’occasion de jouer le répertoire de Désordre, sorti en février 2013 chez Innacor.

L’énergie est à l’ordre du jour ! Pourtant les thèmes penchent plutôt vers la nostalgie (« Désordre »), la majesté (« Le pouvoir de Loc’ha ») et l’élégance (« Montreuil Mali »). Mais quand le quartet s’en empare, les morceaux changent de climats et s’embrasent dans un free nerveux et rythmé (« 10’ »). Le jeu vif, instinctif, souvent touffu (« Montreuil Mali ») et toujours réactif de Marguet fait danser la musique du quartet (« In My Room ») et la met sous tension (à l’image de son solo grandiose dans « Le pouvoir de Loc’ha »). Corneloup s’en donne à cœur joie avec son baryton : riffs entraînants (« Montreuil Mali »), effets bruitistes amusants (« In My Room »), phrases monumentales accentuées par la sonorité profonde et grave du saxophone (« Désordre »)… Corneloup part fréquemment d’une ligne mélodieuse et débouche sur un développement free tumultueux. Chaleureux, Poulsen joue avec bonhommie et tient son rôle d’accompagnateur avec originalité, dans un joyeux mélange de free noisy (« Montreuil Mali »), de blues (« Désordre »), d’espagnolades (« In My Room »), de rumba congolaise (« Montreuil Mali ») ou de folk (« Voleur »). La sonorité électro-acoustique de sa Guild F-50 Jumbo (?) est particulièrement agréable : la caisse de résonnance apporte de la chaleur aux effets de saturation et autres. D’une mobilité à toute épreuve, Labarrière alterne des motifs profonds (« Désordre »), des riffs cadencés (« Montreuil Mali »), des bourdons imposants (« Le pouvoir de Loc’ha »)… Ses solos passent d’une ligne rapide (« In My Room ») ou mélodieuse (« Voleur ») à des constructions complexes (« 10’ »).

Au milieu du concert, Labarrière et son quartet rendent un hommage solennel aux poilus, avec une interprétation majestueuse de « La Chanson de Craonne ». La contrebassiste rappelle l’historique de cette chanson, interdite par le commandement militaire et censurée en France jusqu’en 1974, mais chantée par les soldats de la Grande Guerre, entre 1915 et 1917. Ecrite sur l’air de « Bonsoir M’amour » (1911 – Raoul Le Peltier et Charles Sablon), « La Chanson de Craonne », aux paroles antimilitaristes, anticapitalistes et révolutionnaires, est connue pour avoir été le chant de ralliement des centaines de soldats qui, après le désastre du Chemin des Dames sous le commandement du général Nivelle, se sont mutinés et furent  condamnés à mort…

La complicité entre les quatre musiciens est évidente : la musique circule sans entrave et passe de l’un à l’autre en toute liberté, au fil des idées. Le quartet propose un free européen moderne, fait de discours libres, parsemés d’ingrédients de musiques de monde, sur une pulsation entraînante… Un plaisir pour les oreilles !

Kidd Jordan Quintet

Discret, mais remarquablement influent sur les musiciens free américains, le fringuant septuagénaire Edward « Kidd » Jordan se présente avec un quintet de chantres de la Great Black Music : le saxophoniste et pianiste Charles Gayle, le saxophoniste basse et multi-instrumentiste J.D. Parran et deux habitués de Sons d’hiver,William Parker et Drake.

Le quintet joue deux pièces d’environ une demi-heure chacune et un bis. Fidèle à son approche, Jordan improvise sans thème préconçu. Dans le premier morceau, Gayle, au piano, propose une idée, un peu dans le style de Thelonious Monk. Drake est virulent de bout en bout et maintient une cadence nerveuse. Parker soutient le quintet avec une pulsation robuste et homogène. Parran accompagne les solistes comme un chœur avec des contrechants joués sur des gimmicks plus variés les uns que les autres : sifflets, sanza, percussions, saxophone basse, flûtes… Jordan joue un free dense, puissant et percutant, qui finit par prendre des allures de cris déchirés. Dans la deuxième pièce, Drake raconte d’abord une histoire sur les peaux de ses tambours, puis introduit les cymbales. Ensuite, le morceau démarre en douceur dans une ambiance free calme, mais torturée. Le piano, le ténor et la flûte prennent leur temps pour faire monter la tension, pendant que la section rythmique garantit le tempo. Parker prend un chorus époustouflant dans lequel il utilise toutes les possibilités de la contrebasse, du pizzicato à l’archet en passant par des percussions sur la table… Gayle passe au saxophone ténor pour rejoindre Jordan et jouer un duo endiablé, avec des fulgurances qui rappellent Albert Ayler. Le bis s’achève en apothéose, avec tous les instruments qui jouent à qui mieux mieux, en dehors de la contrebasse, toujours imperturbable.

Le Kidd Jordan Quintet s’inscrit dans la grande tradition du free jazz américain : des thèmes courts qui ne restent pas longtemps mélodieux car les musiciens les déchiquètent dans des envolées furieuses qui se terminent souvent dans une déflagration « parosismique » !

Vendredi 22 février

Maison des Arts – Créteil

Les mille places de la Maison des Arts de Créteil héberge la soirée hommage à Jef Lee Johnson. Ce concert de Free Funk commence par le trio Bourelly, Washington et Dorcean, suivi de James Blood Ulmer accompagné par l’orchestre de David Murray.

« Rainbow Shadow »

Pensées pour Jef Lee Johnson

Washington a monté un trio pour évoquer la mémoire de Johnson, avec le batteur habituel du trio de Johnson, Patrick Dorcean, et un artiste que le guitariste appréciait beaucoup : Jean-Paul Bourelly. Il a baptisé le trio, « Rainbow Shadow », clin d’œil au surnom que Jonshon s’était donné et à The Zimmerman Shadow, le dernier disque en leader de Johnson, sorti en 2009 chez nato.

Le concert démarre par une compilation de morceaux de Johnson. Washington prévient ensuite que le trio va jouer la musique de Johnson à leur manière, comme le guitariste l’aurait sans doute souhaité. Les sept morceaux restent dans une ambiance qui consolide l’héritage afro-américain : blues, funk, free et rock. Les lignes de Washington balancent constamment, avec un sens mélodique et dramatique enthousiasmant (l’introduction slappée sur le dernier morceau est un cas d’école). Dorcean assure un rythme régulier et constamment dansant. Puissant et imposant, Bourelly joue et chante entre rock et funk, avec le blues en filigrane et des solos dignes des « guitar heroes ».

Batterie groovy, bass funky et guitare bluesy, le tout avec de forts accents free. Ce cocktail free funk mélange des rythmes entrainants et des développements plutôt savants.

« Stompin And Singin’ The Blues »

En 2012, Murray crée Stompin And Singin’ The Blues pour son big band et un chanteur. Macy Gray est la première interprète du répertoire, joué entre autres le 29 août 2012 au festival Jazz à la Villette. A Sons d’hiver, Ulmer remplace Gray.

Murray dirige un big band de quinze musiciens pour donner la réplique à Ulmer : trois trombones, trois trompettes, deux saxophones alto, deux saxophones ténor, un saxophone baryton, une guitare, un orgue Hammond B3, une basse et une batterie.

Le Big Band s’inscrit dans la tradition de Count Basie avec des chœurs de soufflants robustes et une section rythmique puissante. La mise en place est rigoureuse et l’accent est mis sur l’expressivité. Chaque soliste y va de son chorus dans une ambiance surchauffée. Ulmer chante d’une voix medium, légèrement rauque et éloquente, avec des accents funky. Il s’accompagne avec des suites d’accords plutôt sobres, glisse quelques incartades free et ses solos restent concis, loin des délires virtuoses des « guitar heroes ». « Dear President » est joué dans un esprit rock’n roll, avec des chorus qui frisent le bop. « Greechee Joe » mélange folk et rock. « Grimmin’ In Your Face » démarre dans un registre free blues. Au saxophone ténor, Murray est à l’aise dans toutes les ambiances : be-bop, blues, funk, rock, soul… La plupart de ses chorus finissent par un free suraigu déchiré, digne d’un shouter.

Un blues teinté de free, avec les interventions débridées de Murray et le chant expressif d’Ulmer : Stompin And Singin’ The Blues fait le lien entre les sources et l’avant-garde du jazz, avec toute la vivacité dont un big band porté à ébullition est capable !

Samedi 23 février

Maison des Arts – Créteil

La dernière soirée de Sons d’hiver a lieu à la MAC. Fabien Barontini, le directeur du festival, reste toujours ouvert à toutes les musiques improvisées quelle qu’en soit les influences : du blues au free, en passant par le funk, le rock, le slam, le rap… L’édition 2013 se clôt avec le duo de slammeur – rappeur Saul Williams et Mike Ladd, et le groupe « post-rock » Tortoise.

Saul Williams & Mike Ladd

Saul Williams arrive sur scène avec une pile de livres, tandis que Mike Ladd s’installe devant des consoles et un ordinateur. Quand les deux artistes ne se donnent pas la réplique, ils alternent chorus de spoken words ou de rap et jeux avec les consoles.

Ladd déclame et scande des textes d’une voix medium et claire, tandis que Williams part davantage dans du rap avec une voix plus grave et légèrement nasale. Les effets électro, les boîtes à rythme… font parfois penser au cinéma et à la science-fiction. Williams lit aussi des extraits de livres sur les bruitages que Ladd orchestre avec son ordinateur. Parfois, l’accompagnement en boucles rythmiques répétitives se rapproche d’un DJ et l’ambiance tourne à la discothèque. Les morceaux sont enchaînés dans une suite quasi-hypnotique.

La scansion sur les effets électro et les boucles rythmiques produisent une tension indéniable. Cette tension se base sur la fougue du langage associée à une forme de transe qu’installe la répétition des riffs.

Tortoise & Guests

Créé en 1993, Tortoise est composé de Dan Bitney et John Herndonaux claviers, Jef Parker à la guitare, Doug McCombs à la basse etJohn McEntire à la batterie. D’habitude le quintet est multi-instrumentiste, mais, pour le concert de Sons d’hiver, les musiciens s’en tiennent à un seul instrument. En revanche ils ont des invités qui étoffent la palette sonore : Mitchell à la flûte alto, Antonin-Tri Hoangau saxophone alto et à la clarinette basse, Aymeric Avice à la trompette, Julien Desprez à la guitare, Jim Baker au piano et Bates à la batterie.

Le concert est constitué d’une longue pièce de près de quarante-cinq minutes et d’un deuxième morceau d’une quinzaine de minutes. Les claviers du quintet jouent des nappes de sons lointaines et réverbérées. La musique se déroule lentement dans cet environnement esthète. Les notes du piano se détachent, tandis que les soufflants et la guitare démarrent en chœur, suivent leurs voies puis se recroisent dans des unissons élégants. Dans la première partie, Avice, Desprez, Baker et Mitchell prennent des solos dans une veine post-bop, puis, dans la deuxième partie, les invités sont emportés dans un tourbillon free, lancé par Hoang, repris par Mitchell et poursuivi par tout le groupe. Le morceau se conclut sur un tableau rythmique entraînant, joué en puissance par les deux batteurs. La deuxième pièce est une tournerie de boucles qui avancent en contrepoints décalés. Dans cette ambiance qui évoque la musique irlandaise, les solistes développent un thème mélodieux.

Tortoise plante un décor sonore lancinant qui s’appuie sur des motifs à base de longues phrases récurrentes qui empruntent autant à la fusion qu’au rock progressif. Les solistes invités viennent poser leurs chorus et leurs unissons, le plus souvent free, sur ces nappes sonores. Ambiance hypnotique garantie !

Encore une superbe édition de Sons d’hiver, nouvelle preuve de la vitalité des musiques improvisées : qui sait garder l’esprit éveillé et les oreilles ouvertes, n’est pas prêt de s’ennuyer !