08 juin 2024

AfuriKo à la bibliohèque Andrée Chedid

En 1968, les architectes Jean-Claude Jallat et Michel Proux se voient confier la réalisation d’un immeuble de cent quatre-vingt logements, « Le Village », sur la dalle du Front de Seine. Adossé au nord à la centrale de chauffage urbain, l’immeuble est aveugle sur cinq niveaux et l’aménageur propose à la Direction des Affaires Culturelles de la Ville de Paris d’y installer une bibliothèque. Le 3 mai 1974 la bibliothèque Beaugrenelle ouvre ses portes. Forte de ses deux mille cent mètres carrés, de sa salle de projection et de ses cabines d’écoute musicale, c’est l’une des premières médiathèques en France. Pôle musical depuis la fin des années quatre-vingt dix, elle est rebaptisée bibliothèque Andrée Chedid en 2012. 


Pourquoi cette longue introduction ? Parce que d’avril à juin 2024 la bibliothèque commémore son cinquantenaire et qu’elle célèbre son anniversaire le samedi 25 mai avec, entre autres festivités, un concert d’AfuriKo.

Voilà près de quinze ans que la percussionniste Akiko Horii et le claviériste Jim Funnell ont formé AfuriKo, dont le nom est tiré d’un jeu de mots japonais : « Afurika », Afrique, et « Ko », enfant. Le duo compte trois disques à son actif : On The Far Side (2014), Style (2016) et Tao (2019).

Au programme du concert : quatre compositions originales (« Kotejuga », « Afro-Samba Funk », « No One Knows Where Willy Goes » et « Sukunya ‘s Soukous »), « Kassai », chanson de Taiji Nakamura et Ou Yoshida, immortalisée en 1972 par Naomi Chiaki, et qui figure sur Tao, « Flor de Lis » du musicien brésilien Djavan, « Pismo ti e doshlo », un chant bulgare, et « Red Dragonfly », un arrangement de deux morceaux traditionnels du Japon et de Guinée, au répertoire de Style.

Afuriko - Jim Funnell & Akiko Horii (c) PLM

Inspiré du rythme Malinke éponyme, « Kotejuga » bondit du début à la fin ! Après un démarrage abrupt et dansant basé sur des percussions tintinnabulantes, la main droite swingue sur le piano, tandis que la main gauche joue une ligne de basse sourde sur un clavier midi et que la rythmique foisonne. « Afro-Samba Funk » est un thème-riff entraînant aux accents funky porté par des poly-rythmes fougueux et puissants. Pendant que Funnell déroule des motifs mélodico-rythmiques enjoués, Horii maintient le morceau sous pression avec ses frappes sur le cajón et le djembé, des pêches sur les congas, cymbales, carillon ou autre cowbells et le tintement des grelots-charleston. Afuriko interprète la ballade mélancolique « Kassai » dans un style comptine, mais les percussions restent exubérantes et le solo du piano rappelle ça-et-là Lennie Tristano. Changement de décor avec « Flor de Lis » : une mélodie chantante sur une rythmique chaloupée, agrémentée de variations typiques latin-jazz et de dialogues animés entre Horri et Funnell. Dédié à leur chat, souvent en vadrouille, « No One Knows Where Willy Goes » est quasiment figuratif et évoque les balades du chat, avec un thème circulaire qui s’appuie sur un ostinato et une cadence régulière, mais parsemée de splash et autres coups impromptus. Les riffs du piano et les envolées poly-rythmiques des percussions créent une ambiance intense. A « Pismo ti e doshlo », air folklorique touchant, succède un hymne quasiment romantique, « Red Dragonfly » ou « Aka Tombo » en japonais, hommage à la libellule rouge ! Une mélodie solennelle aux accents extrême-orientaux, soutenue par des percussions toujours dynamiques, laisse place à des lignes aux couleurs bluesy et funky encadrées par une rythmique énergique. « Sukunya’s Soukous » s’inspire à la fois du mythe de la sorcière Sukunya de Trinidad et Tobago et de la danse congolaise. Pendant que les mains d’Horii virevoltent sur les peaux et les cymbales dans un feu d’artifice de rythmes, Funnell développe des phrases joyeuses et légères, aux parfums des Caraïbes...

Pittoresque, gaie et dansante, la musique d’Afuriko a enflammé le public venu en nombre fêter l’anniversaire de la bibliothèque Andrée Chedid.

28 mai 2024

Lennie’s

Absorbé par ses recherches sur les liens entre composition et improvisation, Jean-Christophe Kotsiras s’est plongé dans la musique de Lennie Tristano. Pour ce faire, le pianiste a monté un quintet avec le saxophoniste alto Ludovic Ernault (à la tête d’un quartet avec Enzo Carniel, Florent Nisse et Simon Bernier), le saxophoniste ténor Pierre Bernier (Wanderlust Orchestra, Quartet Christian Brenner, Antoine Karacostas Quartet…), le contrebassiste Blaise Chevallier (Aérophone, Yoann Loustalot Quartet, Quartet Christian Brenner…) et le batteur Ariel Tessier (House of Echo, Charley Rose Trio, Emmanuel Borghi Trio…).

Premier opus du quintet, Lennie’s sort chez Soprane Records le 24 mai 2024, avec, au programme, quatre compositions signées Kotsiras, trois morceaux de Lee Konitz – « Lennie’s » (2000), « It’s You » (1977) et « Palo Alto » (1950) – « Marionette » (1949) de Billy Bauer et « Wow » (1949) de Tristano.

La musique du quintet est – évidemment – placée sous le signe de Tristano. Les thèmes sont le plus souvent exposés à l’unisson, avec des riffs (« Lennie’s ») et des phrases élégantes dans une veine Third Stream (« Emelia »), mais aussi sous forme de duo tendu entre les deux saxophones (« Palo Alto »), parfois pimentés de dissonances (« Shining »). Dans la plupart des cas la construction des développements suit les codes « tristaniens », avec des structures sophistiquées (« Emelia »), à base de contrepoints et de croisements de voix subtils (« Palo Alto »), de questions-réponses superposées (« Shining ») et de dialogues échevelés (« Wow ») qui côtoient les lignes fluides et aériennes des saxophones (« Lennie’s »), volontiers marquées par la West Coast (« Anamnèse »), les envolées plutôt puissantes du piano (« Nihil ») dans le registre médium grave, caractéristiques du jeu du pianiste chicagoan (« It’s You »), et les chorus mélodieux de contrebasse (« Emelia »). Comme chez Tristano, la section rythmique joue fréquemment une walking et un chabada hérités du be-bop (« It’s You »), à tendance ultra-rapide (« Marionette ») !

Lennie’s s’inscrit avec beaucoup de pertinence dans la lignée de « l’école Tristano ». Comme le disait Konitz, emporté par le coronavirus en 2020 : « tant qu’il y aura des gens qui essaient de jouer de la musique avec sincérité, il y aura du jazz ». Kotsiras et son quintet en sont la preuve.

Le disque

Lennie’s

Ludovic Ernault (as), Pierre Bernier (ts), Jean-Christophe Kotsiras (p), Blaise Chevallier (b) et Ariel Tessier (d).
Soprane Records – SP106
Sortie le 24 mai 2024.

Liste des morceaux

01. « Lennie’s », Lee Konitz (5:28).
02. « It’s You », Lee Konitz (4:13).
03. « Marionette », Billy Bauer (3:28).
04. « Anamnèse » (5:36).
05. « Nihil » (4:05).
06. « Palo Alto », Lee Konitz (4:50).
07. « Emelia » (4:52).
08. « Wow », Lennie Tristano (3:09).
09. « Shining » (6:57).

Toutes les compositions sont signées Jean-Christophe Kotsiras, sauf indication contraire.

 

 

12 mai 2024

Live in Paris – Monnin Midon Delor

Si Edouard Monnin, Gabriel Midon et Thomas Delor n’en sont pas à leur premier essai – ils ont notamment enregistré Imaginary Studies (opus signé Midon) en 2020 – en revanche Live in Paris est leur premier album en trio. Il sort le 12 avril 2024 chez Soprane Records.

Comme l’indique le titre, le disque a été enregistré lors de trois concerts que le trio a fait au 38 Riv’ Jazz Club en février 2023. L’enregistrement a été réalisé par le guitariste Simon Martineau, autre proche du trio, qui était de l’aventure Imaginary Stories et avait invité Midon et Delor pour Tape From Nowhere (2023). Sans compter The Swaggerer (2018) et Silence The 13th (2020), deux albums de Delor auxquels Martineau a participé et n'oublions pas non plus que Delor et Martineau font partie du Nuzut Trio au côté du contrebassiste Flavio Perrella. Cette équipe se connaît donc sur le bout des doigts.

Monnin, Midon et Delor reprennent l’« Ave Maria » de Franz Schubert et six standards : deux be-bop – « Billie’s Bounce » de Charlie Parker et « Monk’s Dream » de Thelonious Monk –, deux hard-bop signés Sonny Rollins – « Valse Hot » et « Saint Thomas » –, un latin jazz – « Tres palabras » composé par Osvaldo Farrés – et un Third Stream – « In Your Own Sweet Way » de Dave Brubeck.

Des mélodies jouées avec une élégance (« In Your Own Sweet Way ») que Kenny Baron ne renierait pas, des thèmes dansants (« Valse Hot ») ou latino (« Tres Palabras ») débouchent sur des solos athlétiques de la batterie (« Valse Hot »), des interactions relevées (« Billie’s Bounce ») et des développements tendus (« Ave Maria »). La prise de son, très organique, met en relief la sonorité acoustique du trio (« Ave Maria »). Quant à la structure bop thème – solo – thème, elle permet à chacun de s’exprimer comme il l’entend (« Valse Hot »). Côté rythmes, le chabada subtil parsemé de pêches (« In Your Own Sweet Way »), les cliquetis (« Billie’s Bounce »), les frappes chaloupées (« Saint Thomas »), les lignes denses (« Valse Hot ») ou les poly-rythmes luxuriants (« Tres Palabras ») se marient aux walking de la contrebasse (« Ave Maria »), pimentées de shuffle (« Monk’s Dream »), et aux pédales (« Billie’s Bounce »), riffs puissants (« Valse Hot ») et autres motifs intenses (« Tres Palabras »).

Monnin, Midon et Delor jouent un néo-bop particulièrement vivant, qui fera dodeliner de la tête tous les auditeurs.


Le disque

 
Live in Paris
Monnin Midon Delor  
Edouard Monnin (p), Gabriel Midon (b) et Thomas Delor (d).   
Soprane Records – SP105 Sortie le 12 avril 2024


Liste des morceaux  

01. « In Your Own Sweet Way », Dave Brubeck (7:08). 
02. « Billie’s Bounce », Charlie Parker (8:32). 
03. « Ave Maria », Franz Schubert (8:48).  
04. « Monk’s Dream », Thelonious Monk (6:16).  
05. « Valse Hot », Sonny Rollins (9:08).  
06. « Tres Palabras », Osvaldo Farrés (7:11).  
07. « Saint Thomas », Sonny Rollins (4:11).
 

09 avril 2024

Letter To The World – Lionel Martin & Sangoma Everett

En 2019, Lionel Martin et Sangoma Everett avaient repris Afrique, album de Count Basie et Oliver Nelson, enregistré en 1971. Cinq ans plus tard, les revoilà avec un tout autre projet autour du blues : Letter To The World sort le 15 mars 2024 chez Ouch ! Records. Le duo invite Sophia Companion pour dire « This Is My Letter To The World », poème d’Emily Dickinson qui a inspiré le titre de l’album, et le percussionniste Alain Chaléard pour les accompagner au bendir sur « Afro Blues ». 
 
Cette lettre ouverte au monde est bien remplie ! Le morceau éponyme est signé Everett, qui propose également deux autres compositions, « Fane » et « Chazelles » (le village du Jura où vit Everett), oécrites avec Bruno Delanchy, organiste Hammond dans leur DEL trio, avec le saxophoniste Jérôme Lefebvre. Les trois thèmes de Martin sont engagés : pacifiste (« No Guns »), anarchiste (« Ni Dieu ni maître ») et prophétique (« A la recherche du temps futur »). Quant au fatidique « I’am Talking To The Wall », il est cosigné Martin – Everett. Les deux musiciens reprennent également « Who Knows » de l’album Band of Gypsy (1970) de Jimi Hendrix, et le standard « Afro Blues », que Mongo Santamaria a publié en 1959.
 
Le duo bombarde un jazz progressif puissant dans « No Guns », avec un saxophone ténor sous looper et une batterie brutale et mate. Ensuite, porté par la voix medium et claire d’Everett et les riffs inamovibles de Martin, « Who Knows » transpire le blues. Suit un thème-riff épais, un ténor musculeux et une batterie athlétique qui font d’« A la rechercher du temps futur » un morceau jazz-rock-blues intense. Comme il se doit, le morceau-titre, « Letter To The World », est solennel, dense et aérien à souhait. « Afro Blues », lui, évolue dans une ambiance lancinante, entre acoustico-rythmique et électro-spatiale. Après ce chant quasi-incantatoire, « Irarrazabal » lorgne vers la world music : le saxophone soprano, mobile et volubile, répond aux tambours, foisonnants. Mais le gospel a aussi sa voix au chapitre quand le saxophone ténor, en shouter emphatique, et la batterie, brute de fonderie, jouent « Fane », un slow binaire aux contours bluesy. Changement de décor avec « Chazelles », dans une veine jazz funk entraînante et jouissive, à la Sonny Rollins. La batterie se tait et les saxophones pleurent pour « I’Am Talking To The Wall » : Everett déclame avec simplicité et gravité un poème émouvant écrit pour le départ d’un ami, Polo. Letter To The World se conclut sur un « Ni Dieu ni maître » trapu et bluesy, qu’Auguste Blanqui aurait apprécié.
 
La splendide Letter To The World d’Everett et Martin est une ode libertaire teintée de blues… 

Le disque

Letter To The World

Lionel Martin & Sangoma Everett

Lionel Martin (sax, elec) et Sangoma Everett (d, voc), avec Sophia Companion (voc) et Alain Chaleard (Bendir).
Ouch ! Records – V001/27
Sortie le 15 mars 2024

Liste des morceaux


01. « No Guns », Lionel Martin (03:10).
02. « Who Knows », Jimi Hendrix (03:21).
03. « A La Recherche Du Temps Futur », Lionel Martin (02:30).
04. « Letter To The World », Sangoma Everett (03:44).
05. « Afro Blues », Mongo Santamaria (04:31).
06. « Irarrazabal », Yves Cerf (03:25).
07. « Fane », Sangoma Everett & Bruno Delanchy (03:59).
08. « Chazelles », Sangoma Everett & Bruno Delanchy (02:45).
09. « I'Am Talking To The Wall », Sangoma Everett & Lionel Martin (05:07).
10. « Ni Dieu Ni Maître », Lionel Martin (03:29).

07 avril 2024

Floating – Poécordes

Nouveau duo sur la scène du jazz, Poécordes regroupe le pianiste François de Larrard et le batteur Mathieu Bec. Ils sortent leur premier disque, Floating, le 23 février 2024 chez Mazeto Square.

Au répertoire de Floating, pas moins de quinze morceaux, pour la plupart des compositions instantanées, dont les titres, parsemés de jeux de mots, évoquent la musique avec « Vagabondage harmonique », « Tapin tonique » (pentatonique n'est pas loin...), « Pin-pon » (merci les véhicules prioritaires) et « Chromatic Walk » (L’entrée des gladiateurs…), la poésie (« Au creux de ton oreille », « L’oiseau prie », « Petit matin lyonnais »…), deux hommages à des musiciens (« A Kiss To Keith » pour Keith Jarrett et « Parlure (ses cils, dès lors) » que nous pouvons imaginer dédié à Cecil Taylor), des « Forteresses » esseulées et, pour introduire et conclure l’album, les logiques « Comme un départ » et « Séparations ».

« Comme un départ » pose les bases de la musique du duo : un piano qui se promène avec agilité sur les quatre-vingt huit touches, en alternant traits véloces et motifs mélodico-rythmiques plus lents, et une batterie particulièrement mélodieuse, qui, sur une assise régulière, varie les rudiments au grès des propos de son compère. Les morceaux marient swing solide et embardées free dans des successions de tableaux, construits en fonction des idées que les deux musiciens saisissent au bond. Les ambiances sont éclectiques : néo-bop vif (« Vagabondage harmonique I »), quasi latin-jazz (« Vagabondage harmonique II »), voire caribéenne (« Tapin tonique II »), Africaine (« Tapin tonique I »), ballade mystérieuse sur une rythmique imposante (« Au creux de ton oreille »), classique (dans une veine Erik Satie avec « Petit matin lyonnais ») ou romantique pimentée de bop (« Vagabondage harmonique III »), musique contemporaine (« L’oiseau prie »), Köln Concert (« A Kiss To Keith »)… Les mouvements mélodiques sont, eux aussi, multiformes, de légers et dansants (« Vagabondage harmonique II ») ou sautillants (« Petit matin lyonnais »), à élégants (« Vagabondage harmonique III ») ou emphatiques (« Forteresses »), et, le plus souvent, bondissants (« Parlure (ses cils, dès lors) ») et véloces (« Tapin tonique II »), avec des phrases heurtées (« Tapin tonique I »). La plupart des morceaux sont entraînants (« Vagabondage harmonique I ») et se balancent habilement (« Séparations »). Les riffs du piano se marient aux rythmes touffus de la batterie (« Petit matin lyonnais »). Bec en impose avec sa sonorité brute et charnelle (« Vagabondage harmonique II »), ses mailloches majestueuses à la Jack DeJohnette (« A Kiss To Keith »), son chabada tendu (« Chromatic Walk »), ses crépitements (« Forteresses ») ou son jeu ultra-dynamique (« Pin-pon »). A côté des variations torturées (« L'oiseau prie ») et dissonantes (« Séparations »), ou des discours denses (« Vagabondage harmonique III ») et imprévisibles (« Parlure (ses cils, dès lors) »), de Larrard ne manque pas d’humour (« Petit matin lyonnais »).

Malin du début à la fin, Floating est un cocktail savoureux d’équilibre et de liberté.

Le disque

Floating

Poécordes
François de Larrard (p) et Mathieu Bec (d)
Mazeto Square
Sortie le 23 février 2024

Liste de morceaux

01. « Comme un départ » (6:05).
02. « Vagabondage harmonique I » (5:20).
03. « Au creux de ton oreille » (4:23).
04. « L'oiseau prie » (3:45).
05. « Vagabondage harmonique II » (3:49).
06. « A Kiss To Keith » (4:53).
07. « Petit matin lyonnais » (3:36).
08. « Chromatic Walk » (6:08).
09. « Pin-pon » (2:52).
10. « Vagabondage harmonique III » (4:43).
11. « Forteresses » (4:07).
12. « Tapin tonique I » (4:08).
13. « Parlure (ses cils, dès lors) » (6:25).
14. « Tapin tonique II » (3:53).
15. « Séparations » (3:44).

Toutes les compositions sont signées de Larrard et Bec.



04 avril 2024

La vie d’après – Duo Brady

Michèle Pierre et Paul Colomb montent le Duo Brady en 2010, du nom d’un passage du Xe arrondissement de Paris où, depuis trois ans, ils organisent un festival en juillet. Forts de leur passé classique – CNSM de Paris pour l’une et HEMU de Lausanne pour l’autre – et d’une instrumentation unique – deux violoncelles – le duo prend un malin plaisir à brouiller les pistes, du jazz à la musique contemporaine, en passant par les musiques actuelles.

Après Plaines, sorti en 2020, le Duo Brady revient sur disque en décembre 2023 avec La vie d’après, publié au Ponton desArts. Les treize compositions sont signées du duo. Les titres des morceaux promettent un sacré voyage acoustique spatio-temporel surréaliste qui mène de la Grèce antique – « Le voyage des titans », « Valse en Arcadie » – à Mars – où nous retrouvons Philip Glass dans « Glass on Mars » – avec des escales dans une nouvelle ère norvégienne (« Ny Æra »), l’Islande (« Landsis »), la techno (« Technoïda »), le cœur (« Systole »), Star Trek (« NuqneH! »), le chocolat (« Tarte au snickers »)…
Pierre et Colomb soignent leurs mélodies, tantôt dans un style musique classique (« La vie d’après ») ou baroque (« Valse en Arcadie »), voire minimalistes (« Clic boom ») ou contemporaines (« Glass on Mars »), tantôt mystérieuses et cinégéniques (« Après la nuit »), sombres (« Ny Æra »), ou carrément actuelles, en mode techno (« NuqneH! »). Dans les développements, les deux violoncellistes alternent variations mélodiques et passages rythmiques (« Le voyage des titans »), avec des traits dissonants (« La vie d’après »), parfois étirés (« Landsis »), mais aussi des déroulés cérémonieux (« Valse en Arcadie ») ou des phrases parsemées de modulations et autres glissandos (« Systole »), des boucles entrelacées (« Clic boom ») et des envolées free (« Tarte au snickers »). Le Duo Brady subjugue par ses trouvailles rythmiques. Pourtant, la gageure est là car le violoncelle est l’instrument icône de la pureté mélodique par excellence. Mais Pierre et Colomb maîtrisent l’art du pizzicato comme pas deux : entraînant (« La vie d’après »), en ostinato (« Ny Æra »), horloger (« Clic boom »), léger (« Valse en Arcadie »), mélodico-rythmique (« Le voyage des titans »), en contrepoint (« Landsis ») ou a capela (« Valse en Arcadie »)… Pierre et Colomb puisent aussi au fond des possibilités rythmiques de leur instrument sans utiliser d’effets électro : bourdons à l’archet et jeux sur les variations de volume sonore (« La vie d’après »), grattés vigoureux (« Le voyages titans »), pédales (« Technoïda »), riffs dansants (« Systole »), battements binaires sur la table d’harmonie (« Glass on Mars »), ambiances dance floor (« Technoïda »), motifs rythmiques galopants (« Après la nuit »), cordes frappées à l’archet (« Glass on Mars »)…
Le Duo Brady met le feu et, si nous les écoutons, La vie d’après n’est pas de tout repos, mais vaut certainement le coup d’être vécue !


Le disque 

 

La vie d’après Duo Brady  
Michèle Pierre (cello) et Paul Colomb (cello). 
Le Ponton des Arts – BRA002 
Sortie le 1er décembre 2023

Liste des morceaux

 

01. « La vie d'après » (07:15). 
02. « Le voyage des titans » (05:35). 
03. « Systole » (03:34). 
04. « Ny Æra » (02:51). 
05. « Clic boom » (03:25). 
06. « Capsule jaune » (01:02). 
07. « Glass on Mars » (05:45). 
08. « Technoïda » (04:28). 
09. « Valse en Arcadie » (04:05). 
10. « Landsis » (02:01). 
11. « Tarte aux snickers » (03:37). 
12. « Après la nuit » (04:34). 
13. « NuqneH! » (02:38). 
 
Tous les morceaux sont signés Pierre et Colomb.

30 mars 2024

Soirée Daniel Humair au Triton

Le 16 mars 2024, Le Triton célèbre Daniel Humair, peintre et musicien, avec un vernissage à dix-huit heures trente et un concert à vingt heures trente. Le temps de profiter d’un délicieux dîner proposé par le chef Alain Chenard…

Côté peinture, une quinzaine de tableaux est disséminée sur les murs du restaurant. De format moyen, rectangulaires ou carrés, la plupart des tableaux sont peints sur papier marouflé collé sur toile. Le style d’Humair est reconnaissable entre tous. Des fonds souvent monochromes, mais jamais en aplat, plutôt rugueux, piqués, striés, tâchés… dans des couleurs plutôt vives, avec des bleus, des verts, des oranges… Et sur ces arrière-plans, des formes irrégulières se superposent, se jouxtent ou se croisent. Elles aussi sont colorées, avec ce même aspect brut que le fond. Leurs contours, clairement tracés, comme pour des vitraux, les mettent encore davantage en relief. Ces œuvres dégagent une impression de puissance, tant la matière est omniprésente.

Côté musique, le trio est dans la lignée de Modern Art (2017) et de Drum Thing (2020), avec Vincent Lê Quang aux saxophones ténor et soprano, et Christophe Hache à la contrebasse, qui remplace au pied levé Stéphane Kerecki. Sur Drum Thing le trio avait invité le trompettiste Yoann Loustalot. Pour le concert, c’est le tromboniste Samuel Blaser, compatriote d’Humair et membre de l’Heleveticus Trio (avec Heiri Känzig) qui se joint aux trois musiciens.

La soirée commence sur les chapeaux de roue avec « Jim Dine », une composition d’Humair dédiée à l’artiste américain et repris de Modern Art. Le déroulé du morceau reflète tout à fait l’esprit de la musique du plus Français des batteurs Suisse. Sur une batterie mate, sèche, furibonde, et une contrebasse carrée, saxophone et trombone mêlent leurs voix, entre lignes en pointillés, phrases étirées, questions-réponses sportives et contre-chants mordants. La rythmique, elle, alterne dialogues avec les soufflants et walking – chabada. Le tout, dans une ambiance dynamique à souhait !

« Genevamalgame » est un autre morceau d’Humair, d’abord joué en 2004 au festival Jazz à la Vilette, avec George Garzone et Tony Malaby aux saxophones ténors, Manu Codjia à la guitare et Anthony Cox à la contrebasse. Le morceau figure également au programme d’Our Way, de l’Helveticus Trio, dont la sortie est prévue en mai 2024. Après un démarrage majestueux – cymbales solennelles, pédale de basse, et bourdon ou riff du ténor et du trombone – la rythmique, qui ne tient pas longtemps en place, part au galop dans une walking et un chabada effrénés. Blaser et Lê Quang brodent au-dessus de cette atmosphère luxuriante, tantôt calmement, tantôt nerveusement, en solo ou à deux, mais toujours avec une tension sous-jacente. Le quartet termine sur un « quadrilogue » aux accents Africains, avant de conclure en mode fanfare néo-orléanaise free… 

Samuel Blaser - Christophe Hache - Vincent Lê Quang - Daniel Humair (c) PLM

Humair dédie le concert à Sylvain Luc, décédé beaucoup trop tôt, le 13 mars
2024. Le quartet interprète « Deborah etc. », librement inspiré du thème qu’Ennio Morricone a écrit pour Il était une fois l’Amérique. L’air, légèrement accroche-cœur, est exposé en contrepoints par le trombone et le ténor, lentement, comme une ode, sur une batterie cérémonieuse et une contrebasse grave. Le développement se base sur un dialogue tout en douceur entre Blaser et Lê Quang, porté par une rythmique légère et entraînante.

« More Tuna » de Joachim Kühn rappelle de bons vieux souvenirs, et le splendide disque Triple Entente, enregistré en 1998 avec le regretté Jean-François Jenny-Clark. Le chorus d’ouverture d’Humair sur les tambours est solaire ! Après une introduction en forme de contre-chants, le saxophone et le trombone exposent à l’unisson un thème-riff gaillard, dans une veine quasiment hard-bop. Soutenus par le foisonnement puissant d’Humair et la walking solide d’Hache, Blaser et Lê Quang prennent la poudre d’escampette pour rejoindre des contrées free, laissant juste la place pour une intervention mélodieuse de la contrebasse.

Daniel Humair - Le Triton - 16 mars 2024 (c) PLM

« Morceau tragique », comme le présente Humair, « Drama Drome » apparaît en 2003 sur Baby Boom, avec Matthieu Donarier, Christophe Monniot, Codjia et Sébastien Boisseau. Très cinégénique, propulsé par les balais et les motifs minimalistes de la contrebasse, qui prennent parfois des teintes bluesy, le saxophone et le trombone interagissent en toute intelligence, avec des constructions souvent proches de la musique contemporaine.


Autre réminiscence du passé, « Mutinerie » a été écrit en 1998 par Michel Portal (Dockings Markus Stockhausen, Steve Swallow, Bruno Chevillon, Bojan Z et Joey Baron) et repris par Humair, en 2001 dans Liberté Surveillée (Ellery Eskelin, Marc Ducret et Chevillon), en 2017 dans Seasoning (Lê Quang, Emil Spanyi et Kerecki) et en 2020 dans Drum Thing. Entre la rythmique abrupte, véloce et musclée, l’unisson sur le thème-riff aux accents folk, les accélérations brutales, les variations de volume et les envolées free du trombone et du saxophone soprano, « Mutinerie » est un morceau particulièrement dense !

Vincent Lê Quang - Le Triton - 16 mars 2024 (c) PLM

En guise d’introduction de « High Society », marche écrite par Porter Steele en 1901, Humair, qui est d’humeur loquace, raconte sa découverte du jazz : « quand j’étais petit… A Genève… Ma Maman… Elle écoutait les Compagnons de la chanson avec Edith Piaf, « Les trois cloches » ... Une cloche sooonnneu, sooonnnneu… bon et cetera. Ensuite on s’est farci un disque épouvantable qui s’appelle « Y dit le cochon » dont je vous passerai les paroles un jour, et le troisième morceau, c’est un morceau de Charles Aznavour, et ça s’appelle « Le feutre taupé ». Donc ce n’est pas vraiment une éducation de jazz. Par contre, à douze ans, un petit camarade est arrivé avec un disque de jazz. Vous vous rendez compte, un septante huit tours, comme on dit en Suisse, de jazz et c’était « Royal Garden Blues » par Mezz Mezzrow, Bill Coleman, je crois, le trombone je ne suis pas sûr, le batteur était Zutty Singleton (1), que vous ne connaissez pas, mais qui était un très grand batteur et qui a fait partie de l’histoire du jazz. Donc à partir de ce moment là j’ai eu le virus et l’un des morceaux les plus connus de cette époque c’était « High Society », avec un solo réputé de clarinette d’Alfonse Picou. et c’était magique, tout le monde essayait de jouer le chorus d’Alfonse Picou. Et mes petits camarades et moi-même avons décidé d’assassiner pour une dernière fois « High Society ». Alors voici, des années où vos parents n’étaient pas nés, voici « High Society » »… Le quartet débute en mode fanfare tonitruante dans le style New Orleans. Que ce soit sur une walking et des chabadas ultra-rapides ou les quatre temps marqués vigoureusement, le trombone et le soprano passent de traits virtuoses joués à l’unisson à des contre-chants agiles, des courtes phrases fuguées, des échanges bluesy, des stop-chorus dixieland… Un jazz authentiquement libre !

Samuel Blaser - Le Triton - 16 mars 2024 (c) PLM

Comme le souligne Humair : « Une particularité dans ce groupe, c’est qu’il n’y a pas de liste ». Et les quatre musiciens de s’amuser en choisissant le morceau qu’ils vont jouer… Le choix se porte finalement sur « Drum Thing 2 » , repris du disque éponyme. Sur une rythmique toujours athlétique et touffue, le ténor et le trombone déploient avec inspiration un thème entre hard-bop et free, coloré d’un zeste de blues. Avant l’épilogue free, le solo massif d’Humair met en relief le poids des peaux et le choc des cymbales !

Retour dans le passé avec « For Flying Out Proud », signé du trompettiste Suisse Franco Ambrosetti. Ce morceau « que nous avions enregistré au XXe siècle avec Woody Shaw, Jon Faddis... Qui il y avait d’autre ?... Kenny Wheeler. Ça s’appelait Trumpetmachine ». Ce super groupe, dirigé par le pianiste George Gruntz, comptait également dans ses rangs les trompettistes Palle Mikkelborg et Mike Zwerin, et le contrebassiste Isla Eckinger. Le disque éponyme est sorti en 1978. Humair ne manque pas également de rappeler au public : « n’oubliez pas d’avoir une pensée pour notre ami qui est parti voir le blues ailleurs »… La mise en route de « For Flying Out Proud » évoque à nouveau un hard-bop trapu, rapide, virtuose… La rythmique exubérante met sous pression le ténor, qui rivalise d’ingéniosité et de célérité, et le trombone, qui attise les flammes et répond astucieusement à la contrebasse. La progression collective du quartet fait la part belle aux ruptures rythmiques, fluctuations sonores et autres jeux sur les timbres.

Christophe Hache - Le Triton - 16 mars 2024 (c) PLM
 

Suit « un morceau que je joue pour la première fois… que nous avons composé dans le TGV… Première classe parce qu’on n’est pas des rigolos… Et mon camarade Vincent Lê Quang est le nouveau chanteur… C’est une ballade… qui va vous apaiser l’esprit pour rentrer chez vous et regarder la télévision, pour voir des jeunes chanteurs et chanteuses vous chanter des belles choses, où la mélodie c’est [et de taper comme un sourd sur sa batterie]… Un batteur qui jouait très très bien, qui s’appelait André Arpino, avait dit que dans la musique d’aujourd’hui la mélodie était jouée par la grosse caisse… Nous allons vous jouer une vraie mélodie, comme dans le temps… Le temps de la blanquette de veau à l’ancienne… Ça s’appelle ?... » Et Blaser de répondre : « Les grilladines » (pas sûr de la phonétique). Un unisson majestueux, sur une contrebasse économe et des cymbales frémissantes, débouche sur une conversation paisible entre le saxophone et le trombone, soutenue par une polyrythmie entraînante. La montée en tension se fait progressivement, avivée par les envolées free du ténor.

Vincent Lê Quang - Samuel Blaser - Daniel Humair - Christophe Hache (c) PLM

Le concert s’achève sur une coda menée tambour battant par Humair, pendant que Blaser, Lê Quang et Hache exposent en boucle à l’unisson le « Jackie-Ing » de Thelonious Monk (au programme d’Our Way).

Une exposition de peintures captivante et un concert intense… Que vouloir de plus ? En tous cas, il se passe toujours quelque chose d’inouï dans l’univers d’Humair.

 

(1) Il s’agit peut-être de l’une de ces deux versions de « Royal Garden blues ».

* Mezzrow-Ladnier Quintet – « Royal Garden Blues » / « If You See Me Comin' » (Swing - 1938) : Mezz Mezzrow (cl), Tommy Ladnier (tp), Teddy Bunn (g), Geo. Pops Foster (b) et Manzie Johnson (d).

* Bill Coleman And His Swing StarsJazz A Pleyel N°1 (Swing – 1952) : Bill Coleman (tp, voc), Dickie Wells (tb), Guy Lafitte (cl, ts), Randy Downes (p), Alvin Banks (b) et Zutty Singleton (d).

 

24 mars 2024

Jazz et papier (suite)

Addendum à l’article du 17 mai 2020

Selon le Panorama de la presse musicale en France publié par le Centre National de la Musique en janvier 2023, de 2011 à 2021, plus d’un quart des points de vente de presse ont fermé et, entre 2009 et 2019, les ventes de la presse musicale se sont effondrées de 34%… Ce n’est un secret pour personne : la presse papier en général languit, la presse papier spécialisée souffre, la presse papier musicale agonise et la presse papier jazz nationale boit le calice !

En dehors de la fin – programmée – d’Improjazz, il n’y a pas eu de changements majeurs depuis le précédent article « Jazz et papier », mais quelques ajouts nécessaires pour parfaire le tableau.


L’Indépendant du Jazz

Un fanzine avant l’heure

En octobre 1974, Jean-François Quievreux, alias Jef Gilson, Gérard Terronès et Jean-Jacques Pussiau lancent L’Indépendant du Jazz, dont une vingtaine de numéros sera publiée.

Ce journal artisanal d’une dizaine de pages, imprimées en offset, uniquement recto et sous forme de feuillets volants – pour pouvoir les regrouper par thème – sert avant tout de vitrine et de catalogue au label Palm (Productions Artistiques, Littéraires et Musicales) créé par Gilson en 1973. Distribué avec les disques du label, vendu 3 F à l’unité ou 12 F sur abonnement, L’Indépendant du Jazz est une publication trimestrielle tirée à mille cinq cents exemplaires.

L’Indépendant du Jazz se définit lui-même comme « un journal différent qui apporte aux problèmes de jazz un éclairage nouveau ». A l’instar de la plupart des magazines musicaux, il propose des entretiens avec des musiciens, comptes-rendus de concerts, chroniques de disques, revue de presse, actualités sur le monde du jazz et théorie musicale.

Plutôt orienté vers le jazz d’avant-garde et le free, L’Indépendant du Jazz s’adresse essentiellement à des « amateurs éclairés ».


Jazz, Blues and Co.

Le jazz, mais pas que...

Colette Sawisky fonde Jazz, Blues and Co. en 1975 et en arrête la publication en juin 1986.

Au démarrage, Jazz, Blues and Co est un mensuel de vingt pages, vendu 2,5 F. Courant 1977, il passe à vingt-quatre pages pour 4 F ou 35 F sur abonnement, pour terminer à 5 F pour un numéro normal et 6 F pour un numéro spécial. A partir de 1978, les numérotations et dates deviennent plus compliquer à suivre : tantôt mensuel, comme le numéro 16 d’avril 1978, le plus souvent bimestriel, couvrant deux numéros et deux mois (par exemple : la revue numérotée 23, 24 pour novembre & décembre 1978), voire trois (les numéros 18, 19, 20 dans l’édition Été 1978). 

 

Si Jazz, Blues and Co. conserve sa taille de 21 cm et une impression en noir et blanc tout au long de sa carrière, en revanche la couverture passe par plusieurs évolutions. Du lancement à mai 1978, un saxophone brandit par un bras noir sert de J au titre JAZZ, BLUES and Co. Puis, à partir de l’été 1978, le saxophone devient un logo qui se détache au-dessus de Jazz, Blues and Co. écrit en cursive sur un fond blanc. Le fond devient noir à compter de l’été 1979, puis, dans les années 80, le saxophone disparaît. Les pages de couvertures sont inamovibles du début à la fin, avec, sur la moitié de la largeur de la page, une photo en bas à gauche et l’éditorial en regard, à droite.

Il n’y a pas de publicité et, comme l’annonce le logo, Jazz, Blues and Co. propose des « documents – disques – interviews – photos ». Si la ligne éditoriale va du jazz au rock’n roll, en mettant l’accent sur des musiciens qui, à l’époque, se tiennent souvent loin des circuits commerciaux majeurs, le blues et le rock se taillent la part du lion. Il y a, par exemple, peu de photos de couverture consacrées à des musiciens de jazz. Coleman Hawkins fait bien la une du numéro 32, 33 d’août & septembre 1979, mais c’est l’exception qui confirme la règle…

Bien que « revue agréable qui ne s’adresse pas uniquement à l’amateur averti », Jazz, Blues and Co. n’aura eu qu’une carrière confidentielle.


Le Jazzophone

Le porte-voix du Centre d’Information Musicale

En 1928, le compositeur Mátyás Seiber ouvre la première classe de jazz au Conservatoire Hoch de Francfort et Lawrence Berk crée en 1945 la Schillinger House of Music à Boston, première école consacrée au jazz et future Berklee College of Music. En France, il faut attendre 1963 pour que Guy Longnon fasse entrer le jazz au Conservatoire de Marseille et 1976 pour qu’Alain Guerrini fonde le Centre d’Information Musicale (CIM), dédié au jazz. C’est dans le cadre du CIM que Guerrini lance Le jazzophone en 1978. Faute de ressources, l’aventure ne dure que six ans et dix-sept numéros.

Édité à deux mille cinq cent exemplaires, Le Jazzophone est sensé être trimestriel, mais il sort irrégulièrement : deux numéros en 1982 (12 et 13), trois numéros en 1979 (2, 3 et 4), 1981 (le double 9 & 10 et 11) et 1983 (14, 15 et 16) et quatre numéros en 1980 (5, 6, 7 et 8). Le premier numéro couvre le quatrième trimestre 1978 et le dernier (numéro 17) correspond au premier trimestre 1984. Imprimé en noir et blanc par l’Imprimerie du Marché Daguerre, Le jazzophone passe par trois formats différents : les huit premiers numéros sont peu ou prou dans un format cahier 24 x 30,5, les cinq suivants restent dans un format cahier de 23 x 31 cm et les quatre derniers passent quasiment en quart-raisin (24 x 32 cm). Les premiers numéros comptent une vingtaine, puis une trentaine de pages, mais dès les numéros 9 et 10, le journal comporte entre soixante et soixante-dix pages. D’abord vendu 6 F jusqu’au numéro 5, il passera à 7 F pour les numéros 7 et 8, puis 15 F pour le numéro double 9 & 10, 8 F pour le numéro 11, 12 F du numéro 12 à 16 et 18 F pour le dernier numéro… Les abonnements augmenteront également par étapes : 25 F, 35 F, 50 F et 60 F… Il y a à peine une douzaine d’encarts publicitaires, dont Selmer, qui fait le quatrième de couverture sur tous les numéros à partir du 9 (excepté le numéro 16). A noter aussi un clin d’œil dans le n°16 de novembre 1983 : une publicité pour s’abonner à Jazz Ensuite, bimestriel lancé en 1983… 


Le Jazzophone a du mal à trouver sa couverture. Les quatre premiers sont une pleine page en couleur (violet, vert…) avec deux bandes blanches irrégulières à droite, le titre en haut à gauche, écrit en lettres minuscules, une photo en bas à droite et, en bas à gauche, comme une légende, le sommaire. Pour les trois numéros suivants, il y a une photo en pleine page et le titre prend toute

la largeur, en haut. Les numéros 8 et 9&10 voient l’illustration passer dans un encadré, sous le titre. La couverture du numéro 8 évoque la une de Playboy : une jazzophone girl fait une fente sur un escabeau… Quant au numéro double 9&10, il introduit la couleur, avec un portait dessiné de Charlie Parker. Les cinq numéros suivants se concentrent sur des photos ludiques (un taxiphone, un tourne-disque crêpière, un ventilateur à disque…) en pleine page, centrées et encadrées. Une seule constante : le titre toujours écrit en minuscules et placé en haut de la page. Pour les deux dernière numéros, l’arrière-plan est blanc, la taille de la photo est réduite (John Coltrane et un « langoustophone »), avec un extrait du sommaire en bas de page.

La mise en page, sur deux ou trois colonnes, est sobre et agrémentée de
nombreuses photos et illustrations. L’éditorial – souvent consacré à la défense du jazz et des musiciens – est rédigé par Guerrini jusqu’au numéro douze. L’éditorial du numéro 13 est cosigné avec Christine Guerrini, qui succède à son mari comme rédactrice en chef. Elle signe les trois éditoriaux suivants, avant que « Le jazzophone » ne conclue pour les deux derniers numéros. Le ton de Jazzophone est simple, voire familier, notamment lors des entretiens, avec parfois un petit côté potache, comme dans « Jazz sur l’échangeur » (numéro 15). Côté contenu, Le jazzophone s’articule autour d’un dossier sur un instrument (saxophone, batterie, voix, basse, synthétiseur, voix...) présenté sous forme d’entretiens croisés ou de textes. Le lecteur trouve également des chroniques, reportages, nouvelles, articles pros (partition, répertoire, théorie musicale, conseils juridiques…) etc. Quelques rubriques reviennent périodiquement : « Chronique d’un flâneur » de Jean-Claude Quéroy, « Du côté de chez soi » qui laisse la parole aux clubs de province, « Des nouvelles de l’Europe », « Clubs, caves et boîtes », « Jazz sur papier »… Le contenu du Jazzophone est sérieux et, au grès des numéros, les lecteurs croisent, entre autres, Ivan Jullien, Jef Gilson, Roger Guérin, André Villeger, Michel Jonasz et même John Coltrane, dans un entretien inédit (numéro 16 de novembre 1983).  

 

Le jazzophone a trouvé une formule amusante pour présenter les chroniques de disques : un panel de journalistes (y compris des confrères d’autre revues de jazz), de musiciens, de disquaires et de membres du CIM note les disques de zéro à six. Un tableau récapitulatif chapeaute les citations des chroniqueurs, en regard de la présentation du disque et de sa pochette.

Les contributeurs sont des connaisseurs patentés du jazz à l’instar de Philippe Baudoin, Franck Bergerot, André Francis, Jean Buzelin, François Billard, Pascal Anquetil, Francis Paudras… Et les photographes, en dehors des journalistes eux-mêmes, ne sont pas en reste : Frédéric Lapierre, Thierry Trombert, Christian Rose, Jean-Pierre Leloir...

Le jazzophone reposait sur l’enthousiasme et l’activité débordante de Guerrini, modèle difficilement pérenne, sans compter que c’était un journal sans doute trop spécialisé pour rencontrer un public durable.

A noter qu’en 2014, un Jazzophone nouveau voit le jour à Nice, lancé par Imago Production & Records pour rendre compte de « l’actualité et des concerts du Label Jazz à Nice et des la Riviera Française ».


Jazz Ensuite

Un extra-terrestre reparti trop tôt

En 1983, les éditions Fréquences, créées par Edouard Pastor en 1977 et qui publient notamment La nouvelle revue du son et LED, proposent à Jean Rochard de monter Jazz Ensuite. Après seulement cinq numéros, à l’automne 1984, la revue disparaît et Rochard se consacre au label nato, qu’il a fondé en 1980.

Bimestriel ambitieux, Jazz Ensuite compte 114 pages dans un format proche du B5 (18 x 24 cm), ce qui en fait plutôt un livre qu’un magazine. Il est vendu 30 F et l’abonnement fixé à 160 F, soit une revue haut de gamme. A titre de comparaison, à la même époque, la revue Esprit (in-octavo de 320 pages) est vendue 64 F. Jazz Ensuite est imprimée en noir et blanc par l’imprimerie Berger-Levrault à Nancy et compte peu d’annonces publicitaires (une petite vingtaine, en moyenne). Petit clin d’œil et renvoi d’ascenseur dans le numéro 1 (page 63) : une publicité pour Le Jazzophone...

Modernes et colorisées, les couvertures sont constituées d’une photo en pleine page, avec « jazz » écrit en caractères majuscules en haut sur toute la largeur, et « ensuite », en caractères minuscules, en bas sur toute la largeur, également. Si « ensuite » change de couleur à chaque numéro, « jazz » est soit rempli, soit juste délinéé. La mise en page sur trois colonnes (plus rarement deux) serait austère s’il n’y avait pas de nombreuses photos de qualité pour égayer les textes.

Les unes, prises par Jean-Marc Birraux, annoncent la ligne directrice de la revue : Annick Nozati, Ornette Coleman, Jac Berrocal, Don Cherry et Derek Bailey. Les éditoriaux, tous signés Rochard, sont volontiers provocateurs. En page 6, en face du sommaire, un pêle-mêle de photos et d’illustrations, avec des légendes souvent humoristiques, renvoie aux articles de Jazz Ensuite.

Le contenu de Jazz Ensuite est évidemment très complet. Même si le jazz contemporain à la primeur, la revue s’intéresse à toutes les époques et tous les styles. Des articles de fonds traitent de sujets très variés : Fred Astaire, Doris Day, 1917, les Marx Brothers, la Grande Parade de Nice, The King of Jazz – Paul Whiteman, Frank Zappa, les films noirs, la télévision, New York, les clarinettistes des années 20, les tenues vestimentaires des musiciens de jazz, le jazz en Europe de l’est etc. Des entretiens mettent aussi bien en avant Marcel Zanini, Philippe Sarde, Christian Escoudé, Didier Lockwood, Jean-Luc Ponty ou Jacques Diéval que Sunny Murray, Yochko Seffer, Archie Shepp, Sonny Sharrock, Toshinori Kondo, Jacques Di Donato, Barre PhillipsJazz Ensuite propose également des discographies (Patrice Caratini, Bernard Vitet, Jacques Tollot…). Une dizaine de pages d’informations sur les concerts, émissions, livres etc. côtoient des mini-chroniques, qui couvrent jusqu’à une cinquantaine de disques. Alain Gibert présente un amusant « [Le] petit instrumentiaire ». Un « Sommaire musical » astucieux propose une bande son pour accompagner les textes… Les signatures se partagent entre journalistes – Gérard Rouy, Daniel Nevers, Pascal Bussy, Jean Buzelin… – et musiciens – Didier Levallet, Derek Bailey, Lol Coxhill, Jean-François Pauvros… Le ton de Jazz Ensuite est un mélange de sérieux et de légèreté, avec une bonne d’humour et d’ironie.

Il est bien dommage que Jazz Ensuite n’ait eu qu’une si brève existence parce que son positionnement, entre la presse jazz généraliste et Les cahiers du jazz, en faisait une revue passionnante ! 

  

Sources :

* Archives personnelles

* Panorama de la presse musicale en France – Centre National de la Musique

* La presse musicale en France – Robert Cosials et Gilles Pierret